ÚLTIMA EXPOSICIÓN QUE HAS VISTO.

FOTOROCK
Hay una expo de fotografía de personalidades del Rock (o lo que ellos llaman rock) en el centro comercial Hortaleza, en Madrid.
Probablemente me pase un día a lo largo de la semana que viene.
Últimamente he recuperado la afición por la fotografía, que la tenía bastante enterrada, y he desempolvado mi Reflex Nikon, y tengo pensado acudir a toda expo de fotografía que se precie, y sobre todo que sea gratuita, que ya no me queda otra     
....quien sabe, lo mismo cambio de profesión...


Aquí la info del evento:
===================================================================================
Vamos a calentar el invierno, vamos a darle marcha y remover Hortaleza al ritmo del rock and roll. Para eso, hemos preparado un montón de actividades desde EL 7 DE FEBRERO AL 9 DE MARZO:

Para empezar, tendremos la EXPOSICION FOTO ROCK, que le da nombre al evento y que consiste en 50 fotografías de gran formato de casi todos los ídolos de la música, retratados por la cámara de Domingo J. Casas.

En palabras del periodista y músico Fernando Martín: Pasen y vean y háganse una composición de lugar, admirando las instantáneas que, desde los tiempos del blanco y negro a los de la técnica digital nos han acercado el momento supremo de la creación musical hasta las mismas narices, revelando todo cuanto tiene de visual el mágico arte de la música. Podremos contemplar fotos originales y casi siempre inéditas de los más grandes: Desde Paul McCartney hasta Imagine Dragons, pasando por Freddie Mercury, Bowie, Keith Richards, Springsteen, Coldplay, etc. y sin olvidar a los españoles: Alejandro Sanz, Pereza, Miguel Ríos, Alaska, Santiago Auserón, Nacha Pop,  Dani Martín y un largo etcétera reunidos por primera vez en España en una exposición antológica de la historia del rock vista concierto a concierto, nota a nota.

Esta magnífica exposición es el marco en el que además realizaremos CONCIERTOS EN VIVO de los mejores temas del rock de todos los tiempos, interpretados por “THE HOT TUBES” todos los DOMINGOS a las 12:30 h.

Además, tendremos TODOS LOS FINES DE SEMANA (viernes tarde y Sábados, mañana y tarde) y de manera alternativa durante los fines de semana, bien tendremos PASACALLES DE CINE-ROCK, dónde los personajes de las películas musicales de todos los tiempos bailarán e interactuarán con el público, recorriendo todo el Centro, ó TALLERES PARA LOS PEQUES de Tatuajes, Pintacaras, accesorios Rockeros, concursos de baile y muchas más actividades para verdaderamente rocanrolear y darle marcha al invierno.

Horario:
Viernes: 18:00 a 20:30 hrs.
Sábados:  12:00 a 14:00 hrs y 17:30 a 20:00 hrs.
Domingos: 12:30 a 14:30 hrs.

Todas las actividades y la exposición son gratuitas y están diseñadas para toda la familia en el Centro Comercial Gran Vía de Hortaleza. Parking gratuito.
===========================================================================

Añado, que este centro comercial está justo a la salida del metro Mar de Cristal, líneas 4 y 8.

Fuente: http://www.granviadehortaleza.com/noticias/foto-rock

Guisopazo escribió:FOTOROCK
Hay una expo de fotografía de personalidades del Rock (o lo que ellos llaman rock) en el centro comercial Hortaleza, en Madrid.
Probablemente me pase un día a lo largo de la semana que viene.
Últimamente he recuperado la afición por la fotografía, que la tenía bastante enterrada, y he desempolvado mi Reflex Nikon, y tengo pensado acudir a toda expo de fotografía que se precie, y sobre todo que sea gratuita, que ya no me queda otra     
....quien sabe, lo mismo cambio de profesión...


Aquí la info del evento:
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Vamos a calentar el invierno, vamos a darle marcha y remover Hortaleza al ritmo del rock and roll. Para eso, hemos preparado un montón de actividades desde EL 7 DE FEBRERO AL 9 DE MARZO:

Para empezar, tendremos la EXPOSICION FOTO ROCK, que le da nombre al evento y que consiste en 50 fotografías de gran formato de casi todos los ídolos de la música, retratados por la cámara de Domingo J. Casas.

En palabras del periodista y músico Fernando Martín: Pasen y vean y háganse una composición de lugar, admirando las instantáneas que, desde los tiempos del blanco y negro a los de la técnica digital nos han acercado el momento supremo de la creación musical hasta las mismas narices, revelando todo cuanto tiene de visual el mágico arte de la música. Podremos contemplar fotos originales y casi siempre inéditas de los más grandes: Desde Paul McCartney hasta Imagine Dragons, pasando por Freddie Mercury, Bowie, Keith Richards, Springsteen, Coldplay, etc. y sin olvidar a los españoles: Alejandro Sanz, Pereza, Miguel Ríos, Alaska, Santiago Auserón, Nacha Pop,  Dani Martín y un largo etcétera reunidos por primera vez en España en una exposición antológica de la historia del rock vista concierto a concierto, nota a nota.

Esta magnífica exposición es el marco en el que además realizaremos CONCIERTOS EN VIVO de los mejores temas del rock de todos los tiempos, interpretados por “THE HOT TUBES” todos los DOMINGOS a las 12:30 h.

Además, tendremos TODOS LOS FINES DE SEMANA (viernes tarde y Sábados, mañana y tarde) y de manera alternativa durante los fines de semana, bien tendremos PASACALLES DE CINE-ROCK, dónde los personajes de las películas musicales de todos los tiempos bailarán e interactuarán con el público, recorriendo todo el Centro, ó TALLERES PARA LOS PEQUES de Tatuajes, Pintacaras, accesorios Rockeros, concursos de baile y muchas más actividades para verdaderamente rocanrolear y darle marcha al invierno.

Horario:
Viernes: 18:00 a 20:30 hrs.
Sábados:  12:00 a 14:00 hrs y 17:30 a 20:00 hrs.
Domingos: 12:30 a 14:30 hrs.

Todas las actividades y la exposición son gratuitas y están diseñadas para toda la familia en el Centro Comercial Gran Vía de Hortaleza. Parking gratuito.
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Añado, que este centro comercial está justo a la salida del metro Mar de Cristal, líneas 4 y 8.

Fuente: http://www.granviadehortaleza.com/noticias/foto-rock

Yeah, estuve allí hace dos semanas, Guiso.
Está bien, justifica el irse a ese curioso centro comercial y, además, están, en la planta de arriba, los de Ziggy Records con su estupenda selección de viejos L.P.'s y precios populares. (El soplo me lo dio Bar Biquernes).

Refrescospepito escribió:

Guisopazo escribió:FOTOROCK
Hay una expo de fotografía de personalidades del Rock (o lo que ellos llaman rock) en el centro comercial Hortaleza, en Madrid.
Probablemente me pase un día a lo largo de la semana que viene.
Últimamente he recuperado la afición por la fotografía, que la tenía bastante enterrada, y he desempolvado mi Reflex Nikon, y tengo pensado acudir a toda expo de fotografía que se precie, y sobre todo que sea gratuita, que ya no me queda otra     
....quien sabe, lo mismo cambio de profesión...


Aquí la info del evento:
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Vamos a calentar el invierno, vamos a darle marcha y remover Hortaleza al ritmo del rock and roll. Para eso, hemos preparado un montón de actividades desde EL 7 DE FEBRERO AL 9 DE MARZO:

Para empezar, tendremos la EXPOSICION FOTO ROCK, que le da nombre al evento y que consiste en 50 fotografías de gran formato de casi todos los ídolos de la música, retratados por la cámara de Domingo J. Casas.

En palabras del periodista y músico Fernando Martín: Pasen y vean y háganse una composición de lugar, admirando las instantáneas que, desde los tiempos del blanco y negro a los de la técnica digital nos han acercado el momento supremo de la creación musical hasta las mismas narices, revelando todo cuanto tiene de visual el mágico arte de la música. Podremos contemplar fotos originales y casi siempre inéditas de los más grandes: Desde Paul McCartney hasta Imagine Dragons, pasando por Freddie Mercury, Bowie, Keith Richards, Springsteen, Coldplay, etc. y sin olvidar a los españoles: Alejandro Sanz, Pereza, Miguel Ríos, Alaska, Santiago Auserón, Nacha Pop,  Dani Martín y un largo etcétera reunidos por primera vez en España en una exposición antológica de la historia del rock vista concierto a concierto, nota a nota.

Esta magnífica exposición es el marco en el que además realizaremos CONCIERTOS EN VIVO de los mejores temas del rock de todos los tiempos, interpretados por “THE HOT TUBES” todos los DOMINGOS a las 12:30 h.

Además, tendremos TODOS LOS FINES DE SEMANA (viernes tarde y Sábados, mañana y tarde) y de manera alternativa durante los fines de semana, bien tendremos PASACALLES DE CINE-ROCK, dónde los personajes de las películas musicales de todos los tiempos bailarán e interactuarán con el público, recorriendo todo el Centro, ó TALLERES PARA LOS PEQUES de Tatuajes, Pintacaras, accesorios Rockeros, concursos de baile y muchas más actividades para verdaderamente rocanrolear y darle marcha al invierno.

Horario:
Viernes: 18:00 a 20:30 hrs.
Sábados:  12:00 a 14:00 hrs y 17:30 a 20:00 hrs.
Domingos: 12:30 a 14:30 hrs.

Todas las actividades y la exposición son gratuitas y están diseñadas para toda la familia en el Centro Comercial Gran Vía de Hortaleza. Parking gratuito.
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Añado, que este centro comercial está justo a la salida del metro Mar de Cristal, líneas 4 y 8.

Fuente: http://www.granviadehortaleza.com/noticias/foto-rock

Yeah, estuve allí hace dos semanas, Guiso.
Está bien, justifica el irse a ese curioso centro comercial y, además, están, en la planta de arriba, los de Ziggy Records con su estupenda selección de viejos L.P.'s y precios populares. (El soplo me lo dio Bar Biquernes).

miedo me dan a mi los "precios populares"...    

¿Nadie ha ido a la exposición de Cézanne en el Thyssen?



Yo no creo que pueda ir. Quien vaya que haga reseña si puede.

Thanks in advance.

Una colectiva en Barcelona.

Ernesto Neto en el Guggenheim. Y antes, las de Melies y el Japonismo del Caixa Forum, que creo que ya las quitaron. Bastante bien las tres, segun que te interese.

Adso escribió:¿Nadie ha ido a la exposición de Cézanne en el Thyssen?



Yo no creo que pueda ir. Quien vaya que haga reseña si puede.

Thanks in advance.

Iré esta semana, cuando se haya disipado la paranoia por verla. Quizás el martes, que es un día que tradicionalmente va poca gente.

Bolan escribió:Ernesto Neto en el Guggenheim. Y antes, las de Melies y el Japonismo del Caixa Forum, que creo que ya las quitaron. Bastante bien las tres, segun que te interese.

Vi las dos del Caixa Forum y me molaron mucho.

Refrescospepito escribió:

ESTEBAN LISA. RETORNOS.
Biblioteca Nacional (Madrid). Hasta el 3 de noviembre de 2013.
Museo de Santa Cruz (Toledo). Diciembre 2013-junio 2014.
Entrada libre.

No quiero dejar pasar la oportunidad de hablar de esta estupenda exposición sobre el artista toledano Estaban Lisa (Toledo, 1895-Buenos Aires, Argentina, 1983), pionero de la abstracción en España y Latinoamérica.

Deudor de Vasili Kandinsky, admirador de las teorías de Kant y Einstein y seguidor de Picasso, Mondrian y Paul Klee, Lisa abandonó muy pronto España para emigrar hacia Argentina, donde hizo toda su carrera.

Él se consideraba más profesor y pensador y docente que artista. Abrió una famosa escuela en Buenos Aires donde desplegaba su magisterio, diciendo a los alumnos que era mucho mejor tener conocimientos de filosofía para entender la pintura.

Lisa nunca enseñó sus obras hasta que muchos años después de su muerte se pudo hacer la primera exhibición.

Sus pinturas, como digo, muy deudoras de Kandinsky, son abstractas hasta las heces, es decir, sin forma ni figura conocidas: manchas de colores, círculos y borrones, donde los colores se influyen unos a otros y aparece, todo el rato, lo que yo llamo los famosos "aparatos de Golgi" de Kandinsky, esto es , formas caprichosas que se asemejan a pintura rápida y no demasiado profesional. Sin embargo, se adelanta a Pollock.

De hecho, Estaban Lisa llamaba a sus cuadros "juegos", "estudios" y con estos y otros títulos difusos titulaba sus obras.

Sobre todo era un gran filósofo y pensador, además de escritor, creía que "el arte no es hacer cosas, es alcanzar un estado interno que dé posibilidad de crear contenido".

Entre otras perlas, solía también decir que "lo que importa es el estado, el rastro del hecho"; y mi favorita: "Nadie pinta un cuadro. Venimos a trabajar. El cuadro será o no será".
Bueno, esto último es lo que siempre he pensado del arte, de todo arte.

La exposición se complementa con fotos, cartas y objetos personales (muy interesante) y con dos vídeos; uno sobre su vida y obra a través de testimonios de antiguos alumnos y otro vídeo, una recreación videográfica sobre su obra con la magnífica sonata para violoncelo de Zoltan Kodály.

En fin, una maravailla no apta para mentes mainstream.
Una gozada a pesar del gran frío circundante en la sala.

Yo le doy un

Y aquí la sonata de Kodály que ilustraba tan increíble expo, en versión, además, del gran Yo-Yo Ma.

Retrospectiva que de la gran Yoko Ono se inaugura en Biblao.

Ono que, recordemos, conoció a Lennon en 1966, cuando ya ella, con treinta y tres años, era una celebridad en el mundo del arte, estaba divorciada y tenía una hija, esto es, era ya una artista de peso y con una historia.

Bueno, yo proyecto ir a Bilbao solo para visitar el Guggen e ir a su expo, no me lo perdería por nada del mundo.

Mi intención es ir un dí bien temprano a Bilbao en tren o guagua (porque aviones mejor ni hablar, ¿no?), pasarme allí el día y volver por la noche, por lo que si algún forero de la zona de Bilbao interesado-a quisiera acompañarme, sería bienvenido-a.

Tengo que madurar esta idea, pero a la Yoko no me la pierdo.

_________________

CÉZANNE. SITE/NON SITE.
Museo Thyssen-Bornemisza, Madrid.
Hasta el 18 de mayo de 2014.
11 euros.
Gratis para desempleados.
Audio-guía: 3 euros.

Excepcional retrospectiva del pintor francés Paul Cézanne (1839-1906) ordenada en torno a una curiosa propuesta: pinturas al aire libre (site) y dentro del estudio (non-site).
La exposición quiere demostrar que Cézanne, un gran amante del campo y del aire libre que la mayor parte de las veces pintaba al natural (fijándose en modelos reales), quería "construir" con sus cuadros la naturaleza en el estudio y el estudio en la naturaleza.

Dispuesta en seis salas, el recorrido de la exposición nos lleva a apreciar las obras del pintor en base a bloques de donde destacan, precisamente, los dedicados a las obras al aire libre, donde su representación de la naturaleza (montañas, árboles, bosques, casas rurales) anuncian ya el cubismo y la abstracción, con esa idea de Cézanne de ordenar los cuadros en manchas de colores, por un lado y, por otro, en aplicar sus interés y estudio de la geología y la arquitectura en sus cuadros.

Del lado de la parte dedicada a sus fantásticos bodegones, tenemos el tercer hallazgo revolucionario de Cézanne (tras las manchas de colores y la geología y arquitectura) que es, como se demuestra en estas fantásticas serie del cántaro de gres ("Cántaro y frutas sobre una mesa", "Cántaro y plato de peras") y en sus irreprochables y fabulosos fruteros ("Siete manzanas y un tubo de color", "Manzanas, naranajs y limón") la idea de que cada objeto, cada fruta, está "influenciado" por otro; esto es, si en un plato hay peras, manzanas y naranjas, la naranja tiene la sombra de la pera, la pera está impregnada del color de la manzana, la manzana refleja las formas del propio plato...

Una exposición para verla con tranquilidad, sin pausa. Yo tardé más de tres horas.

Es necesario ir un día entre semana y al mediodía, a eso de las 14:00, si no, las hordas de grupos de escolares y de jubilados no te dejarán tener el recogimiento necesario para disfrutar de verdad.

Y es extremadamente recomendable pillar la audio-guía (tres euros). De verdad que con este aparatejo la comprensión de cada cuadro es mucho mayor y su interés, exponencial.

Yo le doy un  

Refrescospepito escribió:

CÉZANNE. SITE/NON SITE.
Museo Thyssen-Bornemisza, Madrid.
Hasta el 18 de mayo de 2014.
11 euros.
Gratis para desempleados.
Audio-guía: 3 euros.

Excepcional retrospectiva del pintor francés Paul Cézanne (1839-1906) ordenada en torno a una curiosa propuesta: pinturas al aire libre (site) y dentro del estudio (non-site).
La exposición quiere demostrar que Cézanne, un gran amante del campo y del aire libre que la mayor parte de las veces pintaba al natural (fijándose en modelos reales), quería "construir" con sus cuadros la naturaleza en el estudio y el estudio en la naturaleza.

Dispuesta en seis salas, el recorrido de la exposición nos lleva a apreciar las obras del pintor en base a bloques de donde destacan, precisamente, los dedicados a las obras al aire libre, donde su representación de la naturaleza (montañas, árboles, bosques, casas rurales) anuncian ya el cubismo y la abstracción, con esa idea de Cézanne de ordenar los cuadros en manchas de colores, por un lado y, por otro, en aplicar sus interés y estudio de la geología y la arquitectura en sus cuadros.

Del lado de la parte dedicada a sus fantásticos bodegones, tenemos el tercer hallazgo revolucionario de Cézanne (tras las manchas de colores y la geología y arquitectura) que es, como se demuestra en estas fantásticas serie del cántaro de gres ("Cántaro y frutas sobre una mesa", "Cántaro y plato de peras") y en sus irreprochables y fabulosos fruteros ("Siete manzanas y un tubo de color", "Manzanas, naranajs y limón") la idea de que cada objeto, cada fruta, está "influenciado" por otro; esto es, si en un plato hay peras, manzanas y naranjas, la naranja tiene la sombra de la pera, la pera está impregnada del color de la manzana, la manzana refleja las formas del propio plato...

Una exposición para verla con tranquilidad, sin pausa. Yo tardé más de tres horas.

Es necesario ir un día entre semana y al mediodía, a eso de las 14:00, si no, las hordas de grupos de escolares y de jubilados no te dejarán tener el recogimiento necesario para disfrutar de verdad.

Y es extremadamente recomendable pillar la audio-guía (tres euros). De verdad que con este aparatejo la comprensión de cada cuadro es mucho mayor y su interés, exponencial.

Yo le doy un  

Qué grande, tío. Es una de las exposiciones top en estos momentos en Madrid.

Muy buena crónica, as usual. Efectivamente, ver el arte con una explicación da otra dimensión a la experiencia.

Me ha traído buenos recuerdos leerte.

Le doy un    a tu crítica.

Zascandil escribió:

Refrescospepito escribió:

CÉZANNE. SITE/NON SITE.
Museo Thyssen-Bornemisza, Madrid.
Hasta el 18 de mayo de 2014.
11 euros.
Gratis para desempleados.
Audio-guía: 3 euros.

Excepcional retrospectiva del pintor francés Paul Cézanne (1839-1906) ordenada en torno a una curiosa propuesta: pinturas al aire libre (site) y dentro del estudio (non-site).
La exposición quiere demostrar que Cézanne, un gran amante del campo y del aire libre que la mayor parte de las veces pintaba al natural (fijándose en modelos reales), quería "construir" con sus cuadros la naturaleza en el estudio y el estudio en la naturaleza.

Dispuesta en seis salas, el recorrido de la exposición nos lleva a apreciar las obras del pintor en base a bloques de donde destacan, precisamente, los dedicados a las obras al aire libre, donde su representación de la naturaleza (montañas, árboles, bosques, casas rurales) anuncian ya el cubismo y la abstracción, con esa idea de Cézanne de ordenar los cuadros en manchas de colores, por un lado y, por otro, en aplicar sus interés y estudio de la geología y la arquitectura en sus cuadros.

Del lado de la parte dedicada a sus fantásticos bodegones, tenemos el tercer hallazgo revolucionario de Cézanne (tras las manchas de colores y la geología y arquitectura) que es, como se demuestra en estas fantásticas serie del cántaro de gres ("Cántaro y frutas sobre una mesa", "Cántaro y plato de peras") y en sus irreprochables y fabulosos fruteros ("Siete manzanas y un tubo de color", "Manzanas, naranajs y limón") la idea de que cada objeto, cada fruta, está "influenciado" por otro; esto es, si en un plato hay peras, manzanas y naranjas, la naranja tiene la sombra de la pera, la pera está impregnada del color de la manzana, la manzana refleja las formas del propio plato...

Una exposición para verla con tranquilidad, sin pausa. Yo tardé más de tres horas.

Es necesario ir un día entre semana y al mediodía, a eso de las 14:00, si no, las hordas de grupos de escolares y de jubilados no te dejarán tener el recogimiento necesario para disfrutar de verdad.

Y es extremadamente recomendable pillar la audio-guía (tres euros). De verdad que con este aparatejo la comprensión de cada cuadro es mucho mayor y su interés, exponencial.

Yo le doy un  

Qué grande, tío. Es una de las exposiciones top en estos momentos en Madrid.

Muy buena crónica, as usual. Efectivamente, ver el arte con una explicación da otra dimensión a la experiencia.

Me ha traído buenos recuerdos leerte.

Le doy un    a tu crítica.

Jajaj, gracias, chato.
Se impone una noche cervecera, que estamos más perdidos que Pink Floyd en Pompeya.

Refrescospepito escribió:

Zascandil escribió:

Refrescospepito escribió:

CÉZANNE. SITE/NON SITE.
Museo Thyssen-Bornemisza, Madrid.
Hasta el 18 de mayo de 2014.
11 euros.
Gratis para desempleados.
Audio-guía: 3 euros.

Excepcional retrospectiva del pintor francés Paul Cézanne (1839-1906) ordenada en torno a una curiosa propuesta: pinturas al aire libre (site) y dentro del estudio (non-site).
La exposición quiere demostrar que Cézanne, un gran amante del campo y del aire libre que la mayor parte de las veces pintaba al natural (fijándose en modelos reales), quería "construir" con sus cuadros la naturaleza en el estudio y el estudio en la naturaleza.

Dispuesta en seis salas, el recorrido de la exposición nos lleva a apreciar las obras del pintor en base a bloques de donde destacan, precisamente, los dedicados a las obras al aire libre, donde su representación de la naturaleza (montañas, árboles, bosques, casas rurales) anuncian ya el cubismo y la abstracción, con esa idea de Cézanne de ordenar los cuadros en manchas de colores, por un lado y, por otro, en aplicar sus interés y estudio de la geología y la arquitectura en sus cuadros.

Del lado de la parte dedicada a sus fantásticos bodegones, tenemos el tercer hallazgo revolucionario de Cézanne (tras las manchas de colores y la geología y arquitectura) que es, como se demuestra en estas fantásticas serie del cántaro de gres ("Cántaro y frutas sobre una mesa", "Cántaro y plato de peras") y en sus irreprochables y fabulosos fruteros ("Siete manzanas y un tubo de color", "Manzanas, naranajs y limón") la idea de que cada objeto, cada fruta, está "influenciado" por otro; esto es, si en un plato hay peras, manzanas y naranjas, la naranja tiene la sombra de la pera, la pera está impregnada del color de la manzana, la manzana refleja las formas del propio plato...

Una exposición para verla con tranquilidad, sin pausa. Yo tardé más de tres horas.

Es necesario ir un día entre semana y al mediodía, a eso de las 14:00, si no, las hordas de grupos de escolares y de jubilados no te dejarán tener el recogimiento necesario para disfrutar de verdad.

Y es extremadamente recomendable pillar la audio-guía (tres euros). De verdad que con este aparatejo la comprensión de cada cuadro es mucho mayor y su interés, exponencial.

Yo le doy un  

Qué grande, tío. Es una de las exposiciones top en estos momentos en Madrid.

Muy buena crónica, as usual. Efectivamente, ver el arte con una explicación da otra dimensión a la experiencia.

Me ha traído buenos recuerdos leerte.

Le doy un    a tu crítica.

Jajaj, gracias, chato.
Se impone una noche cervecera, que estamos más perdidos que Pink Floyd en Pompeya.

Ja, ja, de nada, es así.

Eso te iba a decir yo un día de estos, ¿qué pasa aquí? Te tengo más perdido que Massiel en una fiesta sin alcohol.

PIXAR, 25 AÑOS DE ANIMACIÓN.
CaixaForum, Madrid.
Hasta el 22 de junio de 2014.
4 euros (si eres cliente de La Caixa, y puedes demostrarlo, entrada gratis).

Yeah, buena retrospectiva del primer cuarto de siglo de la que se ha convertido en la factoría de dibujos animados de referencia en este siglo XXI.

La exposición, no demasiado extensa, está organizada en base a varios espacios amplios o cuartos separados por paneles en los cuales se presentan cada uno de los largometrajes que Pixar ha facturado en todos estos años. En medio, un amplio pasillo muestra una buena selección de los modelos, en resina blanca sin colorear, que sirvieron para perfilar los personajes finales. La exposición se completa con muy buenos paneles explicativos y varias salas de cine donde se proyectan sus primeros cortos, amén de una sala oscura en la que se puede ver un fascinante zoótropo dedicado a los personajes de Toy Story 1, 2 y 3.

Lo notable de esta exposición es que trata de difundir, con todo éxito, las tres grandes ideas de la compañía americana:
1º) Personajes-Mundo-Historia,
2º) Una película, una historia, es en realidad la búsqueda de un "contrato" con el espectador. Si ese "contrato" no se realiza, la película será un fracaso.
3º) La historia es el rey.

Es muy, muy interesante lo que explican en cada cuarto dedicado a cada una de las películas. Aparte de la corta, concisa y muy valiosa información de las paredes, también se hallan unos televisores donde se emiten, en bucle, pequeños documentales sobre cómo se hizo cada una de las películas desde el punto de vista de la creación: story-boards, elección del personaje, colores, texturas, fondos, animación, voces, ruidos, música..., todos ellos narrados por los propios creadores.

Al lado, nada más salir de la exposición a la izquierda, hay otra sala, para completar la exhibición, donde se proyecta una fascinante película de quince minutos hecha por Pixar, donde resumen, de forma magistral, los veinticinco años de la empresa por medio de una forma nueva de proyectar películas: en una pantalla que es como veinte veces un Cinemascope, a través de varios proyectores que proyectan a la vez y con un sonido cuadrafónico como de concierto de rock: Spectacular spectacular; lástima que no pude ver la película entera, pues un trozo del techo de la sala, que contenía parte del pesado andamiaje donde se sustentaba tanto foco, proyector y bafle, se empezó a caer y hubo que desalojar a todo el respetable como quien evacua a un barco que zozobra.
En fin, cosas de nuestra Españñññññññña.

He de decir que esta no es una exposición para niños, dado dado que está dirigida al público adulto que consume no este sino otras películas de dibujos y que está interesado en el dibujo animado como película, como parte integral del séptimo arte.
Asimismo, esta exhibición también se orienta hacia el estudioso tanto de Pixar como de los estudios de películas animadas.
En serio que los niños, incluso los adolescentes, se van a aburrir.

Es extremadamente recomendable ir entre semana, excepto lunes, al mediodía; porque por las mañanas y por las tardes hay buenas colas de jóvenes turistas franceses o estadounidenses o japoneses y los fines de semana, los españoles, que hacen una brutales colas como yo no he visto en todo el tiempo que el Caixa Forum lleva abierto en la capital de España.

Como suele ser habitual en este museo, lleven abrigo, pantalón largo, zapato cerrado y hasta gorro, porque el volumen brutal al que ponen el aire acondicionado es demencial. Yo, como siempre, me quejé.

Yo le doy un    



Hace frío en la sala.

Refrescospepito escribió:

CÉZANNE. SITE/NON SITE.
Museo Thyssen-Bornemisza, Madrid.
Hasta el 18 de mayo de 2014.
11 euros.
Gratis para desempleados.
Audio-guía: 3 euros.

Excepcional retrospectiva del pintor francés Paul Cézanne (1839-1906) ordenada en torno a una curiosa propuesta: pinturas al aire libre (site) y dentro del estudio (non-site).
La exposición quiere demostrar que Cézanne, un gran amante del campo y del aire libre que la mayor parte de las veces pintaba al natural (fijándose en modelos reales), quería "construir" con sus cuadros la naturaleza en el estudio y el estudio en la naturaleza.

Dispuesta en seis salas, el recorrido de la exposición nos lleva a apreciar las obras del pintor en base a bloques de donde destacan, precisamente, los dedicados a las obras al aire libre, donde su representación de la naturaleza (montañas, árboles, bosques, casas rurales) anuncian ya el cubismo y la abstracción, con esa idea de Cézanne de ordenar los cuadros en manchas de colores, por un lado y, por otro, en aplicar sus interés y estudio de la geología y la arquitectura en sus cuadros.

Del lado de la parte dedicada a sus fantásticos bodegones, tenemos el tercer hallazgo revolucionario de Cézanne (tras las manchas de colores y la geología y arquitectura) que es, como se demuestra en estas fantásticas serie del cántaro de gres ("Cántaro y frutas sobre una mesa", "Cántaro y plato de peras") y en sus irreprochables y fabulosos fruteros ("Siete manzanas y un tubo de color", "Manzanas, naranajs y limón") la idea de que cada objeto, cada fruta, está "influenciado" por otro; esto es, si en un plato hay peras, manzanas y naranjas, la naranja tiene la sombra de la pera, la pera está impregnada del color de la manzana, la manzana refleja las formas del propio plato...

Una exposición para verla con tranquilidad, sin pausa. Yo tardé más de tres horas.

Es necesario ir un día entre semana y al mediodía, a eso de las 14:00, si no, las hordas de grupos de escolares y de jubilados no te dejarán tener el recogimiento necesario para disfrutar de verdad.

Y es extremadamente recomendable pillar la audio-guía (tres euros). De verdad que con este aparatejo la comprensión de cada cuadro es mucho mayor y su interés, exponencial.

Yo le doy un  

Gracias por la reseña. Ojalá pudiera subir a Madrid antes de que acabe.

Y por cierto, me he acordado de la lista de cosas por las que merece la pena vivir, que incluía Woody Allen en Manhattan:



- Groucho Marx
- Jimmy Connors (Willie Mays en el original, Joe Dimagio en italiano)
- El segundo movimiento de la sinfonía “Júpiter”
- Louis Amstrong y su grabación “Potato head blues”
- Algunas películas suecas
- “La educación sentimental” de Flaubert
- Marlon Brando
- Frank Sinatra
- Esas increíbles manzanas y peras de Cezanne
- Los mariscos de Sam Wo´s (cangrejos en el original)
- El rostro de Tracy

Adso escribió:

Refrescospepito escribió:

CÉZANNE. SITE/NON SITE.
Museo Thyssen-Bornemisza, Madrid.
Hasta el 18 de mayo de 2014.
11 euros.
Gratis para desempleados.
Audio-guía: 3 euros.

Excepcional retrospectiva del pintor francés Paul Cézanne (1839-1906) ordenada en torno a una curiosa propuesta: pinturas al aire libre (site) y dentro del estudio (non-site).
La exposición quiere demostrar que Cézanne, un gran amante del campo y del aire libre que la mayor parte de las veces pintaba al natural (fijándose en modelos reales), quería "construir" con sus cuadros la naturaleza en el estudio y el estudio en la naturaleza.

Dispuesta en seis salas, el recorrido de la exposición nos lleva a apreciar las obras del pintor en base a bloques de donde destacan, precisamente, los dedicados a las obras al aire libre, donde su representación de la naturaleza (montañas, árboles, bosques, casas rurales) anuncian ya el cubismo y la abstracción, con esa idea de Cézanne de ordenar los cuadros en manchas de colores, por un lado y, por otro, en aplicar sus interés y estudio de la geología y la arquitectura en sus cuadros.

Del lado de la parte dedicada a sus fantásticos bodegones, tenemos el tercer hallazgo revolucionario de Cézanne (tras las manchas de colores y la geología y arquitectura) que es, como se demuestra en estas fantásticas serie del cántaro de gres ("Cántaro y frutas sobre una mesa", "Cántaro y plato de peras") y en sus irreprochables y fabulosos fruteros ("Siete manzanas y un tubo de color", "Manzanas, naranajs y limón") la idea de que cada objeto, cada fruta, está "influenciado" por otro; esto es, si en un plato hay peras, manzanas y naranjas, la naranja tiene la sombra de la pera, la pera está impregnada del color de la manzana, la manzana refleja las formas del propio plato...

Una exposición para verla con tranquilidad, sin pausa. Yo tardé más de tres horas.

Es necesario ir un día entre semana y al mediodía, a eso de las 14:00, si no, las hordas de grupos de escolares y de jubilados no te dejarán tener el recogimiento necesario para disfrutar de verdad.

Y es extremadamente recomendable pillar la audio-guía (tres euros). De verdad que con este aparatejo la comprensión de cada cuadro es mucho mayor y su interés, exponencial.

Yo le doy un  

Gracias por la reseña. Ojalá pudiera subir a Madrid antes de que acabe.

Y por cierto, me he acordado de la lista de cosas por las que merece la pena vivir, que incluía Woody Allen en Manhattan:



- Groucho Marx
- Jimmy Connors (Willie Mays en el original, Joe Dimagio en italiano)
- El segundo movimiento de la sinfonía “Júpiter”
- Louis Amstrong y su grabación “Potato head blues”
- Algunas películas suecas
- “La educación sentimental” de Flaubert
- Marlon Brando
- Frank Sinatra
- Esas increíbles manzanas y peras de Cezanne
- Los mariscos de Sam Wo´s (cangrejos en el original)
- El rostro de Tracy

Yeah, Adso, has dado en el clavo, yo también me acordé de ese momento de Manhattan.
Hay otra peli de Woody, creo que Hannah y sus hermanas, en la que dice que, si fuera millonario, se compraría uno de esos maravillosos bodegones de manzanas y peras de Cézanne y se pasaría el resto de su vida mirándolo.

Refrescospepito escribió:

PICASSO EN EL TALLER.
Fundación Mapfre, Madrid.
Hasta el 11 de mayo de 2014.
Entrada libre.

Excepcional retrospectiva sobre el gran genio de la pintura del siglo XX, el insuperable artista español Pablo Ruiz Picasso.

La muestra se basa en las muchas obras (óleo, dibujo, acuarela, escultura...) que el pintor malagueño dedicó a la creación misma, al proceso de pintar, a la celebración del taller y al mito del pintor y la modelo, que él contribuyó, si no a crear, sí a popularizar enormemente.

La muestra, dividida en dos pisos, es amplia y lleno de cuadros, por lo que aconsejo a ver y recorrer con calma.
Es extramadamente recomendable ir días entresemana, especialmente a primera hora de la mañana o al mediodía, si no, las hordas de señoras sin nada que hacer, esa plaga, no te permitirán el necesario recogimiento para comprender estas maravillosas obras.
Yo fui dos días: el jueves, a la inauguración, que estuve hora y media; y el viernes, que me tiré más de dos horas.

También recomiendo encarecidamente pillarse la audioguía. Cuesta 3'50, pero es absolutamente imprescindible para comprender de verdad los cuadros más importantes y, como suele ocurrir, las locuciones están hechas con un gusto realmente exquisito.

Bien, la muestra comienza con el cuadro que puse arriba, un autorretrato de Picasso como un hombre joven, lleno de vigor y vitalidad, que solo cree en dos cosas: el arte y el sexo.
Así, pasamos de sus primeras referencias al arte del estudio y el taller, con decenas de dibujos a lápiz de  esos señores barbudos de sus primeros tiempos.

Entre las decenas de interesantísimas obras destaco:
Guitarra y mesa delante de una ventana, Guitarra y frutero con naranjas (1925), donde se demuestra que el óleo puede tener esa textura "terrosa" si acudir a la técnica mixta.
Pipa vaso y antifaz, 1928, irrisoriamente hecha con óleo y arena.
El taller, 1934
Naturaleza con pañoleta,vela y minotauro, 1938.
Fantásticos los "paisajes desde la ventana (1948) y Ventana del taller, 1943.
El balancín de la Californie, 1956
Los pichones, que anuncia a Mingote.
Mujer desnuda pintando.
Mujer sentada. 9 nov. '62.
Toda la serie de El pintor y la modelo: El pintor y la modelo. Mougins, 3-8 de abril '63. El pintor y su modelo. Curiosa obra en tinta sobre cartón. 7 dic. '63. El pintor ys modelo, moguins, 21-28 dic. '63, Encaústica sobre contrachapado.

De entre las perlas que se sacan de la imprescindible audiogía, yo destaco estas:
Picasso era más un pintor de estudio, de taller, que de aire libre.
El dominio de la espontaneidad --> "La esencia", que busca todo artisa.
"He tardado toda una vida en poder pintar como un niño".
El artista liberado de todo saber.
Subvertir las reglas de la perspectiva --> Pasar del 3D de la vida real al 2D de la pintura.
"Un cuadro es una suma de destrucciones".


A pesar de que el autor malagueño se consideraba tan solo un recopilador de ideas que luego vomita al mundo, es sobresaliente su influencia en todo el arte del siglo XX. Particularmente, por la parte que me toca, siempre adiviné su huella en la obra del canario Óscar Domínguez.

La exposición termina con su último autorretrato Hombre en un taburete, Mougins, 4 sept. de 1969, que cierra el círculo de manera absolutamente prodigiosa.

Eta es mi obra favorita. El pintor y la modelo, de 1963.

Una reproducción de esta fabulosa pintura ha estado toda la vida en la casa familiar de mi familia de San Sebastián de La Gomera.
Cuando yo era pequeño la veía fascinado y no acababa de comprender por qué la señora tenía esos dedos de los pies tan grandes y el pintor un zapato tan enorme.



Yo le doy un  

Javier Madaruelo, el estupendo crítico de arte de El País, en su fabulosa reseña a esta exposición recogida en el Babelia de hoy, escribe una de esas frases que muy, muy de vez en cuando lee uno en la prensa y en crítica y que te hace replantearte tus ideas sobre el proceso creativo:

[Picasso] nos hace entender que, en realidad, el tema es lo de menos, que lo importante es la capacidad de creación y las ganas de no estancarse en una fórmula expresiva, dando cada vez volteretas más arriesgadas. Es ante el riesgo asumido donde nos podemos preguntar si las obras fallidas, aquellas que no han quedado tan "acabadas", son piezas malas o se trata de pruebas fehacientes de su voluntad innovadora.

JOSEF ALBERS. MEDIOS MÍNIMOS, EFECTO MÁXIMO.
Fundación Juan March, Madrid.
Hasta el 6 de julio de 2014.
Entrada libre.

Cada vez me gustan más este tipo de exposiciones en donde, junto al nombre del artista homenajeado, se incluye un lema que resume el motivo de la exhibición. Este, Medios mínimos, efecto máximo, alberga perfectamente lo que fue la idea de la pintura de Albers: reducirlo todo a su esencia administrando de la mejor manera posible los elementos de los que se dispone y no salir de ahí (aunque realmente se puede acceder a muchísimas más herramientas).

Albers (1888-1976), alemán establecido en Estados Unidos, fue estudiante y profesor de la Bahuaus y de Yale y discípulo nada menos que de Paul Klee y Vassily Kandinsky.
Dedicó los últimos cuarenta años de su vida al estudio del color y a la abstracción pura. Su célebre serie, amplísima, de cuadrados concéntricos, ha influido de una manera bestial no ya solo en la pintura, sino en todo el diseño, la moda, la arquitectura y el arte social y cultural de occidente en el siglo XX, y su estela persiste hoy en día como solo Mondrian, otro maestro, ha podido conseguir: hacer que sus ideas calen, incluso sin que nos demos cuenta, en la vida diaria de las personas normales y corrientes.

Es extremadamente recomendable apuntarse a las visitas guiadas. También gratis, chatos.

Yo le doy un   

me alegra la nota a la expo de Albers, refresh... en breve haré doblete con la de la March (y sí, tenía en mente apuntarme a una guiada) y haré una nueva visita a la de Picasso, un deleite...

úL escribió:me alegra la nota a la expo de Albers, refresh... en breve haré doblete con la de la March (y sí, tenía en mente apuntarme a una guiada) y haré una nueva visita a la de Picasso, un deleite...

Yeah, chato, la de Josef Albers es estupenda y tienes visitas guiadas tanto por la tarde como por la noche y de verdad que es muy muy recomendable y deseable.
Hemos de quedar para una exposición y así nos vemos.
A la próxima que vaya, te avisto.

YOKO ONO. HALF A WIND SHOW.
Museo Guggenheim, Bilbao.
Hasta el 1 de septiembre de 2014.
Once euros (con audioguía y con derecho a ver el resto de exposiciones).

John Lennon. Hala, ya está dicho.

Con motivo de las vacaciones de mi novia, hicimos un viaje la semana pasada por el norte de España, que incluía, a petición mía, una parada en Bilbao, ciudad que conocemos bastante bien, para acudir, una vez más, al museo Guggenheim, esa maravilla del arte moderno por dentro y por fuera. El motivo era esta vez asistir a la exposición de una artista favorita mía de toda la vida: Yoko Ono.

オノ・ヨーコ 小野 洋子, nacida en Tokio, Japón, en 1933, era ya una artista consagrada en 1966, divorciada dos veces, con una hija. Ono era miembro destacado del grupo Fluxus y pionera de la performance, el mensaje antes que la materialización de la obra, el cine avant-garde, la música experimental, la militancia feminista y el activismo pacifista. Todo ello mucho antes de conocer a su famoso tercer marido.

Ono ya era duramente criticada en los cincuenta y los sesenta por la prensa especializada estadounidense cuando se estableció en Nueva York y realizaba obras que atacaban y perturbaban al espectador.

Todo esto que quede bien clarito.

La excepcional exposición del Guggen está organizada en torno a tres espacios: el interno, con varias salas de exposición de sus trabajos; el externo, con instalaciones varias y trabajos que requieren la participación activa del público; y diferentes performances, algunas incluso interpretadas por la propia artista.

Podemos encontrar una amplia muestra de sus trabajos de los años cincuenta.
Su primera exposición en 1961 en el Carnegie Hall neoyorquino.
Obras de gran influencia posterior en Lennon y los propios Beatles: Uninished Paintings (1966), exposiciones, conciertos y performances en azoteas neoyorquinas (1964).

Un periódico hecho a propósito con su foto explicando y anunciando la exposición This is not here (1971). (Efectivamente, Lennon y Ono no "copiaron" la portada de Thick as a Brick de Jethro Tull [marzo de 1972] para la carpeta de su álbum Sometime in N.Y.C. [junio de 1972], sino que el bueno de Ian Anderson supuestamente ya se "apropió" de la idea de Ono y sacó el disco antes).


http://www.walkerart.org/collections/artworks/this-is-not-here-1

Foto con el cartel para el concierto del Carnegie Hall de N.Y. con música de John Cage y La Monte Young (1961). Foto de George Maciunas, y que es una de mis piezas favoritas.


Ono pionera en la ahora conocidísima y "avanzada" técnica de explicar la obra de arte, de dar un papel con las instrucciones para que el espectador "construya" esa obra. (Varios ejemplos de obras de principios de los años sesenta). Esta técnica fue empleada por Hipgnosis para algunas de sus portadas, entre ellas, la del segundo álbum de XTC.

La famosa exposición en la Indica Gallery de Londres (9-22 de noviembre de 1966), con la presentación en sala de algunas de las auténticas obras que hace más de cuarenta y cinco años se expusieron allí, entre ellas, la célebre Ceiling Pianting/Yes Painting
, la obra que John Lennon estaba viendo cuando conoció a Yoko. Esta obra consta de una escalera a la que hay que subir y, mediante una lupa, leer una pequeñísima palabra escrita en el techo: Yes.
Una de las obras de mi vida ya no solo de Yoko sino de toda la historia del arte y me siento afortunado y agradecido de poder haber visto la obra original.

Dispensadores de aire. Finales de los años sesenta. Máquinas expendedoras de aire de Nueva York encerradas en una cápsula transparente que se podían adquirir echando cincuenta euros a la maquinita. Los famosos huevos Kinder deben mucho a esta idea. También, a finales de los setenta, una empresa francesa comercializó, con gran éxito, aire de París encerrado en unas latas. Por supuesto, la idea de Ono tuvo mucho que ver con esto.

Documentos fotográficos, cinematográficos y sonoros que muestran a Yoko a principios de los sesenta experimentando con su voz y haciendo esos juegos vocales por lo que es conocida.

Documentos videográficos que muestran la famosa performance Cut Piece (1964/65), donde la artista, en medio del escenario del Carnegie Hall neoyorquino, se presentaba arrodillada, vestida con sus mejores ropas y con dos grandes tijeras a su lado. Los integrantes del público tenían que subir al escenario, coger las tijeras, cortar un trozo de ropa y luego volver a dejar las tijeras en el suelo. La obra terminaba cuando Yoko quedaba completamente desnuda.
Con esta obra, la artista quería hacer una elegoría de la violación en grupo, el desprecio y la violencia hacia las mujeres y la humillación que supone el que se las trata como un objeto. También quería hacer una representación-denuncia de la forma mayor de abyección que la sociedad japonesa , todavía entonces, tenía reservada a las mujeres adulteras: el bukkake o eyaculaciones en grupo sobre una mujer.

Lion wrapped event (1967). Otra famosa performance que consistía en cubrir primero con periódicos y luego con telas, uno de los leones del Trafalgar Square londinense. Esta forma de arte tiene muchísimos ejemplos hoy en día, uno de ellos lo pueden contemplar en la plaza de Legazpi de Madrid.

Una de las salas está dedicada a sus películas, la mayoría filmadas en los años sesenta y setenta, entre ellas, su célebre pieza de cine-arte (hoy vídeo-arte) dedicada a los culos o la denominada Fly (1971), una alegoría sobre el papel pasivo que la sociedad de todos los tiempos tiene relegada a la mujer. En este vídeo, varias moscas recorren el cuerpo desnudo de una mujer. Una influencia de esta obra la pueden ver claramente al final del vídeo censurado Hello Again de The Cars, que consta, por cierto, con la participación de Andy Warhol.

La expo cuenta, como digo, también de varias obras en los pasillos de la sala que requieren de la acción del público, entre ellas, un curioso árbol (auténtico) donde uno puede escribir un deseo y ponerlo en una de las ramas. Precioso detalle.
También, otra obra participativa, un laberinto de metacrilato donde, si consigues llegar al final, hay un teléfono en que, si tienes la fortuna de que suene (suena una vez cada día) encontrarás la voz de la propia Yoko que hablará contigo y te dirá un secreto.

Por último, una sala donde se muestra la obra musical y discográfica de la artista y donde se cuenta la enorme influencia que su música tuvo en la new wave de finales de los setenta y como aún en el siglo XXI, grupos como Sonic Youth, Stereolab, Le Tigre, Lucius Jackson o Chicks On Speed le deben mucho a la forma de hacer música de Yoko.

Yo le doy un   

Al respecto de la expo de Yoko Ono: teniendo en cuenta que fui con mi hija de siete años y de que mi conocimiento del arte de Ono se limita al concierto de Lennon en NY y la famosa sesión de chillidos de esta a mi la exposición me dejó indiferente.

Fue complicado explicarle a mi hija muchas cosas (momento embarazoso tothemax el cuadro de los dos condones titulado "You & Me", "aita, ¿qué es eso?") y pese a que fuimos pronto, nos entretuvimos en la otra exposición, mucho más accesible para una cría, y cuando llegamos a las salas en las que se exponía lo obra de Yoko Ono había mucha gente. Se pasó todo el rato preguntándome por John Lennon (la estoy convirtiendo una beatlemaniaca    ), las obras interactivas eran incomprensibles para ella,... en definitiva, se aburrió.

Mr. Mini-Mite escribió:Al respecto de la expo de Yoko Ono: teniendo en cuenta que fui con mi hija de siete años y de que mi conocimiento del arte de Ono se limita al concierto de Lennon en NY y la famosa sesión de chillidos de esta a mi la exposición me dejó indiferente.

Fue complicado explicarle a mi hija muchas cosas (momento embarazoso tothemax el cuadro de los dos condones titulado "You & Me", "aita, ¿qué es eso?") y pese a que fuimos pronto, nos entretuvimos en la otra exposición, mucho más accesible para una cría, y cuando llegamos a las salas en las que se exponía lo obra de Yoko Ono había mucha gente. Se pasó todo el rato preguntándome por John Lennon (la estoy convirtiendo una beatlemaniaca    ), las obras interactivas eran incomprensibles para ella,... en definitiva, se aburrió.

Jajaja, lo entiendo, Mini-Mite. Una niña ahí se aburre. Incluso los muchos adolescentes que ese día pululaban por ahí también se aburrieron o se las traía al pairo. Creo que un cierto grado de madurez es necesario para las obras de Yoko.

La expo de Ernesto Neto es también alucinante, qué duda cabe, salí admirado, pero esa expo la comentará mañana.

¿Y fuiste a The Clock? Increíble, tío. Si viviera en Bilbao te juro que hubiera visto esa obra durante las 24 horas que dura. Creo que es una experiencia cinematográfica (y extra-cinematográfica) de once in a lifetime!

Refrescospepito escribió:

Mr. Mini-Mite escribió:Al respecto de la expo de Yoko Ono: teniendo en cuenta que fui con mi hija de siete años y de que mi conocimiento del arte de Ono se limita al concierto de Lennon en NY y la famosa sesión de chillidos de esta a mi la exposición me dejó indiferente.

Fue complicado explicarle a mi hija muchas cosas (momento embarazoso tothemax el cuadro de los dos condones titulado "You & Me", "aita, ¿qué es eso?") y pese a que fuimos pronto, nos entretuvimos en la otra exposición, mucho más accesible para una cría, y cuando llegamos a las salas en las que se exponía lo obra de Yoko Ono había mucha gente. Se pasó todo el rato preguntándome por John Lennon (la estoy convirtiendo una beatlemaniaca    ), las obras interactivas eran incomprensibles para ella,... en definitiva, se aburrió.

Jajaja, lo entiendo, Mini-Mite. Una niña ahí se aburre. Incluso los muchos adolescentes que ese día pululaban por ahí también se aburrieron o se las traía al pairo. Creo que un cierto grado de madurez es necesario para las obras de Yoko.

La expo de Ernesto Neto es también alucinante, qué duda cabe, salí admirado, pero esa expo la comentará mañana.

¿Y fuiste a The Clock? Increíble, tío. Si viviera en Bilbao te juro que hubiera visto esa obra durante las 24 horas que dura. Creo que es una experiencia cinematográfica (y extra-cinematográfica) de once in a lifetime!

No no fuí, leí sobre ella y parecía muy interesante, pero cuadrar horarios de trabajo y familia con los del museo era muy complicado.

Refrescospepito escribió:

YOKO ONO. HALF A WIND SHOW.
Museo Guggenheim, Bilbao.
Hasta el 1 de septiembre de 2014.
Once euros (con audioguía y con derecho a ver el resto de exposiciones).

John Lennon. Hala, ya está dicho.

Con motivo de las vacaciones de mi novia, hicimos un viaje la semana pasada por el norte de España, que incluía, a petición mía, una parada en Bilbao, ciudad que conocemos bastante bien, para acudir, una vez más, al museo Guggenheim, esa maravilla del arte moderno por dentro y por fuera. El motivo era esta vez asistir a la exposición de una artista favorita mía de toda la vida: Yoko Ono.

オノ・ヨーコ 小野 洋子, nacida en Tokio, Japón, en 1933, era ya una artista consagrada en 1966, divorciada dos veces, con una hija. Ono era miembro destacado del grupo Fluxus y pionera de la performance, el mensaje antes que la materialización de la obra, el cine avant-garde, la música experimental, la militancia feminista y el activismo pacifista. Todo ello mucho antes de conocer a su famoso tercer marido.

Ono ya era duramente criticada en los cincuenta y los sesenta por la prensa especializada estadounidense cuando se estableció en Nueva York y realizaba obras que atacaban y perturbaban al espectador.

Todo esto que quede bien clarito.

La excepcional exposición del Guggen está organizada en torno a tres espacios: el interno, con varias salas de exposición de sus trabajos; el externo, con instalaciones varias y trabajos que requieren la participación activa del público; y diferentes performances, algunas incluso interpretadas por la propia artista.

Podemos encontrar una amplia muestra de sus trabajos de los años cincuenta.
Su primera exposición en 1961 en el Carnegie Hall neoyorquino.
Obras de gran influencia posterior en Lennon y los propios Beatles: Uninished Paintings (1966), exposiciones, conciertos y performances en azoteas neoyorquinas (1964).

Un periódico hecho a propósito con su foto explicando y anunciando la exposición This is not here (1971). (Efectivamente, Lennon y Ono no "copiaron" la portada de Thick as a Brick de Jethro Tull [marzo de 1972] para la carpeta de su álbum Sometime in N.Y.C. [junio de 1972], sino que el bueno de Ian Anderson supuestamente ya se "apropió" de la idea de Ono y sacó el disco antes).


http://www.walkerart.org/collections/artworks/this-is-not-here-1

Foto con el cartel para el concierto del Carnegie Hall de N.Y. con música de John Cage y La Monte Young (1961). Foto de George Maciunas, y que es una de mis piezas favoritas.


Ono pionera en la ahora conocidísima y "avanzada" técnica de explicar la obra de arte, de dar un papel con las instrucciones para que el espectador "construya" esa obra. (Varios ejemplos de obras de principios de los años sesenta). Esta técnica fue empleada por Hipgnosis para algunas de sus portadas, entre ellas, la del segundo álbum de XTC.

La famosa exposición en la Indica Gallery de Londres (9-22 de noviembre de 1966), con la presentación en sala de algunas de las auténticas obras que hace más de cuarenta y cinco años se expusieron allí, entre ellas, la célebre Ceiling Pianting/Yes Painting
, la obra que John Lennon estaba viendo cuando conoció a Yoko. Esta obra consta de una escalera a la que hay que subir y, mediante una lupa, leer una pequeñísima palabra escrita en el techo: Yes.
Una de las obras de mi vida ya no solo de Yoko sino de toda la historia del arte y me siento afortunado y agradecido de poder haber visto la obra original.

Dispensadores de aire. Finales de los años sesenta. Máquinas expendedoras de aire de Nueva York encerradas en una cápsula transparente que se podían adquirir echando cincuenta euros a la maquinita. Los famosos huevos Kinder deben mucho a esta idea. También, a finales de los setenta, una empresa francesa comercializó, con gran éxito, aire de París encerrado en unas latas. Por supuesto, la idea de Ono tuvo mucho que ver con esto.

Documentos fotográficos, cinematográficos y sonoros que muestran a Yoko a principios de los sesenta experimentando con su voz y haciendo esos juegos vocales por lo que es conocida.

Documentos videográficos que muestran la famosa performance Cut Piece (1964/65), donde la artista, en medio del escenario del Carnegie Hall neoyorquino, se presentaba arrodillada, vestida con sus mejores ropas y con dos grandes tijeras a su lado. Los integrantes del público tenían que subir al escenario, coger las tijeras, cortar un trozo de ropa y luego volver a dejar las tijeras en el suelo. La obra terminaba cuando Yoko quedaba completamente desnuda.
Con esta obra, la artista quería hacer una elegoría de la violación en grupo, el desprecio y la violencia hacia las mujeres y la humillación que supone el que se las trata como un objeto. También quería hacer una representación-denuncia de la forma mayor de abyección que la sociedad japonesa , todavía  entonces, tenía reservada a las mujeres adulteras: el bukkake o eyaculaciones en grupo sobre una mujer.

Lion wrapped event (1967). Otra famosa performance que consistía en cubrir primero con periódicos y luego con telas, uno de los leones del Trafalgar Square londinense. Esta forma de arte tiene muchísimos ejemplos hoy en día, uno de ellos lo pueden contemplar en la plaza de Legazpi de Madrid.

Una de las salas está dedicada a sus películas, la mayoría filmadas en los años sesenta y setenta, entre ellas, su célebre pieza de cine-arte (hoy vídeo-arte) dedicada a los culos o la denominada Fly (1971), una alegoría sobre el papel pasivo que la sociedad de todos los tiempos tiene relegada a la mujer. En este vídeo, varias moscas recorren el cuerpo desnudo de una mujer. Una influencia de esta obra la pueden ver claramente al final del vídeo censurado  Hello Again de The Cars, que consta, por cierto, con la participación de Andy Warhol.

La expo cuenta, como digo, también de varias obras en los pasillos de la sala que requieren de la acción del público, entre ellas, un curioso árbol (auténtico) donde uno puede escribir un deseo y ponerlo en una de las ramas. Precioso detalle.
También, otra obra participativa, un laberinto de metacrilato donde, si consigues llegar al final, hay un teléfono en que, si tienes la fortuna de que suene (suena una vez cada día) encontrarás la voz de la propia Yoko que hablará contigo y te dirá un secreto.

Por último, una sala donde se muestra la obra musical y discográfica de la artista y donde se cuenta la enorme influencia que su música tuvo en la new wave de finales de los setenta y como aún en el siglo XXI, grupos como Sonic Youth, Stereolab, Le Tigre, Lucius Jackson o Chicks On Speed le deben mucho a la forma de hacer música de Yoko.

Yo le doy un   

Ja, ja, qué gozada leer que has estado viendo la expo, Refrescos, primo mío. Qué ganas tenías de verla. ¿eh? Me alegra que te hayas sacado la espina y ya veo que te ha molado mogollón. Bien, bien. Qué digo bien, ¡maravilloso!

De vuelta a Londres he podido saldar mi deuda con el Victoria and Albert Museum. Algo tan grande en tamaño, variedad y calidad, que se necesitan, literalmente, días para que uno se sacie.

Se parte de una zona estilo British Museum, con trabajos milagrosos en cerámica, orfebrería, del mundo musulmán, India, Lejano Oriente,etc. Cada obra es abracadabrante, y merecería media hora de atención cada una de ellas, pero estás en uno de los museos más grandes y completos del mundo, así que es inevitable la sensación de tristeza por no poder dedicar el mimo debido a cada objeto presentado.

Posteriormente, la zona de escultura, con Rodin reinando (César Martín, sal de mí...), tanto en bronce como en mármol, me supo a poco, dada la barbarie que acababa de presenciar, pero la sensación duró el tiempo que me llevó aparecer en la zona de moda, con un resumen temporal de ésta , incluyendo vestidos originales que iban desde el rococó más exagerado de las cortes europeas del XIX hasta maravillas de principios de siglo XX (le queda claro a uno que todo, absolutamente todo, está inventado. Esa época en concreto es de una modernidad apabullante), hasta llegar al hippismo, el punk o las obras locas de un Gaultier. Recomendabilísimo.

Después, la zona de memorabilia, con fetiches como cartas manuscritas de Vivian Leigh, dando instrucciones sobre cómo quería verse en la pantalla en "Lo que el viento se llevó" (no quería verse guapa, por si a alguien le interesa. Fracasó absolutamente, sin duda   ), correspondencia entre Churchill y el matrimonio Leigh/Olivier, etc., todo ello culminado con dos apoteósicos trajes de escenario de Mick Jagger y Jimmy Page (soy delgado, pero os aseguro que no me cabría ni medio cuerpo en ellos. Literalmente hay, entre lados de la cintura de ambas prendas, poco más de una cuarta...) o fragmentos de una guitarra estampada de Townshend, además de curiosidades interesantísimas como las maquetas originales de las que salieron escenarios de representaciones teatrales míticas.

Deliciosos ejemplos también de diseño, con pequeña muestra de radios de principios de siglo XX (de nuevo, asombrosa la modernidad y la clase), y muestras de elementos de Art Decó que pedían, a gritos, reventar el cristal de seguridad de una patada.

Posteriormente, las joyas, que bastante menos me interesan, pero que impresionan por calidad, lujo y variedad. Billones de libras en piedras de todas las épocas, y, aquí sí más a mi gusto, vidrieras, de las que soy fan.

Y me dejo mil cosas. Al que quiera ir, que se lo tome con calma, y le dedique, si tiene tiempo suficiente, un día entero. Daos cuenta de que alguna de las mejores exposiciones dentro del museo estaban cerradas por reformas. LAmenté muchísimo perderme la de relojes, donde se podrían ver, en otras circunstancias, ejemplos milagrosos de toda época. ARfff...

Aunque no se necesita mayor excusa para ir al Tate Modern (qué barbaridad de colección fija de pintura contemporánea. Klee, Dalí, Dorothy Tanning, Ray, Picasso...), aproveché para acercarme a la expo de Matisse, al que le tenía unas ganas enormes.

Varias salas dedicadas a su obra, desde lo "menor" (ilustraciones deliciosas de libros de arte) hasta óleos o vidrieras, aunque el grueso de la colección tendió a sus impresionantes obras a a base de recortes de papel pintados posteriormente.

Es asombroso el efecto que provoca la distancia con Matisse. La distancia física de observación de la obra, quiero decir. De cerca, parecen recortes virtuosos, manualidades interesantes, pero no es sino a distancia de metros cuando uno ve cómo esos agradables recortes se convierten en obras maestras. Es un efecto curiosísimo.

Una vez más, recomendabilísimo, sobre todo sus míticas mujeres en azul y las obras en las que pretendía recordar la vida marina que se encontró en años jóvenes, cuando la enfermedad no lo había condenado a una silla, desde la que acabó pintando directamente con pinceles atados a pértigas.

Ed Wood escribió:De vuelta a Londres he podido saldar mi deuda con el Victoria and Albert Museum. Algo tan grande en tamaño, variedad y calidad, que se necesitan, literalmente, días para que uno se sacie.

Se parte de una zona estilo British Museum, con trabajos milagrosos en cerámica, orfebrería, del mundo musulmán, India, Lejano Oriente,etc. Cada obra es abracadabrante, y merecería media hora de atención cada una de ellas, pero estás en uno de los museos más grandes y completos del mundo, así que es inevitable la sensación de tristeza por no poder dedicar el mimo debido a cada objeto presentado.

Posteriormente, la zona de escultura, con Rodin reinando (César Martín, sal de mí...), tanto en bronce como en mármol, me supo a poco, dada la barbarie que acababa de presenciar, pero la sensación duró el tiempo que me llevó aparecer en la zona de moda, con un resumen temporal de ésta , incluyendo vestidos originales que iban desde el rococó más exagerado de las cortes europeas del XIX hasta maravillas de principios de siglo XX (le queda claro a uno que todo, absolutamente todo, está inventado. Esa época en concreto es de una modernidad apabullante), hasta llegar al hippismo, el punk o las obras locas de un Gaultier. Recomendabilísimo.

Después, la zona de memorabilia, con fetiches como cartas manuscritas de Vivian Leigh, dando instrucciones sobre cómo quería verse en la pantalla en "Lo que el viento se llevó" (no quería verse guapa, por si a alguien le interesa. Fracasó absolutamente, sin duda   ), correspondencia entre Churchill y el matrimonio Leigh/Olivier, etc., todo ello culminado con dos apoteósicos trajes de escenario de Mick Jagger y Jimmy Page (soy delgado, pero os aseguro que no me cabría ni medio cuerpo en ellos. Literalmente hay, entre lados de la cintura de ambas prendas, poco más de una cuarta...) o fragmentos de una guitarra estampada de Townshend, además de curiosidades interesantísimas como las maquetas originales de las que salieron escenarios de representaciones teatrales míticas.

Deliciosos ejemplos también de diseño, con pequeña muestra de radios de principios de siglo XX (de nuevo, asombrosa la modernidad y la clase), y muestras de elementos de Art Decó que pedían, a gritos, reventar el cristal de seguridad de una patada.

Posteriormente, las joyas, que bastante menos me interesan, pero que impresionan por calidad, lujo y variedad. Billones de libras en piedras de todas las épocas, y, aquí sí más a mi gusto, vidrieras, de las que soy fan.

Y me dejo mil cosas. Al que quiera ir, que se lo tome con calma, y le dedique, si tiene tiempo suficiente, un día entero. Daos cuenta de que alguna de las mejores exposiciones dentro del museo estaban cerradas por reformas. LAmenté muchísimo perderme la de relojes, donde se podrían ver, en otras circunstancias, ejemplos milagrosos de toda época. ARfff...

Yo fui por primera vez al V&A hace por lo menos quince años.
No conocía el museo ni sabía que existía pero, en uno de mis muchos viajes a Londres, leí que había una expo dedicado a Robert Mappelthorpe, y para allí que me fui.
No hace falta que digo el fuerte impacto que me produjo el museo por dentro y por fuera, y, también, la gente que iba a ver la expo de Mappelthorpe: una clase de gente que no sueles ver ni de coña por aquí en España. Imagino que era porque este artista fotográfico se presta a ello, pero quiero creer que el público que va a esto en Londres es mucho más ecléctico, joven, diverso, heterodoxo, curioso y culturalmente mucho más desarrollado que en esta España de charanga y pandereta.

Recuerdo, además, ver, de rebote, otra exhibición dedicada a un artista inglés de finales del siglo XIX llamado Aubrey Beardsley que yo no conocía y que me produjo un impacto indeleble.

En posteriores viajes a la capital inglesa nunca dejo de pasar por el V&A, pero aquel deslumbramiento de la primera vez con esas dos exposiciones, de las mejores de mi vida, jamás se ha vuelto a producir.

Ed Wood escribió:
Aunque no se necesita mayor excusa para ir al Tate Modern (qué barbaridad de colección fija de pintura contemporánea. Klee, Dalí, Dorothy Tanning, Ray, Picasso...), aproveché para acercarme a la expo de Matisse, al que le tenía unas ganas enormes.

Varias salas dedicadas a su obra, desde lo "menor" (ilustraciones deliciosas de libros de arte) hasta óleos o vidrieras, aunque el grueso de la colección tendió a sus impresionantes obras a a base de recortes de papel pintados posteriormente.

Es asombroso el efecto que provoca la distancia con Matisse. La distancia física de observación de la obra, quiero decir. De cerca, parecen recortes virtuosos, manualidades interesantes, pero no es sino a distancia de metros cuando uno ve cómo esos agradables recortes se convierten en obras maestras. Es un efecto curiosísimo.

Una vez más, recomendabilísimo, sobre todo sus míticas mujeres en azul y las obras en las que pretendía recordar la vida marina que se encontró en años jóvenes, cuando la enfermedad no lo había condenado a una silla, desde la que acabó pintando directamente con pinceles atados a pértigas.

Muchas gracias, Ed, por tus valiosas aportaciones y espero verte por este topic a menudo.

Efectivamente, como habrás adivinado, e ido innumerables veces a la Tate Modern y a la propia Tate también.
El edificio de la Modern, esa especie de fábrica del siglo XIX es tan asombroso que casi ensombrece lo que hay dentro (un poco lo que pasa con el Guggen de Bilbo) pero, amigo mío, lo que contiene este formidable museo es de caerse de culo.

No sé si seguirán aquellos toboganes desde los cuales podías tirarte desde el último piso hasta el suelo. Tremendo. Para uno que viene de España, encontrarse con eso y pensar que un museo puede, a la vez, convertirse en un campo de juegos, era casi un sacrilegio, pero la idea ahora me parece no solo válida, sino realmente imprescindible, al menos para un museo de estas características.

He visto varios de esos "recortables" de Matisse y es cierto que son fascinantes.
Curiosamente, el viejo pintor, que siempre fue más, eso, pintor que dibujante (al contrario de, por ejemplo, Picasso), al final tuvo que pasar por el aro ya que esos "recortables" tienen más de seguir una línea con un lápiz que emborronar lienzos con una brocha.

No voy a Londres desde el 2007, que antes fui muchas veces, que yo tenía una novia allí.
Creo que ya me toca.

ERNESTO NETO.
Museeo Guggenheim, Bilbao.
Hasta el 18 de mayo de 2014.
Entrada: 11 euros con audioguía y derecho a visitar las demás exposiciones.

Otra de las maravillas que pude ver en el fabuloso museo Guggen de Bilbo fue esta, con la que me encontré casi sin querer.

Mi chica y yo íbamos a la de Yoko Ono y de rebote, nos dimos de bruces con la exuberancia de las obras inclasificables de este artista brasileño (Rio de Janeiro, 1964) cuyas obras están a medio camino entre la escultura, la pintura y el arte como juego; esto es, estas piezas de Ernesto Neto están elaboradas en base a gigantescas construcciones de diferentes materiales blandos y multicolor, que requieren la participación del público, que puede entrar en las obras, subir por ellas, tocarlas e incluso olerlas.

Adentrarse en estas curiosas obras es meterse en una especie de jungla de plástico multicolor.

Ideal para ir con niños y adolescentes pero, de todas maneras, a pesar del carácter eminentemente lúdico de estos trabajos, uno no puede sino maravillarse de cómo están hechos.
Por ejemplo, hay una especie de puente cubierto con lianas de plástico y otros materiales, que está completamente suspendido del techo, y por el que hay que adentrarse hasta el final, avanzando sobre un suelo de pelotas de plástico y agarrándose uno como puede a las lianas del techo y paredes.

Tremendo.

Yo le doy un   

CHRISTIAN MARCLAY: THE CLOCK.
Museo Guggenheim, Bilbao.
Hasta el 18 de mayo de 2014.
Entrada: 11 euros con audioguía y derecho a visitar las otras exposiciones del museo.

La portentosa obra de este artista californiano llamado Christian Marclay (1955) es una experiencia cinematográfica y extra-cinematográfica.

Lo que ha hecho este experto en arte visual es coger innumerables fotogramas de relojes de películas de ayer y de hoy, de Estados Unidos y de todas partes del  mundo y juntarlos para hacer una mega-película de 24 horas, pero 24 horas en tiempo real, de manera que, si en la pantalla por ejemplo Bogart mira su reloj de pulsera y son las 12:55, tú miras tu reloj y son las jodidas 12:55.

Sin embargo, esta obra, homenaje al cine y al videoarte, no articula todos esos fragmentos de películas de forma caprichosa, sino que todo tiene sentido, a pesar de que en menos de un minuto pases de una película de Laurel y Hardy a otra de Tom Cruise seguida de un fotograma de un film de Truffaut.

Solo pude ver una media hora, porque el tiempo apremiaba y había muchas cosas que hacer, pero me pareció fascinante.

Además, esta video-instalación está "expuesta" en una sala oscura del Guggen, a modo de sala de cine, y hay muchos estupendos sofás en donde uno puede acomodarse y ver tranquilamente, en pantalla gigante, esta asombrosa obra.

Les juro que si yo viviera en Bilbo, me hubiera pegado la visión entera de esta peli de 24 horas, si no de una sentada, por partes. Creo que es una experiencia de once in a lifetime!

Yo le doy un   

Refrescospepito escribió:

CHRISTIAN MARCLAY: THE CLOCK.
Museo Guggenheim, Bilbao.
Hasta el 18 de mayo de 2014.
Entrada: 11 euros con audioguía y derecho a visitar las otras exposiciones del museo.

La portentosa obra de este artista californiano llamado Christian Marclay (1955) es una experiencia cinematográfica y extra-cinematográfica.

Lo que ha hecho este experto en arte visual es coger innumerables fotogramas de relojes de películas de ayer y de hoy, de Estados Unidos y de todas partes del  mundo y juntarlos para hacer una mega-película de 24 horas, pero 24 horas en tiempo real, de manera que, si en la pantalla por ejemplo Bogart mira su reloj de pulsera y son las 12:55, tú miras tu reloj y son las jodidas 12:55.

Sin embargo, esta obra, homenaje al cine y al videoarte, no articula todos esos fragmentos de películas de forma caprichosa, sino que todo tiene sentido, a pesar de que en menos de un minuto pases de una película de Laurel y Hardy a otra de Tom Cruise seguida de un fotograma de un film de Truffaut.

Solo pude ver una media hora, porque el tiempo apremiaba y había muchas cosas que hacer, pero me pareció fascinante.

Además, esta video-instalación está "expuesta" en una sala oscura del Guggen, a modo de sala de cine, y hay muchos estupendos sofás en donde uno puede acomodarse y ver tranquilamente, en pantalla gigante, esta asombrosa obra.

Les juro que si yo viviera en Bilbo, me hubiera pegado la visión entera de esta peli de 24 horas, si no de una sentada, por partes. Creo que es una experiencia de once in a lifetime!

Yo le doy un   

¡¡¡¡ Joder que guapo !!!!

Estos días me he pasado a ver un par:


"25%. CATALONIA AT VENICE es un proyecto coral construido a partir de la implicación de tres creadores del mundo de la imagen y ocho personas en paro que reclaman su lugar en la sociedad". En esta exposición se pueden ver diferentes fotografías del día a día de cada uno de las personas en paro implicadas en el proyecto y como les influye en su vida su actual situación laboral. Me pareció interesante ver como, aún estando en el paro, no es comparable la vida de un inmigrante africano que vive en una nave industrial con la de un catálán que vive en una casa adosada. También destacar los objetos personales que seleccionan cada uno de ellos para ser expuestos junto a obras de arte "reales".




"Martin Parr se propuso fotografiar Hebden Bridge, un pequeño pueblo del condado inglés de Yorkshire, para documentar una forma de vida tradicional que entraba en declive." Increíbles algunas de las imagenes relacionadas con la caza, los medios de trabajo de los lugareños, sus celebraciones, .... interesante.

joebatte escribió:

Refrescospepito escribió:

CHRISTIAN MARCLAY: THE CLOCK.
Museo Guggenheim, Bilbao.
Hasta el 18 de mayo de 2014.
Entrada: 11 euros con audioguía y derecho a visitar las otras exposiciones del museo.

La portentosa obra de este artista californiano llamado Christian Marclay (1955) es una experiencia cinematográfica y extra-cinematográfica.

Lo que ha hecho este experto en arte visual es coger innumerables fotogramas de relojes de películas de ayer y de hoy, de Estados Unidos y de todas partes del  mundo y juntarlos para hacer una mega-película de 24 horas, pero 24 horas en tiempo real, de manera que, si en la pantalla por ejemplo Bogart mira su reloj de pulsera y son las 12:55, tú miras tu reloj y son las jodidas 12:55.

Sin embargo, esta obra, homenaje al cine y al videoarte, no articula todos esos fragmentos de películas de forma caprichosa, sino que todo tiene sentido, a pesar de que en menos de un minuto pases de una película de Laurel y Hardy a otra de Tom Cruise seguida de un fotograma de un film de Truffaut.

Solo pude ver una media hora, porque el tiempo apremiaba y había muchas cosas que hacer, pero me pareció fascinante.

Además, esta video-instalación está "expuesta" en una sala oscura del Guggen, a modo de sala de cine, y hay muchos estupendos sofás en donde uno puede acomodarse y ver tranquilamente, en pantalla gigante, esta asombrosa obra.

Les juro que si yo viviera en Bilbo, me hubiera pegado la visión entera de esta peli de 24 horas, si no de una sentada, por partes. Creo que es una experiencia de once in a lifetime!

Yo le doy un   

¡¡¡¡ Joder que guapo !!!!

Estos días me he pasado a ver un par:


"25%. CATALONIA AT VENICE es un proyecto coral construido a partir de la implicación de tres creadores del mundo de la imagen y ocho personas en paro que reclaman su lugar en la sociedad". En esta exposición se pueden ver diferentes fotografías del día a día de cada uno de las personas en paro implicadas en el proyecto y como les influye en su vida su actual situación laboral. Me pareció interesante ver como, aún estando en el paro, no es comparable la vida de un inmigrante africano que vive en una nave industrial con la de un catálán que vive en una casa adosada. También destacar los objetos personales que seleccionan cada uno de ellos para ser expuestos junto a obras de arte "reales".




"Martin Parr se propuso fotografiar Hebden Bridge, un pequeño pueblo del condado inglés de Yorkshire, para documentar una forma de vida tradicional que entraba en declive." Increíbles algunas de las imagenes relacionadas con la caza, los medios de trabajo de los lugareños, sus celebraciones, .... interesante.

Joebatte, compañero, muchas gracias por tus aportaciones.
¿Dónde se pueden ver estas obras? ¿En qué museo y ciudad?

Refrescospepito escribió:

joebatte escribió:

Refrescospepito escribió:
Estos días me he pasado a ver un par:


"25%. CATALONIA AT VENICE es un proyecto coral construido a partir de la implicación de tres creadores del mundo de la imagen y ocho personas en paro que reclaman su lugar en la sociedad". En esta exposición se pueden ver diferentes fotografías del día a día de cada uno de las personas en paro implicadas en el proyecto y como les influye en su vida su actual situación laboral. Me pareció interesante ver como, aún estando en el paro, no es comparable la vida de un inmigrante africano que vive en una nave industrial con la de un catálán que vive en una casa adosada. También destacar los objetos personales que seleccionan cada uno de ellos para ser expuestos junto a obras de arte "reales".




"Martin Parr se propuso fotografiar Hebden Bridge, un pequeño pueblo del condado inglés de Yorkshire, para documentar una forma de vida tradicional que entraba en declive." Increíbles algunas de las imagenes relacionadas con la caza, los medios de trabajo de los lugareños, sus celebraciones, .... interesante.

Joebatte, compañero, muchas gracias por tus aportaciones.
¿Dónde se pueden ver estas obras? ¿En qué museo y ciudad?

En Barcelona noi !!!

http://lavirreina.bcn.cat

GENERACIÓN DEL 14.
Biblioteca Nacional. Madrid.
Hasta el 28 de mayo de 2014.
Entrada libre.

Aún están a tiempo de ver esta interesante exposición sobre la generación de 1914, que cambió España y la hizo ingresar en la modernidad, en un claro intento por dejar atrás esa España de charanga y pandereta y esa aureola de "país exótico", sí, que en aquellos tiempos nuestro país estaba considerado igual de pintoresco que Marruecos, La India o China.

Ordenada en cinco estancias a lo largo de la sala (1. Literatura, 2. Filosofía y ciencia, 3. Feminismo, 4. Galicia, País Vasco y Cataluña, 5. América), la exposición nos muestra la evolución de este colectivo en el que no solo daba cabida a literatos, sino también , y por primera vez en la historia de las generaciones culturales españolas, también daba la bienvenida a músicos, médicos, investigadores, científicos, pensadores, filósofos y hasta políticos. (Gómez de la Serna, Falla, Ortega y Gasset, Gabriel Miró, Ramón Pérez de Ayala, Gustavo Pittaluga, Manuel Azaña, Gregorio Marañón...).

Una serie de paneles, a lo largo de un largo pasillo, nos releva los contenidos de cada estancia, con multitud de materiales fotográficos, sonoros, visuales y piezas de colección entre libros, objetos y efectos personales. En frente, una cuidada selección de pinturas y esculturas (a destacar la magnífica cabeza de Picasso de Pablo Gargallo).

Destacan algunas frases célebres que parecen dichas hoy día:

"España padece un déficit de orden intelectual". (Ortega Gasset, 1931).
"Cuanto más patriotas éramos, mayor enojo sentíamos". (Gonzalo Urgoiti, 1916).
"Mientras no veamos a las mujeres en el tranvía con un libro, no podrán ser iguales". (Margarita Nelken, 1921).

Yo le doy un   

JORGE JUAN Y LA ILUSTRACIÓN.
Espacio Cultural Caja Canarias, Santa Cruz de Tenerife.
Exposición terminada.

Estuve en mi tierra hace algo más de un mes y pude ir a varias exposiciones, que siempre aprovecho.
Una de ellas fue esta, de Jorge Juan, espoleado por mi hermano, que le encanta la historia y los barcos y, también, inducido a ir a ella por el recuerdo de la reciente expo dedicada a Blas de Lezo que pude ver en Madrid a principios de año y a la que fui con los Zascandiles.

Por cierto que no sabía que  Jorge Juan (Monforte del Cid, Alicante, España, 5 de enero de 1713 — Madrid, 21 de junio de 1773), que pone nombre a una céntrica calle madrileña del barrio de Salamanca, fue un ingeniero naval que demostró que la tierra estaba achatada por los polos y que hizo muchos viajes a América y que se tomó su nombre para nombrar a un famoso destructor de la Guerra Civil Española, llamado JJ.

No entiendo mucho de historia así que poco puedo decir más que la sala tenía muy pocos contenidos y que, según parece, era más interesante las conferencias que la exhibición que, aún así, mostraba una buena colección de objetos de este señor así como mapas, astrolabios, sextantes y otros objetos navales parecidos.

Yo le doy un  

BOHUMIL HRABAL. LOS FRUTOS AMARGOS DEL JARDÍN DE LAS DELICIAS.
Casa del lector-Matadero de Madrid (Metro Legazpi).
Hasta el 21 de septiembre.
Entrada libre.


Buena exposición la que ha organizado La Casa del Lector junto con el Centro Checo de Madrid en base a este escritor checo (1914-1997) famoso por escribir Trenes rigurosamente vigilados de la cual se hizo una película, dirigida por Jirí Menzel en 1966, que un año después se llevaría el Oscar a la mejor película extranjera.

Ordenada, como siempre en esta Casa, en base a una serie de paneles que discurren por los ocho puentes del piso superior de la Casa del Lector, la muestra hace un recorrido, mediante textos, fotografías, primeras ediciones, etc., de la vida de este escritor de taberna y de la gente sencilla de Praga, que se quitó la vida tirándose por la ventana de la habitación del hospital donde estaba ingresado.

Testigo de la revolución checa llamada Primavera de Praga, en 1968, Hrabal fue perseguido por la policía, teniendo que esconderse durante décadas y no pudiendo editar buena parte de sus libros hasta la caída del régimen soviético en 1991.

Una buena muestra que me ha dado a conocer a un autor del que no tenía ni idea  y del que espero leer algo en breve.

Yo le doy un  

MITOS DEL POP.
Museo Thyssen-Bornemisza, Madrid.
Hasta el 14 de septiembre.
11 eruos.
Audioguía: 3 euros.

Desde que trabajo no y tengo el carnet de parado, ahora toca pagar por los museos, no me parece mal, a todo esto hay que contribuir. Siempre será más caro tomarte dos putos cubatas.

Muy buena exposición sobre esta corriente artística aparecida a finales de los cincuenta.

En el espacio situado en la trasera del museo, que es uno de los dos que se dedican a exposiciones temporales, se reparten en ocho secciones una cantidad muy grande de obras del Pop. Esta modalidad del arte moderno de la segunda mitad del siglo XX se caracteriza por usar iconos de la publicidad; las marcas comerciales; el cine; la música y la industria del entretenimiento; la comodidad en los modernos hogares etc.; sacarlas de su contexto y exponerlas en la sala de exposiciones.

Desde el principio del movimiento, con el célebre cuadro Just what is it that makes today's homes so different, so appealing? (1956)de Richard Hamilton, que inaugura lo que es el pop,



donde, como decía él, "el relato es tan viejo como el Génesis. Las revistas son el nuevo Dios; por eso esta obra sigue siendo tan moderna".

Warhol y su apropiación de la Venus de Boticelli "Detalle de pinturas renancentistas", donde, ya en la década de los 50, juega a transformar una obra clásica y "customizarla".

Edmundo Paolozzi y Ray Johnson (James Dean/Rimbaud)

Los Zapatos de Warhol, que diseñaba en basa a periódicos y a revistas, los sacaba de contexto y enmarcaba ("À la recherche du shoes perdu"). Primeros trabajos en Harper's Bazaar.

Kitaj: "Reflexiones sobre la violencia" (1962).

Roy Lichtenstein : "Look Mickey", (1961), la primera vez que Lichenstein pinta una viñeta de grandes dimensiones. Coge una viñeta de un cómic de Donald y Mickey, lo pinta en un gran lienzo y lo llena de puntitos, pintándolos uno a uno para simular un procedimiento mecánico. Increíble sencillamente. Luego utilizará ya las plantillas, pero esto era el inicio de su técnica.

Un fabuloso "Double Mickey Mouse" de Warhola 81981) y el "Reflejos en epelo" (1989), deliberadamente abstracto.

Los "S &T , sellos verdes" (1962), también de Warhola, con la técnica del "estarcido", esto es, usar una plantilla con tres motivos repetidos y luego estamparla en el lienzo repetidas veces hasta salirse de los límites del propio cuadro. Repetición de una marca para para color en el cliente potencial como técnica de publicidad aplicada luego al arte.

Jasper Johns y su "Diana Verde", donde se aplica su idea de deshacer un objeto de su función tradicional y convertirlo en emblema. Daría lugar a "Frist Real Targe" de Peter Blake.

EAT, de Robert Idiana, homenaje implícito al poder del púbico como masa, al reconocer las marcas.

Alex Katz: "Sylvia".

Pasamos del cómic a las marcas comerciales-objetos desprovistos de su función-Artistas de Holywood.
O sea, iconos, el gusto del arte por los iconos, el gusto del arte por los iconos como relatos de una gran tragedia.

La técnica del "decollage", o rasgar, romper un lienzo, un póster, una fotografía para ver lo que hay debajo de ella. Wolf Vostell, "Marilyn ídolo" (1963).

Warhol --> Marilyn en b/n (1962)

Pauline Baty, la única protagonista femenina representada en esta muestra del pop-art, mujer misteriosa que murió con treinta y pocos años y su "Colour her gone" representa a una Marilyn desprovista de maquillaje.

Warhol incorpora la técnica de la serigrafía y la repetición , que desdibujan a la persona y la convierten en en icono.

Jack del Viilleglé. "Angus, 21 de setp. de 1959".

Warhol: "Autorretrato con luz negra".

Blake y su horroroso retrato de los Beatles (1962).

Aquel increíble cuadro de Hamilton, "Liberación" (1972), que parece un Hipgnosis.

La recuperación el autorretrato por los artistas pop muestra la obsesión del ser humano por retratarse a sí mismo, como demuestran los actuales "selfies".

Warhol, "Autorretrato con estrangulación" (1978) (empleando aquella técnica del "Love you live" para el álbum homónimo de los Rolling.

Hockney y sus cuadros cargados de fuerte homoerotismo: "Autoretrato con guitarra azul" de 1977. Hockney utiliza el lienzo cuadrado a imitación de sus polaroids (por cierto, ahora se dice "pola"; tócate los cullons) que le inspiraron. Hoy utiliza iPads, como bien pude ver el año pasado en el Guggeheim de Bilbao en aquella retrospectiva que se le dedicó.

Blake y su estupendo "Retrato de David Hockney en un interior español de Hollywood", (1966) y ese fascinante (doble) ambiente pop y mariquita.

Paisajes, interiores y bodegones. Patrick Caoulfield y su "Curva en el camino", de 1967, que remite a aquella otra curva de Cézanne, cuya retrospectiva sobre él pude ver el año pasado en este mismo museo.

Las nuevas técnicas de impresión sustituyen a la pincelada y, en consecuencia, el pintor ya no deja huella.

Lichenstein y su "Cielo amarillo", de 1966, donde crea un paisaje del "far west", de donde ha quitado al supuesto vaquero.

Los artistas pop sienten la necesidad de volver a los paisajes naturales y alejarse del bullicio de la gran ciudad.

Increíbles bodeones de Litchenstein con "La taza de café,", de 1961 o las "Tortitas y salchichas", de Cloes Oldenburg (1962).

El "Shasta", 1964, de Vija Climins.
Las "Tres máquinas" expendedoras de chicles de Wanye Thieblaud, 1963, que anuncian a Yoko Ono.

El fabuloso cuadro de Tom Wesselmann, combinan acrílico, fotografía y collage y haciendo de su "NAtrualeza meurta, 34" un homenaje a aquellos bodegones holandeses del siglo XVII , pero con nuevos elementos.

El "Ovillo de cuerda", 1963, de Lichtenstein, sobre lienzo. Cremoso cuadro donde la mirada se fija. Fantástico motivo, maravillosos tema y ejecución. REcuerda a la gran escultura que el propio Lich tiene en el patio central del Museo Riena Sofía.

El "Jónico" de Ruscha, que se asemeja a una fotografía desenfocada.

Erotismo urbano.
La maravillosa serie "El gran desnudo americano" de Tom Wesselmann, que a mí me subyugaba de chico.
El increíble lienzo de Linchsteien "Mujer en el baño" (1963).
Hockney y su reivindicación, una vez más, de la homosexualidad en "Hombre en la ducha de Beverly Hills".

Otro cuadro de la enigmática Pauline Boty, "Es un mundo de hombres II" (1965-66).

El inquietante Lindner y su "Thank you", de 1971.

Los objetos como deseo y como elementos eróticos, los coches y los discos, el arte "cop" (copulation + pop). Todo esto se encuentre en el impresionante "Discos", 1965, de James Rosenquist, con sus exageradas ampliaciones y arriesgados encuadres, hace que los objetos de consumo de masas resultan sexualmente atractivos.

Eduardo Arroyo y los Equipos Crónica y Realidad.

El magnífico "El abrazo" de Juan Genovés.

La denuncia política fue el principal motivo del arte pop español.
"Caín y Abel", 1967, de Equipo Realidad.

Robert RAushehberg, "Retroactivo II", de 1963, donde ironiza sobre los "mass media" y utiliza el óleo blanco para resaltar elementos del cuadro. Estupenda idea.

Y el arte sobre el arte, que supone el final de la expo.

El célebre "La salita", de 1970, de Equipo Crónica, que recontextualiza el cuadro famoso de Velázquez "Las Meninas", ridiculizando los esfuerzos del tardofranquismo por realzar la cultura y conecta con el cuadro de Hamilton ".. so appelaing?", que iniciaba la expo.

Arroyo y su "Vestido bajando la escalera", donde mata simbólicamente a Duchamp (por segunda vez) que me recuerda a la portada española de la primera edición de "El hombre duplicado", novela del escritor portugués José Saramago.

"Mirar no es suficiente, hay que usar la intuición".
Con estas palabras de Ronsenquist, el autor de uno de mis cuadros favoritos de esta expo, Discs, de 1965, al que, al término real de esta exhibición, yo volví a ese cuadro para verlo otra vez, yo termino personalmente este viaje mágico y misterioso que recomiendo vivamente.

YO le doy un   .


http://www.museum-online.nl/imageproxyboijmans.asp?cache=yes&maxheight=500&maxwidth=500&filename=0019_0216.jpg&cache=yes

HENRI CARTIER-BRESSON.

Fundación Mapfre, Madrid.
Hasta el 7 septiembre de 2014.
Entrada libre.
Adioguía: 3'50 euros.


Extensísima y apabullante exposición de este, mi fotógrafo favorito.
De las cuatro retrospectivas que he visto de este artista, co-fundador junto con Rober Capa y otros de la agencia Magnum, esta es, sin duda, la mejor.

La exhibición abarca los más de sesenta años en el que Cartier-Bresson se dedicó profesionalmente a la fotografía: desde sus inicios en el dibujo y sus primeras fotografías hasta los últimos tiempos en los que hacía fotografía contemplativa y volvería al dibujo. Entre medio, varias décadas de apasionante vida en la que Cartier-Bresson fue reportero de guerra (estuvo presente en la Guerra Civil Española y la II Guerra Mundial, donde estuvo prisionero tres años de los alemanes) y fotógrafo de grandes reportajes internacionales para revistas de peso y fama mundial como Life, Paris Match o Stern, para las cuales cubrió, entre otras muchas noticias, la ascensión de Mao al poder en China, la muerte de Gandhi, la revolución cubana, el mayo del 68 francés la revolución de Praga del 68, etc.

Una gran característica suya era la puesta en escena. Cartier-Bresson escogía un escenario, según sus estudios sobre geometría que siempre empleó en sus fotos, y luego, simplemente, dejaba que la vida pasara y afectara a su fotografía.

Otra gran característica es que era un apasionado de los viajes y de la gente sencilla, aparte de comunista convencido, característica que siempre intentó inculcar en sus obras.

La expo es magnífica, como nos tiene acostumbrados esta estupenda galería de Mapfre, y la selección de las obras es irreprochable, sin embargo (y esto es algo muy personal), en la sección de retratos falta mi favorito, el de los hermanos Alsop.



Como suele ocurrir, el frío en la sala es excesivo. Al quejarme sobre ello, me dijeron los responsables de sala que no había más remedio que poner el aire acondicionado alto porque así lo exigía el seguro de las fotos, dado que la gran mayoría son de nitrato de plata y el calor podría afectarlas. O sea, si van a esta expo, lleven jersey, pantalón largo y zapatos cerrados con calcetines. En serio.

Como es normal, eviten ir por las tardes y los fines de semana, pues la cantidad de gente que va a esas horas es terrible.

Y también, como última recomendación, no hace falta ninguna, como suelo aconsejar, que pillen la audioguía: las abundantes notas de sala hacen completamente innecesario este artilugio (a no ser que sea para completar).

Yo le doy un  

La de Japón del Museo de Bellas Artes de Bilbao y la de Yoko Ono, del Guggehheim.

Geniales ambas.

Joseba escribió:La de Japón del Museo de Bellas Artes de Bilbao y la de Yoko Ono, del Guggehheim.

Geniales ambas.

Yeah, Joseph, yo estuve en la de Yoko y me pareció cojonuda, un "must" de este verano, sin duda alguna.

Refrescospepito escribió:

HENRI CARTIER-BRESSON.

Fundación Mapfre, Madrid.
Hasta el 7 septiembre de 2014.
Entrada libre.
Adioguía: 3'50 euros.


Extensísima y apabullante exposición de este, mi fotógrafo favorito.
De las cuatro retrospectivas que he visto de este artista, co-fundador junto con Rober Capa y otros de la agencia Magnum, esta es, sin duda, la mejor.

La exhibición abarca los más de sesenta años en el que Cartier-Bresson se dedicó profesionalmente a la fotografía: desde sus inicios en el dibujo y sus primeras fotografías hasta los últimos tiempos en los que hacía fotografía contemplativa y volvería al dibujo. Entre medio, varias décadas de apasionante vida en la que Cartier-Bresson fue reportero de guerra (estuvo presente en la Guerra Civil Española y la II Guerra Mundial, donde estuvo prisionero tres años de los alemanes) y fotógrafo de grandes reportajes internacionales para revistas de peso y fama mundial como Life, Paris Match o Stern, para las cuales cubrió, entre otras muchas noticias, la ascensión de Mao al poder en China, la muerte de Gandhi, la revolución cubana, el mayo del 68 francés la revolución de Praga del 68, etc.

Una gran característica suya era la puesta en escena. Cartier-Bresson escogía un escenario, según sus estudios sobre geometría que siempre empleó en sus fotos, y luego, simplemente, dejaba que la vida pasara y afectara a su fotografía.

Otra gran característica es que era un apasionado de los viajes y de la gente sencilla, aparte de comunista convencido, característica que siempre intentó inculcar en sus obras.

La expo es magnífica, como nos tiene acostumbrados esta estupenda galería de Mapfre, y la selección de las obras es irreprochable, sin embargo (y esto es algo muy personal), en la sección de retratos falta mi favorito, el de los hermanos Alsop.



Como suele ocurrir, el frío en la sala es excesivo. Al quejarme sobre ello, me dijeron los responsables de sala que no había más remedio que poner el aire acondicionado alto porque así lo exigía el seguro de las fotos, dado que la gran mayoría son de nitrato de plata y el calor podría afectarlas. O sea, si van a esta expo, lleven jersey, pantalón largo y zapatos cerrados con calcetines. En serio.

Como es normal, eviten ir por las tardes y los fines de semana, pues la cantidad de gente que va a esas horas es terrible.

Y también, como última recomendación, no hace falta ninguna, como suelo aconsejar, que pillen la audioguía: las abundantes notas de sala hacen completamente innecesario este artilugio (a no ser que sea para completar).

Yo le doy un  

Para completar esta expo, en una pequeña galería en la calle donde yo vivo, había otra expo de Cartier-Bresson pero solo de retratos.
El sitio, Galería Michel Soskine (Padilla, 38; metro Núñez de Balboa, Madrid) es una antigua casa de esas de rancio abolengo que se ha despejado para albergar esta elegante y pija galería de arte regentada por la típica hipster buenorra con gafas de pasta, pantalón pitillo y pelo corto (i love it!), y la sala presentaba una serie de copias de épocas realizadas y firmadas por el propio Cartier-Bresson, de retratos que no se pueden ver en la expo de la Fundación Mapfre, así, están los fabulosos retratos de Stravinsky 1967, Giacometti en su estudio, André Malroux 1968, muchos cultureras frenceses de los 50/60 y el estupendo retrato de Ezxra Poun de 1971, con esas  manos nudosas.

C.B. sabía en sus retratos cómo captar la esencia humana de cada retratado, con sus luces y sus sombres, algo que era una especialidad en él y una cosa muy difícil de hacer.

Son también destacables los fondos que el artista escogía para realizar estos retratos, envolventes, distantes, a menudos difuminados, que formaban parte de retratado como el mismo personaje.

RICHARD HAMILTON.
Museo Reina Sofía, Madrid.
Hasta el 13 de octubre de 2014.
6 euros (gratis para desempleados).
Audioguía, 3 euros.

Yes, baby, la retrospectiva de Richard Hamilton es la polla que te folla y tan absolutamente amplia y desmesurada que yo tardé tres días (cuatro horas el primer día, tres y el segundo y dos el tercero) en verla.
Y es necesario verla por partes porque la cantidad ingente de obras y las numerosas solas son demasiado para un cerebro humano (si es que las queremos ver y disfrutar todas, claro, con paciencia y tiempo).

La muestra está dividida en catorce apartados nada menos, ¡gñ!, y empieza con los primeros escarceos del artista inglés en el mundo del arte, influenciado por sus estudios en dibujo técnico y pretecnología. Como su serie "Reaper", sobre catálogos de cosechadoras y segadoras mecánicas, donde ya se aprecia su fascinación por adolescente por el diseño industrial, que marcará buena parte de su carrera.
"Los cubistas habían adoptado la multiplicidad de puntos de vista moviéndose alrededor de loas cosas. Nosotros podemos verlo todo a la vez gracias a la gran matriz visual a la que estamos expuestos: cine, T.V., revistas, cómics..."
"Cualquier cosa que comunique los pensamientos de un artista es una obra de arte. Ni siquiera hace falta que haya sido producida por el propio artista".
Su primera expo que él organiza, "Growth and form", que él mismo comisaria, es en parte artística y en parte científica, y muestra los avances biológicos de la época. Se reproduce casi por entero esta exposición, intentando volver a representar aquella exhibición de los años cincuenta.
"El mundo es como es porque debe de seguir ciertos principios matemáticos. " "El tiempo y la actividad del crecimiento están relacionados".
Hamilton señala la importancia que tenía el estudio científico y de la forma y estructura biológicas para artistas y diseñadores. Esta idea supuso una revolución en el mundo del are de la época. Esto expo es también importante ya que es la primera en combinar pintura, escultura, fotografía, retícula, etc.

Pinturas 1950-54.
Aunque siempre se definió como artista figurativo, Hamiton aceptó que sus primeras obras se enracaban en la abstracción.
Crecimiento orgánico.
Desarrollo formal de la espiral (¿anunciaba al canario Martín Chirino?)k.
El punto de vista.
La perspectiva.
La teoría del tren y los objetos cerca y lejos, al adoptar el punto de vista continuo y movible que le brindaba un medio de locomoción como el tren. El tren como clave en la percepción visual moderna.

2º) MAN, MACHINE, MOTION.

Hamilton como diseñador de estructuras.
Fascinación por el hombre-maquina (anunciaba las teorías del grupo alemán Kraftwerk), por los aparatos que son una extensión del hombre, así como su deslumbramiento por los adelantes técnicos y científicos (los electrodomésticos, los coches...).
En esta exposición, que se reproduce fielmente aquí, y que él organizó, muestra, de manera didáctica, los avances del hombre hasta ese momento y sus esfuerzos por llegar más lejos tanto por tierra, mar, aire y espacio. Se dotó aquella exposición de paneles aéreos que fueron muy comentados en su época y que era la primera vez que se hacía.

En la sala contigua se muestran cuadros en los que mezcla maquinas y cuerpos humanos pero de una manera sensual, como objetos de deseo y de consumo.
La erótica de los coches de aquellos años (década de los cincuenta).
Cuadros en parte "inacabados", donde, por ejemplo, una pin-up, perfectamente pintada, se desparrama sobre un coche apenas a medio dibujar y que anuncia a autores como Boris Vallejo y que está representado en portadas de discos como la del segundo álbum de los Cars, ilustrado por Vargas. "Homage à Chrisyler Corp." (1957), "Hers is a lush" (1958), Pin-Up (1961).

Ya en esta época empieza a fraguarse sus ideas sobre un arte popular (pop-art), que desarrollará unos pocos años más tarde, y que se basa en las siguientes premisas:
popular
transitorio
prescindible
de bajo coste
producido de manera masiva
joven
ingenioso
sexy
efectista
glamuroso
un gran negocio.

También, como hizo con las mujres y los coches, quiso hablar de la masculinidad presentando a los hombres con sus signos de macho-man en la serie Towards a definitive statement...".

Según Hamilton, la sociedad de consumo de los años cincuenta en el mundo occidental fue creada desde las revisas americanas como Life, Time o New Yorker.

En el pasillo que da a la siguiente sala, se "proyecta" una curiosa película de 1969 llamada "Richard Hamilton Documentary" de 9 minutos sobre los trabajos y la manera de hacerlos de Hamilton. Muy recomendable.

La sala 3 está dedicada a la relación profesional y de amistad de Richard Hamilton y Marcel Duchamp, el astro del arte francés de la primera mitad del siglo XX y artífice de todo lo que conocemos hoy como "arte moderno" gracias a su sin par obra "Fuente", firmada con el seudónimo de R. Mutt y fechada en 1917, en el que exhibió un urinario vertical auténtico de un baño público de París. Tan solo desancló el urinario de su enclave original, lo firmó, lo fechó, y lo colocó en la sala de arte. El mensaje era "cualquier cosa que el artista diga que es arte, arte es" e inauguró la idea de que cualquier objeto cotidiano sacado de su "hábitat" natural puede ser considerado como arte.



Marcel Duchamp también fue el que tuvo la "osadía" de pintar un bigote en una reproducción de la célebre Gioconda o Mona Lisa de Leonardo da Vinci.

En esta sala se ve la pasión que Hamilton tenía por los trabajos del que él llamaba maestro y la buena amistad que tenían.
Se exhiben los planos y los trabajos que llevó a cabo Hamilton para copiar la obra de Duchamp "La Mariée mise à nu par ses célibataires, même" (La novia desnuda por sus pretendientes, incluso) al que se conoce como "Le grand Verre" (El gran vídrio), con motivo de una restrospectiva que sobre el artista francés Hamilton quería hacer en Londres. La obra era muy delicada y no podía viajar desde Nueva York, y Hamilton pasó dos años copiando punto por punto esta pieza para ser representada en la exposición londinense.

Es muy interesante, y primordial, ver el documental de una hora, que se exhibe en esta misma sala, y que trata sobre la relación de Hamilton-Duchamp, con el propio Hamilton hablando de su maestro y de cómo realizó la copia de "El gran Vídrio".

4. THIS IS TOMORROW. (1956).

Una exhibición colectiva sobre los nuevos modos de la sociedad moderna. Se invitó a Hamilton a realizar el cartel anunciador y el catálogo de la restrospectiva y para ello, el artista creó lo que es su obra más famosa y la que inauguró lo que conocemos como Pop-Art: "Just What makes today's home so different, so appealing?" (¿Qué es exactamente lo que hace que los hogares de hoy en día sean tan diferentes, tan atractivos?).



Se da la extraordinaria oportunidad (y, quizás, once in a lifetime) de que esta obra se puede ver en dos exposiciones distintas aquí en Madrid: la que nos ocupa y la exhibición dedicada a la historia del pop-art que se puede ver estos días en el museo Thyssen. La del Thyssen es una copia realizada por el propio Hamilton, pero la del Reina Sofía es la de verdad, la que realizó el propio artista. Se acompaña también el póster original de la muestra y el catálogo de la misma.
Bueno, un privilegio.

Se reproduce en esta sala la instalación que el propio artista, junto con otros colaboradores, realizó para esta expo de This is Tomorrow. Es una reproducción casi exacta realizada en 1987 y que copia el juke-box original y la especie de máquina del tiempo que realizó Hamilton para esta expo.

Richard Hamilton tuvo que esperar a que el pop art triunfara en Estados Unidos para que sus ideas de mezclar el arte con la popular fueran aceptados (creo que ya es hora de hacer lo contrario , y ahí va una de mis grandes ideas: ¿Es el are para todo el mundo? ¡NO! El arte es para el que lo trabaja, tanto para el artista como para el que lo aprecia con sentido y sensibilidad y desde el conocimiento).

5º) PEOPLE.

Richard Hamilton también le dio a la fotografía.
Experimentó con las modernas máquinas de entonces, dedicándose a sacar escenas cotidianas de la gente normal y, luego, ampliaba la instantánea hasta el infinito, hasta que esta foto deja de transmitir un mensaje preciso al espcetador, como se ve en su serie "People multiple", de 1968.

Bravo, refrescos, siempre son bien recibidos tus análisis

úL escribió:Bravo, refrescos, siempre son bien recibidos tus análisis

ME queda la segunda parte de esta expo, que terminaré mañana, pero aquí hay un anticipo.
Gracias por tus ánimos, Úl.
Recuerda contestarme a la pregunta que te hago en el topic de Pere Ubu.

Refrescospepito escribió:

úL escribió:Bravo, refrescos, siempre son bien recibidos tus análisis

ME queda la segunda parte de esta expo, que terminaré mañana, pero aquí hay un anticipo.
Gracias por tus ánimos, Úl.
Recuerda contestarme a la pregunta que te hago en el topic de Pere Ubu.

gracias por el consejo de administrar las visitas a esta expo, no sabía que fuera tan bestia

hay topic sobre Pere Ubu?    voy p'allá

RICHARD HAMILTON.
Museo Reina Sofía, Madrid.
Hasta el 13 de octubre de 2014.
6 euros (gratis para desempleados).
Audioguía, 3 euros.

Yes, baby, la retrospectiva de Richard Hamilton es la polla que te folla y tan absolutamente amplia y desmesurada que yo tardé tres días (cuatro horas el primer día, tres y el segundo y dos el tercero) en verla.
Y es necesario verla por partes porque la cantidad ingente de obras y las numerosas solas son demasiado para un cerebro humano (si es que las queremos ver y disfrutar todas, claro, con paciencia y tiempo).

1º) PRIMERAS OBRAS. REAPERS, GROWTH AND FROM.
La muestra está dividida en catorce apartados nada menos, ¡gñ!, y empieza con los primeros escarceos del artista inglés en el mundo del arte, influenciado por sus estudios en dibujo técnico y pretecnología. Como su serie "Reaper", sobre catálogos de cosechadoras y segadoras mecánicas, donde ya se aprecia su fascinación por adolescente por el diseño industrial, que marcará buena parte de su carrera.
"Los cubistas habían adoptado la multiplicidad de puntos de vista moviéndose alrededor de loas cosas. Nosotros podemos verlo todo a la vez gracias a la gran matriz visual a la que estamos expuestos: cine, T.V., revistas, cómics..."
"Cualquier cosa que comunique los pensamientos de un artista es una obra de arte. Ni siquiera hace falta que haya sido producida por el propio artista".
Su primera expo que él organiza, "Growth and form", que él mismo comisaria, es en parte artística y en parte científica, y muestra los avances biológicos de la época. Se reproduce casi por entero esta exposición, intentando volver a representar aquella exhibición de los años cincuenta.
"El mundo es como es porque debe de seguir ciertos principios matemáticos. " "El tiempo y la actividad del crecimiento están relacionados".
Hamilton señala la importancia que tenía el estudio científico y de la forma y estructura biológicas para artistas y diseñadores. Esta idea supuso una revolución en el mundo del are de la época. Esto expo es también importante ya que es la primera en combinar pintura, escultura, fotografía, retícula, etc.

Pinturas 1950-54.
Aunque siempre se definió como artista figurativo, Hamiton aceptó que sus primeras obras se enracaban en la abstracción.
Crecimiento orgánico.
Desarrollo formal de la espiral (¿anunciaba al canario Martín Chirino?)k.
El punto de vista.
La perspectiva.
La teoría del tren y los objetos cerca y lejos, al adoptar el punto de vista continuo y movible que le brindaba un medio de locomoción como el tren. El tren como clave en la percepción visual moderna.

2º) MAN, MACHINE, MOTION.

Hamilton como diseñador de estructuras.
Fascinación por el hombre-maquina (anunciaba las teorías del grupo alemán Kraftwerk), por los aparatos que son una extensión del hombre, así como su deslumbramiento por los adelantes técnicos y científicos (los electrodomésticos, los coches...).
En esta exposición, que se reproduce fielmente aquí, y que él organizó, muestra, de manera didáctica, los avances del hombre hasta ese momento y sus esfuerzos por llegar más lejos tanto por tierra, mar, aire y espacio. Se dotó aquella exposición de paneles aéreos que fueron muy comentados en su época y que era la primera vez que se hacía.

En la sala contigua se muestran cuadros en los que mezcla maquinas y cuerpos humanos pero de una manera sensual, como objetos de deseo y de consumo.
La erótica de los coches de aquellos años (década de los cincuenta).
Cuadros en parte "inacabados", donde, por ejemplo, una pin-up, perfectamente pintada, se desparrama sobre un coche apenas a medio dibujar y que anuncia a autores como Boris Vallejo y que está representado en portadas de discos como la del segundo álbum de los Cars, ilustrado por Vargas. "Homage à Chrisyler Corp." (1957), "Hers is a lush" (1958), Pin-Up (1961).

Ya en esta época empieza a fraguarse sus ideas sobre un arte popular (pop-art), que desarrollará unos pocos años más tarde, y que se basa en las siguientes premisas:
popular
transitorio
prescindible
de bajo coste
producido de manera masiva
joven
ingenioso
sexy
efectista
glamuroso
un gran negocio.

También, como hizo con las mujres y los coches, quiso hablar de la masculinidad presentando a los hombres con sus signos de macho-man en la serie Towards a definitive statement...".

Según Hamilton, la sociedad de consumo de los años cincuenta en el mundo occidental fue creada desde las revisas americanas como Life, Time o New Yorker.

En el pasillo que da a la siguiente sala, se "proyecta" una curiosa película de 1969 llamada "Richard Hamilton Documentary" de 9 minutos sobre los trabajos y la manera de hacerlos de Hamilton. Muy recomendable.

La sala 3 está dedicada a la relación profesional y de amistad de Richard Hamilton y Marcel Duchamp, el astro del arte francés de la primera mitad del siglo XX y artífice de todo lo que conocemos hoy como "arte moderno" gracias a su sin par obra "Fuente", firmada con el seudónimo de R. Mutt y fechada en 1917, en el que exhibió un urinario vertical auténtico de un baño público de París. Tan solo desancló el urinario de su enclave original, lo firmó, lo fechó, y lo colocó en la sala de arte. El mensaje era "cualquier cosa que el artista diga que es arte, arte es" e inauguró la idea de que cualquier objeto cotidiano sacado de su "hábitat" natural puede ser considerado como arte.



Marcel Duchamp también fue el que tuvo la "osadía" de pintar un bigote en una reproducción de la célebre Gioconda o Mona Lisa de Leonardo da Vinci.

En esta sala se ve la pasión que Hamilton tenía por los trabajos del que él llamaba maestro y la buena amistad que tenían.
Se exhiben los planos y los trabajos que llevó a cabo Hamilton para copiar la obra de Duchamp "La Mariée mise à nu par ses célibataires, même" (La novia desnuda por sus pretendientes, incluso) al que se conoce como "Le grand Verre" (El gran vídrio), con motivo de una restrospectiva que sobre el artista francés Hamilton quería hacer en Londres. La obra era muy delicada y no podía viajar desde Nueva York, y Hamilton pasó dos años copiando punto por punto esta pieza para ser representada en la exposición londinense.

Es muy interesante, y primordial, ver el documental de una hora, que se exhibe en esta misma sala, y que trata sobre la relación de Hamilton-Duchamp, con el propio Hamilton hablando de su maestro y de cómo realizó la copia de "El gran Vídrio".

4. THIS IS TOMORROW. (1956).

Una exhibición colectiva sobre los nuevos modos de la sociedad moderna. Se invitó a Hamilton a realizar el cartel anunciador y el catálogo de la restrospectiva y para ello, el artista creó lo que es su obra más famosa y la que inauguró lo que conocemos como Pop-Art: "Just What makes today's home so different, so appealing?" (¿Qué es exactamente lo que hace que los hogares de hoy en día sean tan diferentes, tan atractivos?).



Se da la extraordinaria oportunidad (y, quizás, once in a lifetime) de que esta obra se puede ver en dos exposiciones distintas aquí en Madrid: la que nos ocupa y la exhibición dedicada a la historia del pop-art que se puede ver estos días en el museo Thyssen. La del Thyssen es una copia realizada por el propio Hamilton, pero la del Reina Sofía es la de verdad, la que realizó el propio artista. Se acompaña también el póster original de la muestra y el catálogo de la misma.
Bueno, un privilegio.

Se reproduce en esta sala la instalación que el propio artista, junto con otros colaboradores, realizó para esta expo de This is Tomorrow. Es una reproducción casi exacta realizada en 1987 y que copia el juke-box original y la especie de máquina del tiempo que realizó Hamilton para esta expo.

Richard Hamilton tuvo que esperar a que el pop art triunfara en Estados Unidos para que sus ideas de mezclar el arte con la popular fueran aceptados (creo que ya es hora de hacer lo contrario , y ahí va una de mis grandes ideas: ¿Es el are para todo el mundo? ¡NO! El arte es para el que lo trabaja, tanto para el artista como para el que lo aprecia con sentido y sensibilidad y desde el conocimiento).

5º) PEOPLE.

Richard Hamilton también le dio a la fotografía.
Experimentó con las modernas máquinas de entonces, dedicándose a sacar escenas cotidianas de la gente normal y, luego, ampliaba la instantánea hasta el infinito, hasta que esta foto deja de transmitir un mensaje preciso al espectador, como se ve en su serie "People multiple", de 1968 o en  “Bathers”, 1967 o eln “Trafalgar Sq.”, 1965-67.

6º) SWINGEING LONDON.
La maravillosa serie que Hamilton hizo del Swinging London llamada “Swingeing London 67”, “Londres Severo 1967”, en un juego de palabras con “Swinging London”, “Londres Excitante”, como se conocía a la capital inglesa a mediados de los sesenta.
Esta serie de fotografías con diferentes tratamientos se basa en una instantánea de un periódico hablando sobre la dura sentencia que Mick Jagger y el galerista Robert Fraser, amigo tanto de Jagger como de Hamilton, tuvieron por posesión de drogas (marihuana y heroína) en una fiesta en casa de Keith Richards en 1967. Jagger estuvo unos días en la cárcel y luego salió liberado, tras pagar una buena suma, en parte por la presión mediática y los fans. Los Rolling luego sacarían su single “We love you/Dandelion” (single que, por cierto, yo tengo) para agradecer a los fans su apoyo. Esto también se ve en el documental del que he hablado antes. El galerista Robert Fraser, imputado junto con Jagger, no tuvo tanta suerte. Era un próspero marchante amigo de los Beatles y de los Rolling, que dio la idea a Lennon del logo de Apple Records, acogió en su galería la exposición de Lennon “You are here” y fue el que sugirió el nombre del propio Hamilton para el diseño del Doble Álbum (eso lo veremos más tarde). Fraser tuvo que pasar varios meses en la cárcel y, tras su excarcelación, tuvo una depresión, cerró su galería y aumentó el consumo de heroína. Pasó la década de los setenta en La India y, eventualmente, se recuperó y volvió a Londres en los ochenta y abrió una segunda galería. Sin embargo, sus problemas con las drogas y el alcohol volvieron y tuvo que volver a cerrar su galería pues se arruinó. Murió enfermo de Sida en 1986 , solo, sin amigos y sin un duro.

https://www.youtube.com/watch?v=klTw94kTstg

INTERIORES.
Perteneciente también a la sala 6 tenemos los Interiores I y II, itnersesantísmos cuadros donde los más importante es su concepto de interiora, que es como un museo (el espejo de “Interior I”, conde se pueden “asomar” otras obra sy formar  parte del propio cuadro. Y todo a partir de un fotograma de la película de Douglas Sirk “Más fuerta que la ley” (1949) y con una fuerte influencia de “Las Meninas”.

“I dreaming of a White Christmas”, 1967 y su inversión del color. Hamilton tuvo la idea de coger un fotograma de la famosa película protagonizada por Bing Crosby, ampliarla y volverla en negativo, con lo que Bing aparece como si fuera un alter ego infernal de una hipotética Black Christmas.
La estupenda serie sobre Marylin donde es “la propia acriz” quien prporiona el materal al artista, dado que se basa en fotografías  que ella misma desechó añadiéndole una “X” sobre cada instantánea que no le gustaba.

7º) AN EXHIBIT, 1967.
Una expo de Hamilton junto con Victor Pasmore y Lawrence Alloway en base a paneles de metacrilato aéreos y el suelo de varios colores, como imitando a Mondrian.
Las formas abstractas favorecían que el público no se centrara en el contenido icónico o temático, sino en la estructura que sustentaban las piezas.

8º) POLAROIDS.
Las “polas” (ahora se llaman así) fueron descubiertas a Hamilton por medio de su amigo Roy Lichtesntein en 1968 y, viendo tan fascinante aparato, decidió que toda persona que se encontrara le hiciera una foto en Polaroid. Esta práctica duró el resto de la vida del artista y en esta estupenda selección podemos encontrar “polas” que le hicieron Henri Cartier-Bresson, Gilbert & George, Yoko Ono, Lennon, Peter Blake, Ian Dury y hasta el mismo Ferrán Adriá.

9º) FASHION PLATE (COSMETIC STUDY).
Los figurines de moda también interesaron a Richard Hamilton y esta es una serie de cuadros en base a unas fotografías de modelos. Lo notable es que Hamilton “borra” con pintura blanca partes de la anotomía de las modelos para hacer una crítica a cómo se trata de manera humanizada a estas mujeres. Es también de hacer notar que en estos cuadros-collage, Hamilton incluye también los modos de la sesión de fotos de las modelos, esto es, las cámaras fotográficas, los focos, etc.
Esta serie de cuadros me recuerda a aquel disco de los Go-Go’s, “The beauty and the beat” (1981), de los cuales estas chicas recogieron influencias para la cubierta del disco.

PORTRAITS/SELF PORTRAITS.
Perteneciente a la misma sala pero en otra parte se exhiben unos grande cuadros en base a fotografías del mismo Hamilton que hizo a la manera de un artista que él admiraba, Francis Bacon. Imita los brochazos de Bacon usando la fotocomposición, adelantándose así a lo que hoy conocemos como “apropiación”.
Fotos sobre Bacon en 3D fascinantes. “Polindrome, 73”.

10º) GUGGENHEIM, 1965-69.
Acojonante su serie sobre el Guggen neoyorquino (¡yo estuve!), especialmente la premiera de las piezas. Se trata de una serie de grandes cuadros de técnica mixta donde representa el edificio del Guggen en relieve y los llena de colores industriales. Con esto quiere hacer una crítica sobre el trabajo seriado de los artistas pop. De nuevo se inspira en representaciones del objeo mediante los planos de Frank Lloyd Wright.

PRODUCTOS.
En la misma sala pero en otro apartado. Aquí se habla de la fascinación que Hamilton siempre sintió por el diseño industrial, especialmente el de los electrodomésticos diseñados por Dieter Rams para la marca alemana Braun. Una serie de cuadros de elegantes máquinas de línea blanca donde sustituye la palabra Braun por su propio apellido, Hamilton, a modo de marca. También, varios objetos como un cenicero o un póster donde su nombre, Richard, sustituye a la bebida pastis francés Ricard.  También admiraba los folletos explicativos que venían con los aparato. Llegó a diseñar su propio electrodoméstico con prospecto y todo. Se trataba de una especie de cepillo de dientes eléctrico al que sustituye las cerdas por una dentadura postiza y al que llamó “The Critic Lughs”.
En la misma sala se incluye el diseño original de la fabulosa portada del Doble Blanco de los Beatles junto con el collage original que luego sirvió de póster para el interior del álbum. La emoción que me produjo ver esta maravilla en vivo y en directo es tan fuerte que no tengo palabras para describirla.

11º) SHIT & FLOWERS.
Llegamos a la parte menos interesante y más vulgar de la exposición y, quizás, de la ingente producción de este artista. “Shit & flowers” trata de una serie de obras de diferentes técnicas que trata de unir lo bello y bucólico con la mierda, vamos, pero en sentido literal: CACA. Esto es, una serie de cuadros donde, en un paraje de ensueño, dos chicas vestidas a la usanza de señoritas pudientes del siglo XIX están… cagando. Conceptualmente, mis pocas entendederas de tipo preocupado por ir a exposiciones y que paga su entrada no pueden con esto y no sé para lo que sirve ni que quería Hamilton demostrar con esta mierda (en todos los sentidos).  Se supone que era un nuevo homenaje a Duchamp, por aquello de trabajar con contrarios, pero aquí Hamilton se pasa de listo y no acierta. Es irónico, quiero creer que hecho a propósito, que justo aquí estén los cuartos de baño del museo. Nada más ver esta mierda, hala, a cagar. (Perdonen mi lenguaje obsceno, tan impropio de un caballero canario de los años ochenta como yo).

12º) LOBBY.
Se reproduce casi fielmente una exposición-instalación que Hamilton hizo del vestíbulo de un hotel berlinés en 1988. Hamilton, ya comenzando el último tercio de su vida, vuelve poco a poco a sus intereses de joven, como esa preocupación y fascinación por los interiores. Aquí, reproduce el “hall” de ese hotel, con sus serenos espacios amplios, la recepción, la escalera, los papeles pintados, el suelo de ajedrez y, al fondo, un gran lienzo donde se ve el hotel original que sirvió de modelo.
SITE-REFERENTIAL PAINTINGS.
En la misma sala, unos grandes lienzos de su casa en Oxforshire y de una galería de arte que son, en realidad, fotografías tratadas digitalmente donde los espacios en perspectivas propios del renacimiento son el elemento dominante, algo que conecta también con aquellos estudios de pretecnología que inundaron su obra primigenia, donde la búsqueda de esa perspectiva, el punto de fuga etc. era su primera preocupación. El tratamiento con pigmentos de esta serie busca polarizar la mirada del espectador. No sé muy bien si lo consigue, al menos conmigo y, aunque interesante, es otra de las salas que me menos me han gustado.

13º) IMÁGENES DE PROTESTA.
Como buen artista, Hamilton era combativo y contestatario, como hemos visto anteriormente, y en esta serie denuncia el poder mediático de la televisión y los “mass media”, tomando la imagen de un estudiante gravemente herido por la policía. Doble tiroteo: el real y le mediático, como se ve en el “Retrato de Hugh Gatinskel”, que parece el mismísimo Gorvachov. Otros cuadros irónicos, como Tony Blair vestido de pistolero del salvaje oeste o lienzos de denuncia de la violencia del estado de Israel  y su uso de las armas nucleares.

THE CITIZEN, THE SUBJECT, THE STATE.
Doble estructura: composiciones bipartitas - interesante.
Grandes lienzos como dípticos: un preso del IRA que se asemeja a Jesucristo y que cubrió su celda con su propia caca; un miembro de la orden de Orange desfilando y  un soldado británico caminando desorientado por una calle. Invitaba a la reflexión de la cruda realidad irlandesa a finales de los ochenta.

14º) INTERIORES II Y ÚLTIMOS TRABAJOS.
Llegamos al final de la expo y al final de la vida y obra de Richard Hamilton.
En sus últimos años sigue con esa vuelta a sus raíces y sus primeros amores: el dibujo; la perspectiva, con una serie de fabulosos cuadros de una puerta tras otra puerta tras otra puerta y que tuvo que influenciar al colectivo británico Hipgnosis para las portadas de Pink Floyd de los álbumes “Ummagumma” y la recopilación “Echoes”; y Duchamp (lo homenajea con su estupendo “Descending Nude”, donde dialoga con el gran cuadro de Duchamp “Desnudo bajando una escalera” y que en la expo “Mitos del Pop” de la Thyssen podemos ver un cuadro del propio Duchamp bajando con la cabeza esa escalera, en ironía sobre la gran influencia de Duchamp que asfixiaba al arte de la segunda mitad del siglo XX, cuadro del español Eduardo Arroyo, donde lo “mata” por segunda vez). En fin, una vuelta a sus origines que se resume en su último cuadro, inacabado, “La obra maestra desconocida”, inspirado en un relato de Balzac, donde  pinta, con diferentes técnicas incluyendo las informáticas, a Poussin, Courbet y Ticiano discutiendo antes un desnudo femenino: saquen ustedes sus propias conclusiones, chatos.

“Hacia finales del siglo XIX todos los cuadros eran experiencias directas del mundo. Hay muchas formas de experimentar el mundo pero las formas más importantes hoy día son las secundarias”.


Es recomendable asistir a esta expo una mañana de día de diario, si puede ser, en cuanto abra el museo (las diez de la mañana). Aconsejo ver esta obra de dos veces o tres, sin prisas. No es necesaria realmente la audioguía pero sí muy buena para complementar y lleven prendas de abrigo pues hace frío en las salas.

Yo le doy un  

Refrescospepito escribió:

RICHARD HAMILTON.
Museo Reina Sofía, Madrid.
Hasta el 13 de octubre de 2014.
6 euros (gratis para desempleados).
Audioguía, 3 euros.

Yes, baby, la retrospectiva de Richard Hamilton es la polla que te folla y tan absolutamente amplia y desmesurada que yo tardé tres días (cuatro horas el primer día, tres y el segundo y dos el tercero) en verla.
Y es necesario verla por partes porque la cantidad ingente de obras y las numerosas solas son demasiado para un cerebro humano (si es que las queremos ver y disfrutar todas, claro, con paciencia y tiempo).

1º) PRIMERAS OBRAS. REAPERS, GROWTH AND FROM.
La muestra está dividida en catorce apartados nada menos, ¡gñ!, y empieza con los primeros escarceos del artista inglés en el mundo del arte, influenciado por sus estudios en dibujo técnico y pretecnología. Como su serie "Reaper", sobre catálogos de cosechadoras y segadoras mecánicas, donde ya se aprecia su fascinación por adolescente por el diseño industrial, que marcará buena parte de su carrera.
"Los cubistas habían adoptado la multiplicidad de puntos de vista moviéndose alrededor de loas cosas. Nosotros podemos verlo todo a la vez gracias a la gran matriz visual a la que estamos expuestos: cine, T.V., revistas, cómics..."
"Cualquier cosa que comunique los pensamientos de un artista es una obra de arte. Ni siquiera hace falta que haya sido producida por el propio artista".
Su primera expo que él organiza, "Growth and form", que él mismo comisaria, es en parte artística y en parte científica, y muestra los avances biológicos de la época. Se reproduce casi por entero esta exposición, intentando volver a representar aquella exhibición de los años cincuenta.
"El mundo es como es porque debe de seguir ciertos principios matemáticos. " "El tiempo y la actividad del crecimiento están relacionados".
Hamilton señala la importancia que tenía el estudio científico y de la forma y estructura biológicas para artistas y diseñadores. Esta idea supuso una revolución en el mundo del are de la época. Esto expo es también importante ya que es la primera en combinar pintura, escultura, fotografía, retícula, etc.

Pinturas 1950-54.
Aunque siempre se definió como artista figurativo, Hamiton aceptó que sus primeras obras se enracaban en la abstracción.
Crecimiento orgánico.
Desarrollo formal de la espiral (¿anunciaba al canario Martín Chirino?)k.
El punto de vista.
La perspectiva.
La teoría del tren y los objetos cerca y lejos, al adoptar el punto de vista continuo y movible que le brindaba un medio de locomoción como el tren. El tren como clave en la percepción visual moderna.

2º) MAN, MACHINE, MOTION.

Hamilton como diseñador de estructuras.
Fascinación por el hombre-maquina (anunciaba las teorías del grupo alemán Kraftwerk), por los aparatos que son una extensión del hombre, así como su deslumbramiento por los adelantes técnicos y científicos (los electrodomésticos, los coches...).
En esta exposición, que se reproduce fielmente aquí, y que él organizó, muestra, de manera didáctica, los avances del hombre hasta ese momento y sus esfuerzos por llegar más lejos tanto por tierra, mar, aire y espacio. Se dotó aquella exposición de paneles aéreos que fueron muy comentados en su época y que era la primera vez que se hacía.

En la sala contigua se muestran cuadros en los que mezcla maquinas y cuerpos humanos pero de una manera sensual, como objetos de deseo y de consumo.
La erótica de los coches de aquellos años (década de los cincuenta).
Cuadros en parte "inacabados", donde, por ejemplo, una pin-up, perfectamente pintada, se desparrama sobre un coche apenas a medio dibujar y que anuncia a autores como Boris Vallejo y que está representado en portadas de discos como la del segundo álbum de los Cars, ilustrado por Vargas. "Homage à Chrisyler Corp." (1957), "Hers is a lush" (1958), Pin-Up (1961).

Ya en esta época empieza a fraguarse sus ideas sobre un arte popular (pop-art), que desarrollará unos pocos años más tarde, y que se basa en las siguientes premisas:
popular
transitorio
prescindible
de bajo coste
producido de manera masiva
joven
ingenioso
sexy
efectista
glamuroso
un gran negocio.

También, como hizo con las mujres y los coches, quiso hablar de la masculinidad presentando a los hombres con sus signos de macho-man en la serie Towards a definitive statement...".

Según Hamilton, la sociedad de consumo de los años cincuenta en el mundo occidental fue creada desde las revisas americanas como Life, Time o New Yorker.

En el pasillo que da a la siguiente sala, se "proyecta" una curiosa película de 1969 llamada "Richard Hamilton Documentary" de 9 minutos sobre los trabajos y la manera de hacerlos de Hamilton. Muy recomendable.

La sala 3 está dedicada a la relación profesional y de amistad de Richard Hamilton y Marcel Duchamp, el astro del arte francés de la primera mitad del siglo XX y artífice de todo lo que conocemos hoy como "arte moderno" gracias a su sin par obra "Fuente", firmada con el seudónimo de R. Mutt y fechada en 1917, en el que exhibió un urinario vertical auténtico de un baño público de París. Tan solo desancló el urinario de su enclave original, lo firmó, lo fechó, y lo colocó en la sala de arte. El mensaje era "cualquier cosa que el artista diga que es arte, arte es" e inauguró la idea de que cualquier objeto cotidiano sacado de su "hábitat" natural puede ser considerado como arte.



Marcel Duchamp también fue el que tuvo la "osadía" de pintar un bigote en una reproducción de la célebre Gioconda o Mona Lisa de Leonardo da Vinci.

En esta sala se ve la pasión que Hamilton tenía por los trabajos del que él llamaba maestro y la buena amistad que tenían.
Se exhiben los planos y los trabajos que llevó a cabo Hamilton para copiar la obra de Duchamp "La Mariée mise à nu par ses célibataires, même" (La novia desnuda por sus pretendientes, incluso) al que se conoce como "Le grand Verre" (El gran vídrio), con motivo de una restrospectiva que sobre el artista francés Hamilton quería hacer en Londres. La obra era muy delicada y no podía viajar desde Nueva York, y Hamilton pasó dos años copiando punto por punto esta pieza para ser representada en la exposición londinense.

Es muy interesante, y primordial, ver el documental de una hora, que se exhibe en esta misma sala, y que trata sobre la relación de Hamilton-Duchamp, con el propio Hamilton hablando de su maestro y de cómo realizó la copia de "El gran Vídrio".

4. THIS IS TOMORROW. (1956).

Una exhibición colectiva sobre los nuevos modos de la sociedad moderna. Se invitó a Hamilton a realizar el cartel anunciador y el catálogo de la restrospectiva y para ello, el artista creó lo que es su obra más famosa y la que inauguró lo que conocemos como Pop-Art: "Just What makes today's home so different, so appealing?" (¿Qué es exactamente lo que hace que los hogares de hoy en día sean tan diferentes, tan atractivos?).



Se da la extraordinaria oportunidad (y, quizás, once in a lifetime) de que esta obra se puede ver en dos exposiciones distintas aquí en Madrid: la que nos ocupa y la exhibición dedicada a la historia del pop-art que se puede ver estos días en el museo Thyssen. La del Thyssen es una copia realizada por el propio Hamilton, pero la del Reina Sofía es la de verdad, la que realizó el propio artista. Se acompaña también el póster original de la muestra y el catálogo de la misma.
Bueno, un privilegio.

Se reproduce en esta sala la instalación que el propio artista, junto con otros colaboradores, realizó para esta expo de This is Tomorrow. Es una reproducción casi exacta realizada en 1987 y que copia el juke-box original y la especie de máquina del tiempo que realizó Hamilton para esta expo.

Richard Hamilton tuvo que esperar a que el pop art triunfara en Estados Unidos para que sus ideas de mezclar el arte con la popular fueran aceptados (creo que ya es hora de hacer lo contrario , y ahí va una de mis grandes ideas: ¿Es el are para todo el mundo? ¡NO! El arte es para el que lo trabaja, tanto para el artista como para el que lo aprecia con sentido y sensibilidad y desde el conocimiento).

5º) PEOPLE.

Richard Hamilton también le dio a la fotografía.
Experimentó con las modernas máquinas de entonces, dedicándose a sacar escenas cotidianas de la gente normal y, luego, ampliaba la instantánea hasta el infinito, hasta que esta foto deja de transmitir un mensaje preciso al espectador, como se ve en su serie "People multiple", de 1968 o en  “Bathers”, 1967 o eln “Trafalgar Sq.”, 1965-67.

6º) SWINGEING LONDON.
La maravillosa serie que Hamilton hizo del Swinging London llamada “Swingeing London 67”, “Londres Severo 1967”, en un juego de palabras con “Swinging London”, “Londres Excitante”, como se conocía a la capital inglesa a mediados de los sesenta.
Esta serie de fotografías con diferentes tratamientos se basa en una instantánea de un periódico hablando sobre la dura sentencia que Mick Jagger y el galerista Robert Fraser, amigo tanto de Jagger como de Hamilton, tuvieron por posesión de drogas (marihuana y heroína) en una fiesta en casa de Keith Richards en 1967. Jagger estuvo unos días en la cárcel y luego salió liberado, tras pagar una buena suma, en parte por la presión mediática y los fans. Los Rolling luego sacarían su single “We love you/Dandelion” (single que, por cierto, yo tengo) para agradecer a los fans su apoyo. Esto también se ve en el documental del que he hablado antes. El galerista Robert Fraser, imputado junto con Jagger, no tuvo tanta suerte. Era un próspero marchante amigo de los Beatles y de los Rolling, que dio la idea a Lennon del logo de Apple Records, acogió en su galería la exposición de Lennon “You are here” y fue el que sugirió el nombre del propio Hamilton para el diseño del Doble Álbum (eso lo veremos más tarde). Fraser tuvo que pasar varios meses en la cárcel y, tras su excarcelación, tuvo una depresión, cerró su galería y aumentó el consumo de heroína. Pasó la década de los setenta en La India y, eventualmente, se recuperó y volvió a Londres en los ochenta y abrió una segunda galería. Sin embargo, sus problemas con las drogas y el alcohol volvieron y tuvo que volver a cerrar su galería pues se arruinó. Murió enfermo de Sida en 1986 , solo, sin amigos y sin un duro.

https://www.youtube.com/watch?v=klTw94kTstg

INTERIORES.
Perteneciente también a la sala 6 tenemos los Interiores I y II, itnersesantísmos cuadros donde los más importante es su concepto de interiora, que es como un museo (el espejo de “Interior I”, conde se pueden “asomar” otras obra sy formar  parte del propio cuadro. Y todo a partir de un fotograma de la película de Douglas Sirk “Más fuerta que la ley” (1949) y con una fuerte influencia de “Las Meninas”.

“I dreaming of a White Christmas”, 1967 y su inversión del color. Hamilton tuvo la idea de coger un fotograma de la famosa película protagonizada por Bing Crosby, ampliarla y volverla en negativo, con lo que Bing aparece como si fuera un alter ego infernal de una hipotética Black Christmas.
La estupenda serie sobre Marylin donde es “la propia acriz” quien prporiona el materal al artista, dado que se basa en fotografías  que ella misma desechó añadiéndole una “X” sobre cada instantánea que no le gustaba.

7º) AN EXHIBIT, 1967.
Una expo de Hamilton junto con Victor Pasmore y Lawrence Alloway en base a paneles de metacrilato aéreos y el suelo de varios colores, como imitando a Mondrian.
Las formas abstractas favorecían que el público no se centrara en el contenido icónico o temático, sino en la estructura que sustentaban las piezas.

8º) POLAROIDS.
Las “polas” (ahora se llaman así) fueron descubiertas a Hamilton por medio de su amigo Roy Lichtesntein en 1968 y, viendo tan fascinante aparato, decidió que toda persona que se encontrara le hiciera una foto en Polaroid. Esta práctica duró el resto de la vida del artista y en esta estupenda selección podemos encontrar “polas” que le hicieron Henri Cartier-Bresson, Gilbert & George, Yoko Ono, Lennon, Peter Blake, Ian Dury y hasta el mismo Ferrán Adriá.

9º) FASHION PLATE (COSMETIC STUDY).
Los figurines de moda también interesaron a Richard Hamilton y esta es una serie de cuadros en base a unas fotografías de modelos. Lo notable es que Hamilton “borra” con pintura blanca partes de la anotomía de las modelos para hacer una crítica a cómo se trata de manera humanizada a estas mujeres. Es también de hacer notar que en estos cuadros-collage, Hamilton incluye también los modos de la sesión de fotos de las modelos, esto es, las cámaras fotográficas, los focos, etc.
Esta serie de cuadros me recuerda a aquel disco de los Go-Go’s, “The beauty and the beat” (1981), de los cuales estas chicas recogieron influencias para la cubierta del disco.

PORTRAITS/SELF PORTRAITS.
Perteneciente a la misma sala pero en otra parte se exhiben unos grande cuadros en base a fotografías del mismo Hamilton que hizo a la manera de un artista que él admiraba, Francis Bacon. Imita los brochazos de Bacon usando la fotocomposición, adelantándose así a lo que hoy conocemos como “apropiación”.
Fotos sobre Bacon en 3D fascinantes. “Polindrome, 73”.

10º) GUGGENHEIM, 1965-69.
Acojonante su serie sobre el Guggen neoyorquino (¡yo estuve!), especialmente la premiera de las piezas. Se trata de una serie de grandes cuadros de técnica mixta donde representa el edificio del Guggen en relieve y los llena de colores industriales. Con esto quiere hacer una crítica sobre el trabajo seriado de los artistas pop. De nuevo se inspira en representaciones del objeo mediante los planos de Frank Lloyd Wright.

PRODUCTOS.
En la misma sala pero en otro apartado. Aquí se habla de la fascinación que Hamilton siempre sintió por el diseño industrial, especialmente el de los electrodomésticos diseñados por Dieter Rams para la marca alemana Braun. Una serie de cuadros de elegantes máquinas de línea blanca donde sustituye la palabra Braun por su propio apellido, Hamilton, a modo de marca. También, varios objetos como un cenicero o un póster donde su nombre, Richard, sustituye a la bebida pastis francés Ricard.  También admiraba los folletos explicativos que venían con los aparato. Llegó a diseñar su propio electrodoméstico con prospecto y todo. Se trataba de una especie de cepillo de dientes eléctrico al que sustituye las cerdas por una dentadura postiza y al que llamó “The Critic Lughs”.
En la misma sala se incluye el diseño original de la fabulosa portada del Doble Blanco de los Beatles junto con el collage original que luego sirvió de póster para el interior del álbum. La emoción que me produjo ver esta maravilla en vivo y en directo es tan fuerte que no tengo palabras para describirla.

11º) SHIT & FLOWERS.
Llegamos a la parte menos interesante y más vulgar de la exposición y, quizás, de la ingente producción de este artista. “Shit & flowers” trata de una serie de obras de diferentes técnicas que trata de unir lo bello y bucólico con la mierda, vamos, pero en sentido literal: CACA. Esto es, una serie de cuadros donde, en un paraje de ensueño, dos chicas vestidas a la usanza de señoritas pudientes del siglo XIX están… cagando. Conceptualmente, mis pocas entendederas de tipo preocupado por ir a exposiciones y que paga su entrada no pueden con esto y no sé para lo que sirve ni que quería Hamilton demostrar con esta mierda (en todos los sentidos).  Se supone que era un nuevo homenaje a Duchamp, por aquello de trabajar con contrarios, pero aquí Hamilton se pasa de listo y no acierta. Es irónico, quiero creer que hecho a propósito, que justo aquí estén los cuartos de baño del museo. Nada más ver esta mierda, hala, a cagar. (Perdonen mi lenguaje obsceno, tan impropio de un caballero canario de los años ochenta como yo).

12º) LOBBY.
Se reproduce casi fielmente una exposición-instalación que Hamilton hizo del vestíbulo de un hotel berlinés en 1988. Hamilton, ya comenzando el último tercio de su vida, vuelve poco a poco a sus intereses de joven, como esa preocupación y fascinación por los interiores. Aquí, reproduce el “hall” de ese hotel, con sus serenos espacios amplios, la recepción, la escalera, los papeles pintados, el suelo de ajedrez y, al fondo, un gran lienzo donde se ve el hotel original que sirvió de modelo.
SITE-REFERENTIAL PAINTINGS.
En la misma sala, unos grandes lienzos de su casa en Oxforshire y de una galería de arte que son, en realidad, fotografías tratadas digitalmente donde los espacios en perspectivas propios del renacimiento son el elemento dominante, algo que conecta también con aquellos estudios de pretecnología que inundaron su obra primigenia, donde la búsqueda de esa perspectiva, el punto de fuga etc. era su primera preocupación. El tratamiento con pigmentos de esta serie busca polarizar la mirada del espectador. No sé muy bien si lo consigue, al menos conmigo y, aunque interesante, es otra de las salas que me menos me han gustado.

13º) IMÁGENES DE PROTESTA.
Como buen artista, Hamilton era combativo y contestatario, como hemos visto anteriormente, y en esta serie denuncia el poder mediático de la televisión y los “mass media”, tomando la imagen de un estudiante gravemente herido por la policía. Doble tiroteo: el real y le mediático, como se ve en el “Retrato de Hugh Gatinskel”, que parece el mismísimo Gorvachov. Otros cuadros irónicos, como Tony Blair vestido de pistolero del salvaje oeste o lienzos de denuncia de la violencia del estado de Israel  y su uso de las armas nucleares.

THE CITIZEN, THE SUBJECT, THE STATE.
Doble estructura: composiciones bipartitas - interesante.
Grandes lienzos como dípticos: un preso del IRA que se asemeja a Jesucristo y que cubrió su celda con su propia caca; un miembro de la orden de Orange desfilando y  un soldado británico caminando desorientado por una calle. Invitaba a la reflexión de la cruda realidad irlandesa a finales de los ochenta.

14º) INTERIORES II Y ÚLTIMOS TRABAJOS.
Llegamos al final de la expo y al final de la vida y obra de Richard Hamilton.
En sus últimos años sigue con esa vuelta a sus raíces y sus primeros amores: el dibujo; la perspectiva, con una serie de fabulosos cuadros de una puerta tras otra puerta tras otra puerta y que tuvo que influenciar al colectivo británico Hipgnosis para las portadas de Pink Floyd de los álbumes “Ummagumma” y la recopilación “Echoes”; y Duchamp (lo homenajea con su estupendo “Descending Nude”, donde dialoga con el gran cuadro de Duchamp “Desnudo bajando una escalera” y que en la expo “Mitos del Pop” de la Thyssen podemos ver un cuadro del propio Duchamp bajando con la cabeza esa escalera, en ironía sobre la gran influencia de Duchamp que asfixiaba al arte de la segunda mitad del siglo XX, cuadro del español Eduardo Arroyo, donde lo “mata” por segunda vez). En fin, una vuelta a sus origines que se resume en su último cuadro, inacabado, “La obra maestra desconocida”, inspirado en un relato de Balzac, donde  pinta, con diferentes técnicas incluyendo las informáticas, a Poussin, Courbet y Ticiano discutiendo antes un desnudo femenino: saquen ustedes sus propias conclusiones, chatos.

“Hacia finales del siglo XIX todos los cuadros eran experiencias directas del mundo. Hay muchas formas de experimentar el mundo pero las formas más importantes hoy día son las secundarias”.


Es recomendable asistir a esta expo una mañana de día de diario, si puede ser, en cuanto abra el museo (las diez de la mañana). Aconsejo ver esta obra de dos veces o tres, sin prisas. No es necesaria realmente la audioguía pero sí muy buena para complementar y lleven prendas de abrigo pues hace frío en las salas.

Yo le doy un  

Joooooder, vaya curro te has pegado tío. Como sabes, este tipo de arte no es lo mío, pero eso no quita que le dedique su tiempo, al igua que he hecho con tu extraordinaria reseña a la que, sin ambages, también le otorgo un  

Muchas gracias, Zas, primo, qué haría yo sin tus ánimos, que esto está más desierto que el pub barroco de Moncho borrajo.
La verdad es que me mola hacer estas reseñas a pesar del poco "feedback" que hay, pero yo lo hago con placer.

Por cierto, pronto vendrá la reseña de la expo de la revista Ajoblanco, que eso sí que es la polla.