El megapost de Rem

watts escribió:Ah, y de los acústicos salvo por tres cuerpos el 'You Are Everything'. Impresionante

Impresionante manera de cantar. Non-stop. Me chiflan los temazos sin estribillo.

watts escribió:

SAL PARADISE escribió:Moltisanti, mira que eres tontolaba. Si no te quisiera tanto, te partiría las piernas. Pero como eres mi amigo, me jodo, así son las cosas.



Empecemos. Tras mis discos en teoría favoritos, Murmur, Reckoning, Fables y Life, en los que consiguieron aunar de manera brillante y sin complejos la tradición folk americana, sonidos de guitarras Byrds con influencia pop (sí, inglesa) y después de Document, álbum en el que amagaban con éxito, editan Green, obra definitiva y guía de lo que sería su carrera en los 90. Nos encontramos de todo, brillante pop, rock, folk, psicodelia, pero todo producido de una manera homogénea, sin fisuras. Un disco completo, en el que nada desentona, nada está fuera de sitio.
Pop Song 89 sorprende por su punteo inicial que acompaña al resto del tema y al tratamiento circular de la canción , con un estribillo brillante "Should we talk about the weather, Should we talk about the Goberment". Recordemos la situación política de América (expresado en el estilo Kerouak, que en cierta manera, me corresponde y no desentona aquí) en esos momentos.
Get Up. ¿se puede ser más brillante a la hora de fabricar un hit single? Riff crudo, que lo era más en directo, melodía perfecta, coros en su sitio (Mills, como siempre). Perfecto.
You Are the Everything. Conecta el pasado folk con sus temas futuros más pausados. Representa la tradición americana, con tratamiento REM, sin ningún tipo de percusión, en un grupo 100% americano pero que se abre cada vez más a la comercialidad bien entendida, que entra en una "major", que escapa de las radios universitarias americanas, que entra en los charts generalistas, pero que no rompe con sus raices.
Stand. Que os jodan, vamos a ser muy comerciales, vamos a entrar en liistas pero lo vamos a hacer con estilo. Y, además, pretendemos, sin éxito, evidentemente, haceros pensar. Enseña el camino a Shiny Happy People y rompe en cierta forma con la intelectualidad de las radios universitarias. Están en una “major” y hay que hacerlo con clase. Cómo romper con el pasado, hacer pop descarado y hacerlo bien.
World Leader Pretend. Uno de los momentos álgidos en la carrera de REM. Esas guitarras que abren el tema te acercan a la tradición folk rock americana, lo puedes oler, sientes el cálido viento americano en tu cara. Y tenemos al Stipe más contenido que nunca, sin histrionismos. Habla, recita, con serenidad. La letra. Siempre te queda la duda si alberga sinceridad o el más crudo cinismo.
“This is my mistake. Let me make it good
I raised the wall and I will be the one to knock it down”

The Wrong Child. Similar tratamiento instrumental al de You are the Everything. Deberían haber incluido más matices en este tema para hacerlo menos lineal. En cualquier caso, un buen tema, muy bien interpretado, con excelentes guitarras y cuerdas y con letra sincera y sobrecogedora.
Orange Crush. Tema de referencia en la carrera de REM. Increíble Buck con su guitarra, desgarradora, no hace falta ser un “corremástiles” para ser brillante. Stipe cantando con una mala hostia inédita hasta ese momento, mensajes 60s; no, no hablan de zumitos de naranja, precisamente. Una de mis canciones favoritas de REM. Como conjugar serenidad con desgarro.

Turn you Inside Out. Con clara influencia psicodélica, no la única en el álbum, la guitarra de Buck se convierte en algo ácido y corrosivo por primera vez. Atacan el género sin ortodoxia, por supuesto, aquí todo pasa por el tamiz REM. Estupendas melodías, coros excelentes, pero con las guitarras adueñándose de todo, con la dificultad que entraña tener a Stipe como contrincante. Con esta canción, REM se adentran en terrenos que en alguna ocasión habían incurrido en los años IRS pero sin tanta intensidad, sin tanta emoción. Tema de referencia tanto en Green como en sus directos.
Hairshirt. Probablemente, la mejor interpretación de Stipe en Green. Se rompe, se desgarra. Veo sinceridad y desnudez. Instrumentalmente, sigue la senda marcada por You are the everything y Wrong Child, pero aquí la diferencia la marca el sentimiento descarnado de Michael Stipe.
I Remember California. Imposible comentar este tema sin tener en cuenta que estuve ese año escuchando compulsivamente REM y Doors sin parar; viernes, sábados y domingos con estupendas resacas, con las únicas excepciones de Toys in the Attic, Berlin y los primeros discos de Bowie (sí, su época de Davy Jones & the Lower Third…ese maravilloso “Can´t help thinking about me”) . Psicodelia como nunca la habían atacado, la percusión marcando con fortaleza el tempo de la canción, de nuevo Stipe contenido y Buck brillando como nunca. Letras encriptadas…
I remember traffic jams
Motor boys and girls with tans
Nearly was and almost rans
I remember this
History is made
History is made to seem unfair

… para uno los temas más maravillosos, oscuros y probablemente, menos valorados en su justa medida de REM.

“11”. Y para acabar, pop. Pero pop con mayúsculas. Pop que podría reescribir Tweedy en su próximo maravilloso disco.


Siento haber hecho esta reseña más desde el sentimiento que desde la objetividad. Es uno de los discos de mi vida, aunque los anteriores me parezcan mejores. El otro día le comentaba a un amigo, Aitor “The Mod”, mientras tomábamos un aperitivo antes de comer en mi casa, que tenía que hacer en el foro una reseña de un disco de REM. Me dijo, “seguro que es Green”. Le miré y me reí. No respondí, es mi amigo y me conoce. Bebí un trago de vino y me concentré en A.A. Bondy.

Por supuesto, Green es un discazo como la copa de un pino. Va un paso más allá que 'Document' recogiendo muchas de las ideas allí incluídas y lanzándolas un paso más allá. Es aquí donde empieza el baile de instrumentos y REM enriquecen su sonido con mandolinas, pianos, órganos y demás. Los temas acústicos no me acaban de convencer del todo, demasiado oscuros. En contraposición con esa alegría que desprenden los temas eléctricos como 'Get Up' o la indefinida 'Stand'. Me flipa 'Turn You Inside Out' pero 'World Leader Pretend' es, junto a 'So. Central Rain', posiblemente mi favorita de R.E.M. Y sí, como siempre se comenta por ahí, siempre pienso en la silla de Stipe en el video en directo de la gira. Stipe, por cierto, apuntaba ya muy arriba como showman, muy alejado de esos primeros tiempos donde no se movía mucho del pie del micro. Por cierto, circula por youtube unos videos de esos tiempos y creo que Eddie Vedder también los ha visto...

Ah, el tema que cierra el disco podría ser el mejor tema oculto de la historia...

Pues a mi me pasa lo contrario,son los temas acusticos o los mas desnudos de instrumentación los que me fascinan!! en cualquier caso en las dos vertientes este disco es mayusculo!!..

Gracias Sal.

Moltisanti escribió:Gracias Sal.

Se acerca tu momento!! Molti..

led zepp escribió:

Moltisanti escribió:Gracias Sal.

Se acerca tu momento!! Molti..

Pido esta semana entera para escuchar el disco reposadamente una vez más antes de escribir.

¿Ves Sal? Se hace así.

Bravo Sal, completamente de acuerdo con tu comentario del disco...

Moltisanti escribió:

led zepp escribió:

Moltisanti escribió:Gracias Sal.

Se acerca tu momento!! Molti..

Pido esta semana entera para escuchar el disco reposadamente una vez más antes de escribir.

¿Ves Sal? Se hace así.

Perfecto!! Molti,que disfrutes con las escuchas yo tambien lo escucharé..

Yo no comento mucho porque este mes voy hasta el bigote de curro. Y porque todo lo que diga Sal va a misa, claro. Hay que respetar a los mayores

"Green" es mayúsculo. Un discazo.

DarthMercury escribió:Yo no comento mucho porque este mes voy hasta el bigote de curro. Y porque todo lo que diga Sal va a misa, claro. Hay que respetar a los mayores

Pero si quieres aportar algun comentario,será bienvenido..

Moltisanti escribió:"Green" es mayúsculo. Un discazo.

Yo lo pondría en un top 3..

led zepp escribió:

DarthMercury escribió:Yo no comento mucho porque este mes voy hasta el bigote de curro. Y porque todo lo que diga Sal va a misa, claro. Hay que respetar a los mayores

Pero si quieres aportar algun comentario,será bienvenido..

Es difícil cuando hay tanto megafan. Yo pillé Document y Green a la vez, justo antes de que estallara la fiebre REM y me parecieron dos discazos magníficos. Aunque Green está como más dividido en dos (entre temas más folkies y más ¿eléctricos?), mientras que Document era un todo más homogeneo. Pero brillantes ambos. Aunque me daba cierto reparo reconocerlo ante mis amigos peludos

PD: Falta decir que Stand forma parte de la vida sentimental de los fanes de la serie Get A Life entre los que me encuentro.

DarthMercury escribió:

led zepp escribió:

DarthMercury escribió:Yo no comento mucho porque este mes voy hasta el bigote de curro. Y porque todo lo que diga Sal va a misa, claro. Hay que respetar a los mayores

Pero si quieres aportar algun comentario,será bienvenido..

Es difícil cuando hay tanto megafan. Yo pillé Document y Green a la vez, justo antes de que estallara la fiebre REM y me parecieron dos discazos magníficos. Aunque Green está como más dividido en dos, mientras que Document era un todo más homogeneo. Pero brillantes ambos. Aunque me daba cierto reparo reconocerlo ante mis amigos peludos

Que vá todos en mayor o menor medida somos fans,y eso es lo que cuenta..

Ya he comenzado.
El miércoles la acabo.

Moltisanti escribió:Ya he comenzado.
El miércoles la acabo.

Esto promete Molti!!!..

ya sabeis que el Pais Vasco, habia una especie de Bachiderato a caballo entre B.U.P y F.P, que se llamaba R.E.M (reforma de enseñanza media), y que accedia con septimo de E.G.B aprobado, sin necesidad de tener el graduado escolar...

VIGURI escribió:ya sabeis que el Pais Vasco, habia una especie de Bachiderato a caballo entre B.U.P y F.P, que se llamaba R.E.M (reforma de enseñanza media), y que accedia con septimo de E.G.B aprobado, sin necesidad de tener el graduado escolar...

Rem(Rapid Eyes Moviment)..

Siempre he pensado mucho en dos conceptos dentro del rock que gozaron de una importancia capital en los tiempos en que aprendí a amarlo:
1. Cómo empezar un disco; y
2. Los singles

Si hay algo de lo que puede presumir “Out of time” de R.E.M., es de tener ambas cosas cubiertas de forma soberbia, magnánima.
Siempre me gustó mucho “Radio Song”, incluida la parte rap con ese “feat. FRS-One”. Lo tiene todo para empezar: un arpegio mítico, una línea vocal épica, un desarrollo funk pop fluido, perspicaz, con un puente donde empiezan a surgir los fraseos del rapero, desembocando en el estribillo que antes fue la intro. Violines, suenan violines, en una canción que tiene una de las líneas de bajo más claras y divertidas de estos primeros 90, tan llenos de gozo, de barbaridades musicales ya en forma de CD. ¿Trompetas? Es igual, el dominio del terreno “single” es absoluto. Sería absurdo ponerle pegas a una canción así. Siempre la adoré, cuando a muchos les parecía previsible empezar un programa de radio de pop 90’s con este tema. ¿Se os ocurre otro mejor?

Termina el rapero con su monserga y empezamos a hablar en serio, con esos dos golpes de caja y el riff de mandolina más famoso de la historia. Tema polémico este porque a la Iglesia (no sé identificar ahora mismo cuál) siempre le pican las cosas más absurdas, como otro gran tema de este, acaso el gran año de la música rock, pero en cualquier caso excepcional 1991, “Jesus Christ Pose” de Soundgarden. Un día es la Iglesia, al día siguiente la MTV. Desarrollo perfecto, una banda en su mejor momento, escribiendo la historia, grabando canciones de clara vocación comercial sin perder credibilidad, como esta joya que marcó mis primeras tardes de discoteca, las escapadas furtivas, los primeros besos con sabor a cigarrillo y a Martini, los primeros encierros serios con el hachís, los amores que rompimos antes de estrenar. “That was just a dream”. Y sí, ese soy yo en el rincón, perdiendo parte de la inocencia.

El 19 de febrero de 1991 aparecía en las radios de todo el mundo el sencillo “Losing my religion”. Recuerdo, Stipe sostiene que su carrera se divide en “antes de Losing My Religion y después de Losing My Religion”. Antes de esa canción, R.E.M. era una banda de culto de amplio seguimiento, “girando diez meses al año. Con respecto al éxito”, en palabras del propio Stipe, “aun se nos consideraba en una liga menor. Después, tuvimos hit singles, discos de platino, estábamos en todas las portadas de cualquier clase de revista, y, al menos durante un par de años, fuimos una de las bandas más grandes del mundo”. Pero Stipe no era de la clase de músicos que se autoengañan. “Todo lo cual es irrelevante”, afirma, “y cuando pienso en ‘Losing My Religion’, pienso sobre el proceso de composición y grabación, y fue como un sueño alcanzado sin esfuerzo. La música la escribimos en cinco minutos; la primera vez que la tocamos, todo encajó perfectamente”. La letra de Michael estaba terminada en una hora, y mientras tocaban la canción por tercera o cuarta vez, se encontraron con un encaje perfecto. Así, “Losing my religion” se convierte en una especie de arquetipo de canción que se encontraba flotando en el espacio y que ellos fueron capaces de echarle el lazo. “Si toda la escritura de canciones fuese tan fácil…”

En aquella época las radios ponían a todas horas “The show must go on” de Queen y “Should I Stay or Should I Go” de The Clash, una single que había sido relanzado (ya tenía casi una década de vida) aprovechando la salida de un recopilatorio y un anuncio de vaqueros. Y junto a Queen y The Clash, R.E.M. aparecían con una firmeza desconocida en ellos, acaparándolo todo, incluso la polémica. Como decía, el video de “Losing my religion” cabreó a la Iglesia Católica, por reflejar “dudas” en la letra de la canción y sus correspondientes imágenes. Pero no había nada mayor escándalo que el de los fans que se sintieron decepcionados al ver cómo R.E.M. trascendían su audiencia original de aficionados a las radios universitarias. Preguntado sobre si la nueva trascendencia adquirida podía alienar a sus fans más antiguos, Peter Buck le dijo a Rolling Stone que “la gente que cambió de idea por ‘Losing My Religion’ pueden simplemente besarme el culo”.

Nunca me gustó demasiado “Low”. Evidentemente, debido a mi falta de formación en música psicodélica y sin duda marcado por un inicio de disco tan accesible y melódico, hasta la “ruptura” del estribillo, si cabe llamarse así, ese arpegio y ese hammond y esa voz grave de Stipe narrando una de sus historias oníricas con el punto críptico tan característico de él, era una invitación a la mueca de disgusto para los neófitos. Aun me faltaba por descubrir muchas cosas de la música en general y de ellos en particular, pero aquel tema no era fácil. Lo escucho hoy y por lo menos lo entiendo, pero sin duda es una forma de romper un camino que llevaba camino de ser ¿empalagoso? Para mi, la palabra sería memorable, histórico, de obra maestra incontestable. Como canción, “Low” podrá ser muchas cosas, pero nunca incontestable. Es rara y difusa, y en el contexto de la banda funciona, pero en el contexto del disco no.

Pronto encontraba el gozo de nuevo con esa gema llamada “Near Wild Heaven”. El asunto, mi asunto con REM, era esa mezcla agridulce de su característico optimismo pop new wave y el tono melancólico de sus líneas vocales y de sus arpegios. El cielo se abre en sus estribillos, se me ocurren pocos grupos que tengan mejores coros en sus canciones, pero de pronto un nuevo verso te pone la nube negra encima, y lo más criminal del asunto es que la disfrutas como un puerco. Ese tono nasal, Stipe, ese tono nasal marcó nuestra vida, porque también eras capaz de darnos la alegría. Demonios, quién puede no pensar en series juveniles, en series con nombre de cinco cifras, cuando escucha esta canción o alguna otra. Sí, años después sabríamos que a las dulces y risueñas protagonistas de esas series se las había pasado por la piedra Don Vince Neil, y años después también sabríamos quién era Jeffrey Lee Pierce y algunos amigos se quedaron en el camino o incluso caminaron en el wild side, pero si has nacido en 1976 y te gusta “Out of time”, sabes quién cojones era Dylan McKey. O si no, te lo inventas.

El instrumental “Endgame” siempre me pareció fabuloso. A día de hoy, me parece una de las piezas más necesarias para comprender por qué este disco es una obra magna de su tiempo. Todo lo que incluye está dentro de mis parámetros de grandilocuencia, desde los coros (“parararara…”) a los arpegios de acústicas, el tono de música medieval, los instrumentos de viento y cuerda cabalgando libres por el bosque, y una nueva ruptura para repetir el pequeño punteo/arpegio de acústica, ahora con un cambio hacia un puente nuevamente celestial, con Stipe creciendo simplemente haciendo un gorgorito. Magistral. Sublime. Supongo que aquello no le gustaba a nadie pero menos mal que en poco tiempo llegaría el “Loaded” y el homónimo de la Velvet para hacerme comprender por qué gozaba tanto con canciones como esta. Extrañamente, tardaría años en tener y adorar “The Village Green Preservation Society” de los Kinks, pero años después, cuando lo miro todo en perspectiva, encaja, joder, encaja del todo. Cómo me gusta el pop.

¿Alguien ha dicho pop? En fin, “Shiny Happy People”. La MAESTRÍA. La CADENCIA. La CONSTRUCCIÓN PERFECTA. Estado de gracia. Encantado de conocerte Kate Pierson, no tenía el placer. Esta canción es un manual en sí misma. Un manual de cómo encajar partes (intro, versos, puentes, estribillos, pasajes instrumentales), de cómo hacer coros, de cómo tocar la guitarra eléctrica y hacer de un arpegio un riff que haga historia, un manual de cómo acelerar y bajar el ritmo… maravillosa. Sigue sonando a día de hoy, aun radiada hasta la saciedad, sobada hasta el vómito… da igual. Es GLORIOSA. Ante algo como esto, sólo se puede dar las gracias a los creadores, porque, demonios, esto es ARTE EN 3 MINUTOS.

Nuevamente, “Belong” era una tocada de pelotas para mí. El tono ochentero y new wave era lo que no entendía. A día de hoy, le cojo el punto antes, pero por mera acumulación de experiencias auditivas, no porque la considere a la altura de sus compañeras de disco, o siquiera a la altura de su propio legado. Simplemente, como canción “no explotada” de un disco sobreexpuesto, merece el parabién por su mera estructura, de versos hablados sobre un nuevo arpegio construido con sabiduría, un estribillo épico a base de coros y un bajo (como siempre en este grupo) sostenido sensacional. La canción ha ganado con el tiempo, claramente. Se ha ganado, quizás, un estatus nuevo, en el contexto de lo desconocido dentro de un disco demasiado conocido, aunque merecidamente famoso y vendedor. En un año de grandes bombazos, el disco sale a la venta el 12 de marzo de 1991 y a día de hoy, recordemos, ha vendido más de 15 millones de copias en todo el mundo, 4 millones en los USA. No está mal para una banda de pueblo universitario. Al poco de salir a la venta quedó claro que había trascendido los límites de ser un simple disco de rock alternativo, y aunque la banda declinó girar para promocionarlo, sí visitó estaciones de radio, dio numerosas entrevistas e hizo apariciones en la MTV para presentarlo.

“Half a world away”, en fin. Otra maravilla a base de acústica y mandolina, básicamente folk, un 3 por 4 bellísimo. Qué curioso escucharlo hoy y pensar que quizás haya tenido siempre esta canción en la cabeza para componer según qué cosas… pero no, no colaré más promoción en el texto, que se me ve el plumero. Preciosa, algo triste, magníficamente llevada con el mismo golpe de acústica todo el rato y sin embargo logrando crecer en el estribillo y alcanzar sin problemas esa épica típicamente R.E.M. que en Out of Time alcanza, a mi entender, su mayor momento de gloria. Esta canción es un monumento.

No se reinventaban como U2 con Achtung Baby, pero eran la banda de culto en todo el planeta, y en 1992 se llevaron el Grammy al Mejor Álbum de Música Alternativa por Out of time y al Mejor Single del Año por “Losing my religion”. Que no son dos gramos cualquiera.
“Texarkana” nos devolvía a los REM del 83, una canción que era puro Murmur, conservando intacto el vitalismo, el rodaje de canción de carretera y de pub, algo que a día de hoy no puedo comparar con ninguna otra banda. No, no se me ocurre ninguna otra banda de pop rock con esa capacidad de escribir una canción que funcione igual en un club, en un coche, para bailar, en un estadio… que guste igual a mujeres y hombres… no sé, hay muchas cosas de R.E.M. que me surgen re escuchando esta maravilla llamada Out of Time. Y una de ellas es el convencimiento de que estamos ante el grupo total, como los Beatles lo fueron en su día. Con una capacidad y un impulso fuera de lo común. Enérgicos, vitalistas, melancólicos, positivos, rotundos, épicos… aquí, “Texarkana” es sólo un ejemplo, quizás modesto, pero para mi brutal a nivel genérico, porque los define en un momento muy concreto donde las luces de la historia del rock les apuntaban directamente a los ojos.

“Country Feedback”, rural, parca, aparentemente mal ensamblada, desliza mil detalles desde una oscuridad que no había aparecido en todo el disco. Podría ser un descarte, nunca un single, pero a esa altura el disco ya no tenía tacha posible. Y más cuando abren el estribillo una vez más, repitiéndolo, con un solo de guitarra disonante por detrás de un lánguido Stipe, escupiendo barbaridades. Ese momento introspectivo de R.E.M. donde desnudan todas sus inseguridades y sus maldiciones está aquí, y en su segunda estrofa ya no puedes dejar de fijarte en cómo está fluyendo todo, desde una épica deformada, lacónica, difícil de asumir. Imperceptible percusión, bajo, acústica suelta, solo velvetiano, y un hammond de fondo. De manual. Cojonuda.

El disco acaba con “Me in Honey”, un tema de pop directo, recio, ligerísimamente psicodélico, que amenaza con no explotar gracias a una estrofa que es un hallazgo, otro más. Estribillo al servicio de la estrofa, repitiendo estructura, hasta el coro final de Kate Pierson, que nos trae a la mente todo lo bueno que han dejado atrás en los surcos de un álbum perfecto.

Termina un disco capaz de marcar vidas.

Menuda chapa. Lo siento. Hoy me han asaltado los recuerdos.

Mi mas sincera enhorabuena Molti espectacular reseña!!!..

ESPECTACULAR RESEÑA MOLTI!!!!!!

un album con temas como la perfecta losing my religion (éxito merecidísimo), texarkana, half a world away o near wild heaven no puede ser considerado menos que un discazo.

(a shiny happy people la he acabado pillando manía, para mi gusto desentona en el conjunto del album)

deniztek escribió:ESPECTACULAR RESEÑA MOLTI!!!!!!

un album con temas como la perfecta losing my religion (éxito merecidísimo), texarkana, half a world away o near wild heaven no puede ser considerado menos que un discazo.

(a shiny happy people la he acabado pillando manía, para mi gusto desentona en el conjunto del album)

Y que te parece Low,para mí un temazo del copon me encanta!!!..

led zepp escribió:

deniztek escribió:ESPECTACULAR RESEÑA MOLTI!!!!!!

un album con temas como la perfecta losing my religion (éxito merecidísimo), texarkana, half a world away o near wild heaven no puede ser considerado menos que un discazo.

(a shiny happy people la he acabado pillando manía, para mi gusto desentona en el conjunto del album)

Y que te parece Low,para mí un temazo del copon me encanta!!!..

ese teclado suena a gloria

low, low, low...

deniztek escribió:

led zepp escribió:

deniztek escribió:ESPECTACULAR RESEÑA MOLTI!!!!!!

un album con temas como la perfecta losing my religion (éxito merecidísimo), texarkana, half a world away o near wild heaven no puede ser considerado menos que un discazo.

(a shiny happy people la he acabado pillando manía, para mi gusto desentona en el conjunto del album)

Y que te parece Low,para mí un temazo del copon me encanta!!!..

ese teclado suena a gloria

low, low, low...

Maravilloso creo que es mi tema favorito..

deniztek escribió:ESPECTACULAR RESEÑA MOLTI!!!!!!

un album con temas como la perfecta losing my religion (éxito merecidísimo), texarkana, half a world away o near wild heaven no puede ser considerado menos que un discazo.

(a shiny happy people la he acabado pillando manía, para mi gusto desentona en el conjunto del album)

A mi me encanta esa canción, me da muy buen rollito.

led zepp escribió:

deniztek escribió:

led zepp escribió:

deniztek escribió:ESPECTACULAR RESEÑA MOLTI!!!!!!

un album con temas como la perfecta losing my religion (éxito merecidísimo), texarkana, half a world away o near wild heaven no puede ser considerado menos que un discazo.

(a shiny happy people la he acabado pillando manía, para mi gusto desentona en el conjunto del album)

Y que te parece Low,para mí un temazo del copon me encanta!!!..

ese teclado suena a gloria

low, low, low...

Maravilloso creo que es mi tema favorito..

lo estoy escuchando ahora, me está recordando bastante a patti smith.

rem, como es bien sabido, eran muy fans de patti smith (le guste o no el dato a mi amigo centurión gay )

luis escribió:

deniztek escribió:ESPECTACULAR RESEÑA MOLTI!!!!!!

un album con temas como la perfecta losing my religion (éxito merecidísimo), texarkana, half a world away o near wild heaven no puede ser considerado menos que un discazo.

(a shiny happy people la he acabado pillando manía, para mi gusto desentona en el conjunto del album)

A mi me encanta esa canción, me da muy buen rollito.

Desde luego es muy optimista en el momento que la escuché por primera vez me pareció adesiva!!..

deniztek escribió:

led zepp escribió:

deniztek escribió:

led zepp escribió:

deniztek escribió:ESPECTACULAR RESEÑA MOLTI!!!!!!

un album con temas como la perfecta losing my religion (éxito merecidísimo), texarkana, half a world away o near wild heaven no puede ser considerado menos que un discazo.

(a shiny happy people la he acabado pillando manía, para mi gusto desentona en el conjunto del album)

Y que te parece Low,para mí un temazo del copon me encanta!!!..

ese teclado suena a gloria

low, low, low...

Maravilloso creo que es mi tema favorito..

lo estoy escuchando ahora, me está recordando bastante a patti smith.

rem, como es bien sabido, eran muy fans de patti smith (le guste o no el dato a mi amigo centurión gay )

Que buena manera de pasar el día Patti es mucha Patti..

luis escribió:

deniztek escribió:ESPECTACULAR RESEÑA MOLTI!!!!!!

un album con temas como la perfecta losing my religion (éxito merecidísimo), texarkana, half a world away o near wild heaven no puede ser considerado menos que un discazo.

(a shiny happy people la he acabado pillando manía, para mi gusto desentona en el conjunto del album)

A mi me encanta esa canción, me da muy buen rollito.

ya, si es un tema pop redondo y luminoso. y al principio me gustaba pero le pillé manía a la canción. podría ser por sobreexposición pero no: por sobreexposición entonces también le hubiese pillado manía a losing my religion y no es el caso.

hace poco leí que los rem reniegan bastante de shiny happy people (pero ello no ha influído en mi opinión adversa, eh? )

Moltisanti escribió:

Siempre he pensado mucho en dos conceptos dentro del rock que gozaron de una importancia capital en los tiempos en que aprendí a amarlo:
1. Cómo empezar un disco; y
2. Los singles

Si hay algo de lo que puede presumir “Out of time” de R.E.M., es de tener ambas cosas cubiertas de forma soberbia, magnánima.
Siempre me gustó mucho “Radio Song”, incluida la parte rap con ese “feat. FRS-One”. Lo tiene todo para empezar: un arpegio mítico, una línea vocal épica, un desarrollo funk pop fluido, perspicaz, con un puente donde empiezan a surgir los fraseos del rapero, desembocando en el estribillo que antes fue la intro. Violines, suenan violines, en una canción que tiene una de las líneas de bajo más claras y divertidas de estos primeros 90, tan llenos de gozo, de barbaridades musicales ya en forma de CD. ¿Trompetas? Es igual, el dominio del terreno “single” es absoluto. Sería absurdo ponerle pegas a una canción así. Siempre la adoré, cuando a muchos les parecía previsible empezar un programa de radio de pop 90’s con este tema. ¿Se os ocurre otro mejor?

Termina el rapero con su monserga y empezamos a hablar en serio, con esos dos golpes de caja y el riff de mandolina más famoso de la historia. Tema polémico este porque a la Iglesia (no sé identificar ahora mismo cuál) siempre le pican las cosas más absurdas, como otro gran tema de este, acaso el gran año de la música rock, pero en cualquier caso excepcional 1991, “Jesus Christ Pose” de Soundgarden. Un día es la Iglesia, al día siguiente la MTV. Desarrollo perfecto, una banda en su mejor momento, escribiendo la historia, grabando canciones de clara vocación comercial sin perder credibilidad, como esta joya que marcó mis primeras tardes de discoteca, las escapadas furtivas, los primeros besos con sabor a cigarrillo y a Martini, los primeros encierros serios con el hachís, los amores que rompimos antes de estrenar. “That was just a dream”. Y sí, ese soy yo en el rincón, perdiendo parte de la inocencia.

El 19 de febrero de 1991 aparecía en las radios de todo el mundo el sencillo “Losing my religion”. Recuerdo, Stipe sostiene que su carrera se divide en “antes de Losing My Religion y después de Losing My Religion”. Antes de esa canción, R.E.M. era una banda de culto de amplio seguimiento, “girando diez meses al año. Con respecto al éxito”, en palabras del propio Stipe, “aun se nos consideraba en una liga menor. Después, tuvimos hit singles, discos de platino, estábamos en todas las portadas de cualquier clase de revista, y, al menos durante un par de años, fuimos una de las bandas más grandes del mundo”. Pero Stipe no era de la clase de músicos que se autoengañan. “Todo lo cual es irrelevante”, afirma, “y cuando pienso en ‘Losing My Religion’, pienso sobre el proceso de composición y grabación, y fue como un sueño alcanzado sin esfuerzo. La música la escribimos en cinco minutos; la primera vez que la tocamos, todo encajó perfectamente”. La letra de Michael estaba terminada en una hora, y mientras tocaban la canción por tercera o cuarta vez, se encontraron con un encaje perfecto. Así, “Losing my religion” se convierte en una especie de arquetipo de canción que se encontraba flotando en el espacio y que ellos fueron capaces de echarle el lazo. “Si toda la escritura de canciones fuese tan fácil…”

En aquella época las radios ponían a todas horas “The show must go on” de Queen y “Should I Stay or Should I Go” de The Clash, una single que había sido relanzado (ya tenía casi una década de vida) aprovechando la salida de un recopilatorio y un anuncio de vaqueros. Y junto a Queen y The Clash, R.E.M. aparecían con una firmeza desconocida en ellos, acaparándolo todo, incluso la polémica. Como decía, el video de “Losing my religion” cabreó a la Iglesia Católica, por reflejar “dudas” en la letra de la canción y sus correspondientes imágenes. Pero no había nada mayor escándalo que el de los fans que se sintieron decepcionados al ver cómo R.E.M. trascendían su audiencia original de aficionados a las radios universitarias. Preguntado sobre si la nueva trascendencia adquirida podía alienar a sus fans más antiguos, Peter Buck le dijo a Rolling Stone que “la gente que cambió de idea por ‘Losing My Religion’ pueden simplemente besarme el culo”.

Nunca me gustó demasiado “Low”. Evidentemente, debido a mi falta de formación en música psicodélica y sin duda marcado por un inicio de disco tan accesible y melódico, hasta la “ruptura” del estribillo, si cabe llamarse así, ese arpegio y ese hammond y esa voz grave de Stipe narrando una de sus historias oníricas con el punto críptico tan característico de él, era una invitación a la mueca de disgusto para los neófitos. Aun me faltaba por descubrir muchas cosas de la música en general y de ellos en particular, pero aquel tema no era fácil. Lo escucho hoy y por lo menos lo entiendo, pero sin duda es una forma de romper un camino que llevaba camino de ser ¿empalagoso? Para mi, la palabra sería memorable, histórico, de obra maestra incontestable. Como canción, “Low” podrá ser muchas cosas, pero nunca incontestable. Es rara y difusa, y en el contexto de la banda funciona, pero en el contexto del disco no.

Pronto encontraba el gozo de nuevo con esa gema llamada “Near Wild Heaven”. El asunto, mi asunto con REM, era esa mezcla agridulce de su característico optimismo pop new wave y el tono melancólico de sus líneas vocales y de sus arpegios. El cielo se abre en sus estribillos, se me ocurren pocos grupos que tengan mejores coros en sus canciones, pero de pronto un nuevo verso te pone la nube negra encima, y lo más criminal del asunto es que la disfrutas como un puerco. Ese tono nasal, Stipe, ese tono nasal marcó nuestra vida, porque también eras capaz de darnos la alegría. Demonios, quién puede no pensar en series juveniles, en series con nombre de cinco cifras, cuando escucha esta canción o alguna otra. Sí, años después sabríamos que a las dulces y risueñas protagonistas de esas series se las había pasado por la piedra Don Vince Neil, y años después también sabríamos quién era Jeffrey Lee Pierce y algunos amigos se quedaron en el camino o incluso caminaron en el wild side, pero si has nacido en 1976 y te gusta “Out of time”, sabes quién cojones era Dylan McKey. O si no, te lo inventas.

El instrumental “Endgame” siempre me pareció fabuloso. A día de hoy, me parece una de las piezas más necesarias para comprender por qué este disco es una obra magna de su tiempo. Todo lo que incluye está dentro de mis parámetros de grandilocuencia, desde los coros (“parararara…”) a los arpegios de acústicas, el tono de música medieval, los instrumentos de viento y cuerda cabalgando libres por el bosque, y una nueva ruptura para repetir el pequeño punteo/arpegio de acústica, ahora con un cambio hacia un puente nuevamente celestial, con Stipe creciendo simplemente haciendo un gorgorito. Magistral. Sublime. Supongo que aquello no le gustaba a nadie pero menos mal que en poco tiempo llegaría el “Loaded” y el homónimo de la Velvet para hacerme comprender por qué gozaba tanto con canciones como esta. Extrañamente, tardaría años en tener y adorar “The Village Green Preservation Society” de los Kinks, pero años después, cuando lo miro todo en perspectiva, encaja, joder, encaja del todo. Cómo me gusta el pop.

¿Alguien ha dicho pop? En fin, “Shiny Happy People”. La MAESTRÍA. La CADENCIA. La CONSTRUCCIÓN PERFECTA. Estado de gracia. Encantado de conocerte Kate Pierson, no tenía el placer. Esta canción es un manual en sí misma. Un manual de cómo encajar partes (intro, versos, puentes, estribillos, pasajes instrumentales), de cómo hacer coros, de cómo tocar la guitarra eléctrica y hacer de un arpegio un riff que haga historia, un manual de cómo acelerar y bajar el ritmo… maravillosa. Sigue sonando a día de hoy, aun radiada hasta la saciedad, sobada hasta el vómito… da igual. Es GLORIOSA. Ante algo como esto, sólo se puede dar las gracias a los creadores, porque, demonios, esto es ARTE EN 3 MINUTOS.

Nuevamente, “Belong” era una tocada de pelotas para mí. El tono ochentero y new wave era lo que no entendía. A día de hoy, le cojo el punto antes, pero por mera acumulación de experiencias auditivas, no porque la considere a la altura de sus compañeras de disco, o siquiera a la altura de su propio legado. Simplemente, como canción “no explotada” de un disco sobreexpuesto, merece el parabién por su mera estructura, de versos hablados sobre un nuevo arpegio construido con sabiduría, un estribillo épico a base de coros y un bajo (como siempre en este grupo) sostenido sensacional. La canción ha ganado con el tiempo, claramente. Se ha ganado, quizás, un estatus nuevo, en el contexto de lo desconocido dentro de un disco demasiado conocido, aunque merecidamente famoso y vendedor. En un año de grandes bombazos, el disco sale a la venta el 12 de marzo de 1991 y a día de hoy, recordemos, ha vendido más de 15 millones de copias en todo el mundo, 4 millones en los USA. No está mal para una banda de pueblo universitario. Al poco de salir a la venta quedó claro que había trascendido los límites de ser un simple disco de rock alternativo, y aunque la banda declinó girar para promocionarlo, sí visitó estaciones de radio, dio numerosas entrevistas e hizo apariciones en la MTV para presentarlo.

“Half a world away”, en fin. Otra maravilla a base de acústica y mandolina, básicamente folk, un 3 por 4 bellísimo. Qué curioso escucharlo hoy y pensar que quizás haya tenido siempre esta canción en la cabeza para componer según qué cosas… pero no, no colaré más promoción en el texto, que se me ve el plumero. Preciosa, algo triste, magníficamente llevada con el mismo golpe de acústica todo el rato y sin embargo logrando crecer en el estribillo y alcanzar sin problemas esa épica típicamente R.E.M. que en Out of Time alcanza, a mi entender, su mayor momento de gloria. Esta canción es un monumento.

No se reinventaban como U2 con Achtung Baby, pero eran la banda de culto en todo el planeta, y en 1992 se llevaron el Grammy al Mejor Álbum de Música Alternativa por Out of time y al Mejor Single del Año por “Losing my religion”. Que no son dos gramos cualquiera.
“Texarkana” nos devolvía a los REM del 83, una canción que era puro Murmur, conservando intacto el vitalismo, el rodaje de canción de carretera y de pub, algo que a día de hoy no puedo comparar con ninguna otra banda. No, no se me ocurre ninguna otra banda de pop rock con esa capacidad de escribir una canción que funcione igual en un club, en un coche, para bailar, en un estadio… que guste igual a mujeres y hombres… no sé, hay muchas cosas de R.E.M. que me surgen re escuchando esta maravilla llamada Out of Time. Y una de ellas es el convencimiento de que estamos ante el grupo total, como los Beatles lo fueron en su día. Con una capacidad y un impulso fuera de lo común. Enérgicos, vitalistas, melancólicos, positivos, rotundos, épicos… aquí, “Texarkana” es sólo un ejemplo, quizás modesto, pero para mi brutal a nivel genérico, porque los define en un momento muy concreto donde las luces de la historia del rock les apuntaban directamente a los ojos.

“Country Feedback”, rural, parca, aparentemente mal ensamblada, desliza mil detalles desde una oscuridad que no había aparecido en todo el disco. Podría ser un descarte, nunca un single, pero a esa altura el disco ya no tenía tacha posible. Y más cuando abren el estribillo una vez más, repitiéndolo, con un solo de guitarra disonante por detrás de un lánguido Stipe, escupiendo barbaridades. Ese momento introspectivo de R.E.M. donde desnudan todas sus inseguridades y sus maldiciones está aquí, y en su segunda estrofa ya no puedes dejar de fijarte en cómo está fluyendo todo, desde una épica deformada, lacónica, difícil de asumir. Imperceptible percusión, bajo, acústica suelta, solo velvetiano, y un hammond de fondo. De manual. Cojonuda.

El disco acaba con “Me in Honey”, un tema de pop directo, recio, ligerísimamente psicodélico, que amenaza con no explotar gracias a una estrofa que es un hallazgo, otro más. Estribillo al servicio de la estrofa, repitiendo estructura, hasta el coro final de Kate Pierson, que nos trae a la mente todo lo bueno que han dejado atrás en los surcos de un álbum perfecto.

Termina un disco capaz de marcar vidas.

Menuda chapa. Lo siento. Hoy me han asaltado los recuerdos.

Joder cómo escribís la hostia. A veces me pregunto qué cojones hago yo en este foro, dónde lo la única opinión que puedo dar es si me gusta o no me gusta un disco o un grupo.

Enorrrrrrrrrrrme Molti.

near wild heaven

celestial.

deniztek escribió:near wild heaven

celestial.

Musicalmente muy enriquecido este tema..

Bravo Molti.

luis escribió:

Moltisanti escribió:

Siempre he pensado mucho en dos conceptos dentro del rock que gozaron de una importancia capital en los tiempos en que aprendí a amarlo:
1. Cómo empezar un disco; y
2. Los singles

Si hay algo de lo que puede presumir “Out of time” de R.E.M., es de tener ambas cosas cubiertas de forma soberbia, magnánima.
Siempre me gustó mucho “Radio Song”, incluida la parte rap con ese “feat. FRS-One”. Lo tiene todo para empezar: un arpegio mítico, una línea vocal épica, un desarrollo funk pop fluido, perspicaz, con un puente donde empiezan a surgir los fraseos del rapero, desembocando en el estribillo que antes fue la intro. Violines, suenan violines, en una canción que tiene una de las líneas de bajo más claras y divertidas de estos primeros 90, tan llenos de gozo, de barbaridades musicales ya en forma de CD. ¿Trompetas? Es igual, el dominio del terreno “single” es absoluto. Sería absurdo ponerle pegas a una canción así. Siempre la adoré, cuando a muchos les parecía previsible empezar un programa de radio de pop 90’s con este tema. ¿Se os ocurre otro mejor?

Termina el rapero con su monserga y empezamos a hablar en serio, con esos dos golpes de caja y el riff de mandolina más famoso de la historia. Tema polémico este porque a la Iglesia (no sé identificar ahora mismo cuál) siempre le pican las cosas más absurdas, como otro gran tema de este, acaso el gran año de la música rock, pero en cualquier caso excepcional 1991, “Jesus Christ Pose” de Soundgarden. Un día es la Iglesia, al día siguiente la MTV. Desarrollo perfecto, una banda en su mejor momento, escribiendo la historia, grabando canciones de clara vocación comercial sin perder credibilidad, como esta joya que marcó mis primeras tardes de discoteca, las escapadas furtivas, los primeros besos con sabor a cigarrillo y a Martini, los primeros encierros serios con el hachís, los amores que rompimos antes de estrenar. “That was just a dream”. Y sí, ese soy yo en el rincón, perdiendo parte de la inocencia.

El 19 de febrero de 1991 aparecía en las radios de todo el mundo el sencillo “Losing my religion”. Recuerdo, Stipe sostiene que su carrera se divide en “antes de Losing My Religion y después de Losing My Religion”. Antes de esa canción, R.E.M. era una banda de culto de amplio seguimiento, “girando diez meses al año. Con respecto al éxito”, en palabras del propio Stipe, “aun se nos consideraba en una liga menor. Después, tuvimos hit singles, discos de platino, estábamos en todas las portadas de cualquier clase de revista, y, al menos durante un par de años, fuimos una de las bandas más grandes del mundo”. Pero Stipe no era de la clase de músicos que se autoengañan. “Todo lo cual es irrelevante”, afirma, “y cuando pienso en ‘Losing My Religion’, pienso sobre el proceso de composición y grabación, y fue como un sueño alcanzado sin esfuerzo. La música la escribimos en cinco minutos; la primera vez que la tocamos, todo encajó perfectamente”. La letra de Michael estaba terminada en una hora, y mientras tocaban la canción por tercera o cuarta vez, se encontraron con un encaje perfecto. Así, “Losing my religion” se convierte en una especie de arquetipo de canción que se encontraba flotando en el espacio y que ellos fueron capaces de echarle el lazo. “Si toda la escritura de canciones fuese tan fácil…”

En aquella época las radios ponían a todas horas “The show must go on” de Queen y “Should I Stay or Should I Go” de The Clash, una single que había sido relanzado (ya tenía casi una década de vida) aprovechando la salida de un recopilatorio y un anuncio de vaqueros. Y junto a Queen y The Clash, R.E.M. aparecían con una firmeza desconocida en ellos, acaparándolo todo, incluso la polémica. Como decía, el video de “Losing my religion” cabreó a la Iglesia Católica, por reflejar “dudas” en la letra de la canción y sus correspondientes imágenes. Pero no había nada mayor escándalo que el de los fans que se sintieron decepcionados al ver cómo R.E.M. trascendían su audiencia original de aficionados a las radios universitarias. Preguntado sobre si la nueva trascendencia adquirida podía alienar a sus fans más antiguos, Peter Buck le dijo a Rolling Stone que “la gente que cambió de idea por ‘Losing My Religion’ pueden simplemente besarme el culo”.

Nunca me gustó demasiado “Low”. Evidentemente, debido a mi falta de formación en música psicodélica y sin duda marcado por un inicio de disco tan accesible y melódico, hasta la “ruptura” del estribillo, si cabe llamarse así, ese arpegio y ese hammond y esa voz grave de Stipe narrando una de sus historias oníricas con el punto críptico tan característico de él, era una invitación a la mueca de disgusto para los neófitos. Aun me faltaba por descubrir muchas cosas de la música en general y de ellos en particular, pero aquel tema no era fácil. Lo escucho hoy y por lo menos lo entiendo, pero sin duda es una forma de romper un camino que llevaba camino de ser ¿empalagoso? Para mi, la palabra sería memorable, histórico, de obra maestra incontestable. Como canción, “Low” podrá ser muchas cosas, pero nunca incontestable. Es rara y difusa, y en el contexto de la banda funciona, pero en el contexto del disco no.

Pronto encontraba el gozo de nuevo con esa gema llamada “Near Wild Heaven”. El asunto, mi asunto con REM, era esa mezcla agridulce de su característico optimismo pop new wave y el tono melancólico de sus líneas vocales y de sus arpegios. El cielo se abre en sus estribillos, se me ocurren pocos grupos que tengan mejores coros en sus canciones, pero de pronto un nuevo verso te pone la nube negra encima, y lo más criminal del asunto es que la disfrutas como un puerco. Ese tono nasal, Stipe, ese tono nasal marcó nuestra vida, porque también eras capaz de darnos la alegría. Demonios, quién puede no pensar en series juveniles, en series con nombre de cinco cifras, cuando escucha esta canción o alguna otra. Sí, años después sabríamos que a las dulces y risueñas protagonistas de esas series se las había pasado por la piedra Don Vince Neil, y años después también sabríamos quién era Jeffrey Lee Pierce y algunos amigos se quedaron en el camino o incluso caminaron en el wild side, pero si has nacido en 1976 y te gusta “Out of time”, sabes quién cojones era Dylan McKey. O si no, te lo inventas.

El instrumental “Endgame” siempre me pareció fabuloso. A día de hoy, me parece una de las piezas más necesarias para comprender por qué este disco es una obra magna de su tiempo. Todo lo que incluye está dentro de mis parámetros de grandilocuencia, desde los coros (“parararara…”) a los arpegios de acústicas, el tono de música medieval, los instrumentos de viento y cuerda cabalgando libres por el bosque, y una nueva ruptura para repetir el pequeño punteo/arpegio de acústica, ahora con un cambio hacia un puente nuevamente celestial, con Stipe creciendo simplemente haciendo un gorgorito. Magistral. Sublime. Supongo que aquello no le gustaba a nadie pero menos mal que en poco tiempo llegaría el “Loaded” y el homónimo de la Velvet para hacerme comprender por qué gozaba tanto con canciones como esta. Extrañamente, tardaría años en tener y adorar “The Village Green Preservation Society” de los Kinks, pero años después, cuando lo miro todo en perspectiva, encaja, joder, encaja del todo. Cómo me gusta el pop.

¿Alguien ha dicho pop? En fin, “Shiny Happy People”. La MAESTRÍA. La CADENCIA. La CONSTRUCCIÓN PERFECTA. Estado de gracia. Encantado de conocerte Kate Pierson, no tenía el placer. Esta canción es un manual en sí misma. Un manual de cómo encajar partes (intro, versos, puentes, estribillos, pasajes instrumentales), de cómo hacer coros, de cómo tocar la guitarra eléctrica y hacer de un arpegio un riff que haga historia, un manual de cómo acelerar y bajar el ritmo… maravillosa. Sigue sonando a día de hoy, aun radiada hasta la saciedad, sobada hasta el vómito… da igual. Es GLORIOSA. Ante algo como esto, sólo se puede dar las gracias a los creadores, porque, demonios, esto es ARTE EN 3 MINUTOS.

Nuevamente, “Belong” era una tocada de pelotas para mí. El tono ochentero y new wave era lo que no entendía. A día de hoy, le cojo el punto antes, pero por mera acumulación de experiencias auditivas, no porque la considere a la altura de sus compañeras de disco, o siquiera a la altura de su propio legado. Simplemente, como canción “no explotada” de un disco sobreexpuesto, merece el parabién por su mera estructura, de versos hablados sobre un nuevo arpegio construido con sabiduría, un estribillo épico a base de coros y un bajo (como siempre en este grupo) sostenido sensacional. La canción ha ganado con el tiempo, claramente. Se ha ganado, quizás, un estatus nuevo, en el contexto de lo desconocido dentro de un disco demasiado conocido, aunque merecidamente famoso y vendedor. En un año de grandes bombazos, el disco sale a la venta el 12 de marzo de 1991 y a día de hoy, recordemos, ha vendido más de 15 millones de copias en todo el mundo, 4 millones en los USA. No está mal para una banda de pueblo universitario. Al poco de salir a la venta quedó claro que había trascendido los límites de ser un simple disco de rock alternativo, y aunque la banda declinó girar para promocionarlo, sí visitó estaciones de radio, dio numerosas entrevistas e hizo apariciones en la MTV para presentarlo.

“Half a world away”, en fin. Otra maravilla a base de acústica y mandolina, básicamente folk, un 3 por 4 bellísimo. Qué curioso escucharlo hoy y pensar que quizás haya tenido siempre esta canción en la cabeza para componer según qué cosas… pero no, no colaré más promoción en el texto, que se me ve el plumero. Preciosa, algo triste, magníficamente llevada con el mismo golpe de acústica todo el rato y sin embargo logrando crecer en el estribillo y alcanzar sin problemas esa épica típicamente R.E.M. que en Out of Time alcanza, a mi entender, su mayor momento de gloria. Esta canción es un monumento.

No se reinventaban como U2 con Achtung Baby, pero eran la banda de culto en todo el planeta, y en 1992 se llevaron el Grammy al Mejor Álbum de Música Alternativa por Out of time y al Mejor Single del Año por “Losing my religion”. Que no son dos gramos cualquiera.
“Texarkana” nos devolvía a los REM del 83, una canción que era puro Murmur, conservando intacto el vitalismo, el rodaje de canción de carretera y de pub, algo que a día de hoy no puedo comparar con ninguna otra banda. No, no se me ocurre ninguna otra banda de pop rock con esa capacidad de escribir una canción que funcione igual en un club, en un coche, para bailar, en un estadio… que guste igual a mujeres y hombres… no sé, hay muchas cosas de R.E.M. que me surgen re escuchando esta maravilla llamada Out of Time. Y una de ellas es el convencimiento de que estamos ante el grupo total, como los Beatles lo fueron en su día. Con una capacidad y un impulso fuera de lo común. Enérgicos, vitalistas, melancólicos, positivos, rotundos, épicos… aquí, “Texarkana” es sólo un ejemplo, quizás modesto, pero para mi brutal a nivel genérico, porque los define en un momento muy concreto donde las luces de la historia del rock les apuntaban directamente a los ojos.

“Country Feedback”, rural, parca, aparentemente mal ensamblada, desliza mil detalles desde una oscuridad que no había aparecido en todo el disco. Podría ser un descarte, nunca un single, pero a esa altura el disco ya no tenía tacha posible. Y más cuando abren el estribillo una vez más, repitiéndolo, con un solo de guitarra disonante por detrás de un lánguido Stipe, escupiendo barbaridades. Ese momento introspectivo de R.E.M. donde desnudan todas sus inseguridades y sus maldiciones está aquí, y en su segunda estrofa ya no puedes dejar de fijarte en cómo está fluyendo todo, desde una épica deformada, lacónica, difícil de asumir. Imperceptible percusión, bajo, acústica suelta, solo velvetiano, y un hammond de fondo. De manual. Cojonuda.

El disco acaba con “Me in Honey”, un tema de pop directo, recio, ligerísimamente psicodélico, que amenaza con no explotar gracias a una estrofa que es un hallazgo, otro más. Estribillo al servicio de la estrofa, repitiendo estructura, hasta el coro final de Kate Pierson, que nos trae a la mente todo lo bueno que han dejado atrás en los surcos de un álbum perfecto.

Termina un disco capaz de marcar vidas.

Menuda chapa. Lo siento. Hoy me han asaltado los recuerdos.

Joder cómo escribís la hostia. A veces me pregunto qué cojones hago yo en este foro, dónde lo la única opinión que puedo dar es si me gusta o no me gusta un disco o un grupo.

Enorrrrrrrrrrrme Molti.

yo tengo ese complejo pero es la realidad: no tengo ni puta idea de escribir en comparación con estos cracks, no paso de las dos líneas. da gusto leerles

(no seas tonto, eres un jefe en el foro luis )

deniztek escribió:

luis escribió:

Moltisanti escribió:

Siempre he pensado mucho en dos conceptos dentro del rock que gozaron de una importancia capital en los tiempos en que aprendí a amarlo:
1. Cómo empezar un disco; y
2. Los singles

Si hay algo de lo que puede presumir “Out of time” de R.E.M., es de tener ambas cosas cubiertas de forma soberbia, magnánima.
Siempre me gustó mucho “Radio Song”, incluida la parte rap con ese “feat. FRS-One”. Lo tiene todo para empezar: un arpegio mítico, una línea vocal épica, un desarrollo funk pop fluido, perspicaz, con un puente donde empiezan a surgir los fraseos del rapero, desembocando en el estribillo que antes fue la intro. Violines, suenan violines, en una canción que tiene una de las líneas de bajo más claras y divertidas de estos primeros 90, tan llenos de gozo, de barbaridades musicales ya en forma de CD. ¿Trompetas? Es igual, el dominio del terreno “single” es absoluto. Sería absurdo ponerle pegas a una canción así. Siempre la adoré, cuando a muchos les parecía previsible empezar un programa de radio de pop 90’s con este tema. ¿Se os ocurre otro mejor?

Termina el rapero con su monserga y empezamos a hablar en serio, con esos dos golpes de caja y el riff de mandolina más famoso de la historia. Tema polémico este porque a la Iglesia (no sé identificar ahora mismo cuál) siempre le pican las cosas más absurdas, como otro gran tema de este, acaso el gran año de la música rock, pero en cualquier caso excepcional 1991, “Jesus Christ Pose” de Soundgarden. Un día es la Iglesia, al día siguiente la MTV. Desarrollo perfecto, una banda en su mejor momento, escribiendo la historia, grabando canciones de clara vocación comercial sin perder credibilidad, como esta joya que marcó mis primeras tardes de discoteca, las escapadas furtivas, los primeros besos con sabor a cigarrillo y a Martini, los primeros encierros serios con el hachís, los amores que rompimos antes de estrenar. “That was just a dream”. Y sí, ese soy yo en el rincón, perdiendo parte de la inocencia.

El 19 de febrero de 1991 aparecía en las radios de todo el mundo el sencillo “Losing my religion”. Recuerdo, Stipe sostiene que su carrera se divide en “antes de Losing My Religion y después de Losing My Religion”. Antes de esa canción, R.E.M. era una banda de culto de amplio seguimiento, “girando diez meses al año. Con respecto al éxito”, en palabras del propio Stipe, “aun se nos consideraba en una liga menor. Después, tuvimos hit singles, discos de platino, estábamos en todas las portadas de cualquier clase de revista, y, al menos durante un par de años, fuimos una de las bandas más grandes del mundo”. Pero Stipe no era de la clase de músicos que se autoengañan. “Todo lo cual es irrelevante”, afirma, “y cuando pienso en ‘Losing My Religion’, pienso sobre el proceso de composición y grabación, y fue como un sueño alcanzado sin esfuerzo. La música la escribimos en cinco minutos; la primera vez que la tocamos, todo encajó perfectamente”. La letra de Michael estaba terminada en una hora, y mientras tocaban la canción por tercera o cuarta vez, se encontraron con un encaje perfecto. Así, “Losing my religion” se convierte en una especie de arquetipo de canción que se encontraba flotando en el espacio y que ellos fueron capaces de echarle el lazo. “Si toda la escritura de canciones fuese tan fácil…”

En aquella época las radios ponían a todas horas “The show must go on” de Queen y “Should I Stay or Should I Go” de The Clash, una single que había sido relanzado (ya tenía casi una década de vida) aprovechando la salida de un recopilatorio y un anuncio de vaqueros. Y junto a Queen y The Clash, R.E.M. aparecían con una firmeza desconocida en ellos, acaparándolo todo, incluso la polémica. Como decía, el video de “Losing my religion” cabreó a la Iglesia Católica, por reflejar “dudas” en la letra de la canción y sus correspondientes imágenes. Pero no había nada mayor escándalo que el de los fans que se sintieron decepcionados al ver cómo R.E.M. trascendían su audiencia original de aficionados a las radios universitarias. Preguntado sobre si la nueva trascendencia adquirida podía alienar a sus fans más antiguos, Peter Buck le dijo a Rolling Stone que “la gente que cambió de idea por ‘Losing My Religion’ pueden simplemente besarme el culo”.

Nunca me gustó demasiado “Low”. Evidentemente, debido a mi falta de formación en música psicodélica y sin duda marcado por un inicio de disco tan accesible y melódico, hasta la “ruptura” del estribillo, si cabe llamarse así, ese arpegio y ese hammond y esa voz grave de Stipe narrando una de sus historias oníricas con el punto críptico tan característico de él, era una invitación a la mueca de disgusto para los neófitos. Aun me faltaba por descubrir muchas cosas de la música en general y de ellos en particular, pero aquel tema no era fácil. Lo escucho hoy y por lo menos lo entiendo, pero sin duda es una forma de romper un camino que llevaba camino de ser ¿empalagoso? Para mi, la palabra sería memorable, histórico, de obra maestra incontestable. Como canción, “Low” podrá ser muchas cosas, pero nunca incontestable. Es rara y difusa, y en el contexto de la banda funciona, pero en el contexto del disco no.

Pronto encontraba el gozo de nuevo con esa gema llamada “Near Wild Heaven”. El asunto, mi asunto con REM, era esa mezcla agridulce de su característico optimismo pop new wave y el tono melancólico de sus líneas vocales y de sus arpegios. El cielo se abre en sus estribillos, se me ocurren pocos grupos que tengan mejores coros en sus canciones, pero de pronto un nuevo verso te pone la nube negra encima, y lo más criminal del asunto es que la disfrutas como un puerco. Ese tono nasal, Stipe, ese tono nasal marcó nuestra vida, porque también eras capaz de darnos la alegría. Demonios, quién puede no pensar en series juveniles, en series con nombre de cinco cifras, cuando escucha esta canción o alguna otra. Sí, años después sabríamos que a las dulces y risueñas protagonistas de esas series se las había pasado por la piedra Don Vince Neil, y años después también sabríamos quién era Jeffrey Lee Pierce y algunos amigos se quedaron en el camino o incluso caminaron en el wild side, pero si has nacido en 1976 y te gusta “Out of time”, sabes quién cojones era Dylan McKey. O si no, te lo inventas.

El instrumental “Endgame” siempre me pareció fabuloso. A día de hoy, me parece una de las piezas más necesarias para comprender por qué este disco es una obra magna de su tiempo. Todo lo que incluye está dentro de mis parámetros de grandilocuencia, desde los coros (“parararara…”) a los arpegios de acústicas, el tono de música medieval, los instrumentos de viento y cuerda cabalgando libres por el bosque, y una nueva ruptura para repetir el pequeño punteo/arpegio de acústica, ahora con un cambio hacia un puente nuevamente celestial, con Stipe creciendo simplemente haciendo un gorgorito. Magistral. Sublime. Supongo que aquello no le gustaba a nadie pero menos mal que en poco tiempo llegaría el “Loaded” y el homónimo de la Velvet para hacerme comprender por qué gozaba tanto con canciones como esta. Extrañamente, tardaría años en tener y adorar “The Village Green Preservation Society” de los Kinks, pero años después, cuando lo miro todo en perspectiva, encaja, joder, encaja del todo. Cómo me gusta el pop.

¿Alguien ha dicho pop? En fin, “Shiny Happy People”. La MAESTRÍA. La CADENCIA. La CONSTRUCCIÓN PERFECTA. Estado de gracia. Encantado de conocerte Kate Pierson, no tenía el placer. Esta canción es un manual en sí misma. Un manual de cómo encajar partes (intro, versos, puentes, estribillos, pasajes instrumentales), de cómo hacer coros, de cómo tocar la guitarra eléctrica y hacer de un arpegio un riff que haga historia, un manual de cómo acelerar y bajar el ritmo… maravillosa. Sigue sonando a día de hoy, aun radiada hasta la saciedad, sobada hasta el vómito… da igual. Es GLORIOSA. Ante algo como esto, sólo se puede dar las gracias a los creadores, porque, demonios, esto es ARTE EN 3 MINUTOS.

Nuevamente, “Belong” era una tocada de pelotas para mí. El tono ochentero y new wave era lo que no entendía. A día de hoy, le cojo el punto antes, pero por mera acumulación de experiencias auditivas, no porque la considere a la altura de sus compañeras de disco, o siquiera a la altura de su propio legado. Simplemente, como canción “no explotada” de un disco sobreexpuesto, merece el parabién por su mera estructura, de versos hablados sobre un nuevo arpegio construido con sabiduría, un estribillo épico a base de coros y un bajo (como siempre en este grupo) sostenido sensacional. La canción ha ganado con el tiempo, claramente. Se ha ganado, quizás, un estatus nuevo, en el contexto de lo desconocido dentro de un disco demasiado conocido, aunque merecidamente famoso y vendedor. En un año de grandes bombazos, el disco sale a la venta el 12 de marzo de 1991 y a día de hoy, recordemos, ha vendido más de 15 millones de copias en todo el mundo, 4 millones en los USA. No está mal para una banda de pueblo universitario. Al poco de salir a la venta quedó claro que había trascendido los límites de ser un simple disco de rock alternativo, y aunque la banda declinó girar para promocionarlo, sí visitó estaciones de radio, dio numerosas entrevistas e hizo apariciones en la MTV para presentarlo.

“Half a world away”, en fin. Otra maravilla a base de acústica y mandolina, básicamente folk, un 3 por 4 bellísimo. Qué curioso escucharlo hoy y pensar que quizás haya tenido siempre esta canción en la cabeza para componer según qué cosas… pero no, no colaré más promoción en el texto, que se me ve el plumero. Preciosa, algo triste, magníficamente llevada con el mismo golpe de acústica todo el rato y sin embargo logrando crecer en el estribillo y alcanzar sin problemas esa épica típicamente R.E.M. que en Out of Time alcanza, a mi entender, su mayor momento de gloria. Esta canción es un monumento.

No se reinventaban como U2 con Achtung Baby, pero eran la banda de culto en todo el planeta, y en 1992 se llevaron el Grammy al Mejor Álbum de Música Alternativa por Out of time y al Mejor Single del Año por “Losing my religion”. Que no son dos gramos cualquiera.
“Texarkana” nos devolvía a los REM del 83, una canción que era puro Murmur, conservando intacto el vitalismo, el rodaje de canción de carretera y de pub, algo que a día de hoy no puedo comparar con ninguna otra banda. No, no se me ocurre ninguna otra banda de pop rock con esa capacidad de escribir una canción que funcione igual en un club, en un coche, para bailar, en un estadio… que guste igual a mujeres y hombres… no sé, hay muchas cosas de R.E.M. que me surgen re escuchando esta maravilla llamada Out of Time. Y una de ellas es el convencimiento de que estamos ante el grupo total, como los Beatles lo fueron en su día. Con una capacidad y un impulso fuera de lo común. Enérgicos, vitalistas, melancólicos, positivos, rotundos, épicos… aquí, “Texarkana” es sólo un ejemplo, quizás modesto, pero para mi brutal a nivel genérico, porque los define en un momento muy concreto donde las luces de la historia del rock les apuntaban directamente a los ojos.

“Country Feedback”, rural, parca, aparentemente mal ensamblada, desliza mil detalles desde una oscuridad que no había aparecido en todo el disco. Podría ser un descarte, nunca un single, pero a esa altura el disco ya no tenía tacha posible. Y más cuando abren el estribillo una vez más, repitiéndolo, con un solo de guitarra disonante por detrás de un lánguido Stipe, escupiendo barbaridades. Ese momento introspectivo de R.E.M. donde desnudan todas sus inseguridades y sus maldiciones está aquí, y en su segunda estrofa ya no puedes dejar de fijarte en cómo está fluyendo todo, desde una épica deformada, lacónica, difícil de asumir. Imperceptible percusión, bajo, acústica suelta, solo velvetiano, y un hammond de fondo. De manual. Cojonuda.

El disco acaba con “Me in Honey”, un tema de pop directo, recio, ligerísimamente psicodélico, que amenaza con no explotar gracias a una estrofa que es un hallazgo, otro más. Estribillo al servicio de la estrofa, repitiendo estructura, hasta el coro final de Kate Pierson, que nos trae a la mente todo lo bueno que han dejado atrás en los surcos de un álbum perfecto.

Termina un disco capaz de marcar vidas.

Menuda chapa. Lo siento. Hoy me han asaltado los recuerdos.

Joder cómo escribís la hostia. A veces me pregunto qué cojones hago yo en este foro, dónde lo la única opinión que puedo dar es si me gusta o no me gusta un disco o un grupo.

Enorrrrrrrrrrrme Molti.

yo tengo ese complejo pero es la realidad: no tengo ni puta idea de escribir en comparación con estos cracks, no paso de las dos líneas. da gusto leerles

(no seas tonto, eres un jefe en el foro luis )

led zepp escribió:

deniztek escribió:near wild heaven

celestial.

Musicalmente muy enriquecido este tema..

¿cueces o enriqueces?

a mí, en cambio, me parece de los más "sencillos". pero no quiere decir que sea moco de pavo, también el "be my baby" de las ronettes puede parecer sencillo pero no debe fácil componer temas así de buenos

a mí, al contrario que a Molti, me gusta mucho belong

Excelente reseña.

(Aunque no es que Stipe cante con nasalidad en Near Wild Heaven, es que quien canta es Mills. Es lo que me distingue a este disco: tenemos dos cantadas de mi REM predilecto).

Con Shinny Happy People estoy en la línea de Deniz y en lo demás plenamente identificado con Molti.

Un disco víctima de la pedantería del fan primigenio, los celos de quien ve su tesoro compartido por todo el barrio.

deniztek escribió:

led zepp escribió:

deniztek escribió:near wild heaven

celestial.

Musicalmente muy enriquecido este tema..

¿cueces o enriqueces?

a mí, en cambio, me parece de los más "sencillos". pero no quiere decir que sea moco de pavo, también el "be my baby" de las ronettes puede parecer sencillo pero no debe fácil componer temas así de buenos

Al margen culinario lo que queda es la musica mejor enriquecida..

Moltisanti escribió:

Siempre he pensado mucho en dos conceptos dentro del rock que gozaron de una importancia capital en los tiempos en que aprendí a amarlo:
1. Cómo empezar un disco; y
2. Los singles

Si hay algo de lo que puede presumir “Out of time” de R.E.M., es de tener ambas cosas cubiertas de forma soberbia, magnánima.
Siempre me gustó mucho “Radio Song”, incluida la parte rap con ese “feat. FRS-One”. Lo tiene todo para empezar: un arpegio mítico, una línea vocal épica, un desarrollo funk pop fluido, perspicaz, con un puente donde empiezan a surgir los fraseos del rapero, desembocando en el estribillo que antes fue la intro. Violines, suenan violines, en una canción que tiene una de las líneas de bajo más claras y divertidas de estos primeros 90, tan llenos de gozo, de barbaridades musicales ya en forma de CD. ¿Trompetas? Es igual, el dominio del terreno “single” es absoluto. Sería absurdo ponerle pegas a una canción así. Siempre la adoré, cuando a muchos les parecía previsible empezar un programa de radio de pop 90’s con este tema. ¿Se os ocurre otro mejor?

Termina el rapero con su monserga y empezamos a hablar en serio, con esos dos golpes de caja y el riff de mandolina más famoso de la historia. Tema polémico este porque a la Iglesia (no sé identificar ahora mismo cuál) siempre le pican las cosas más absurdas, como otro gran tema de este, acaso el gran año de la música rock, pero en cualquier caso excepcional 1991, “Jesus Christ Pose” de Soundgarden. Un día es la Iglesia, al día siguiente la MTV. Desarrollo perfecto, una banda en su mejor momento, escribiendo la historia, grabando canciones de clara vocación comercial sin perder credibilidad, como esta joya que marcó mis primeras tardes de discoteca, las escapadas furtivas, los primeros besos con sabor a cigarrillo y a Martini, los primeros encierros serios con el hachís, los amores que rompimos antes de estrenar. “That was just a dream”. Y sí, ese soy yo en el rincón, perdiendo parte de la inocencia.

El 19 de febrero de 1991 aparecía en las radios de todo el mundo el sencillo “Losing my religion”. Recuerdo, Stipe sostiene que su carrera se divide en “antes de Losing My Religion y después de Losing My Religion”. Antes de esa canción, R.E.M. era una banda de culto de amplio seguimiento, “girando diez meses al año. Con respecto al éxito”, en palabras del propio Stipe, “aun se nos consideraba en una liga menor. Después, tuvimos hit singles, discos de platino, estábamos en todas las portadas de cualquier clase de revista, y, al menos durante un par de años, fuimos una de las bandas más grandes del mundo”. Pero Stipe no era de la clase de músicos que se autoengañan. “Todo lo cual es irrelevante”, afirma, “y cuando pienso en ‘Losing My Religion’, pienso sobre el proceso de composición y grabación, y fue como un sueño alcanzado sin esfuerzo. La música la escribimos en cinco minutos; la primera vez que la tocamos, todo encajó perfectamente”. La letra de Michael estaba terminada en una hora, y mientras tocaban la canción por tercera o cuarta vez, se encontraron con un encaje perfecto. Así, “Losing my religion” se convierte en una especie de arquetipo de canción que se encontraba flotando en el espacio y que ellos fueron capaces de echarle el lazo. “Si toda la escritura de canciones fuese tan fácil…”

En aquella época las radios ponían a todas horas “The show must go on” de Queen y “Should I Stay or Should I Go” de The Clash, una single que había sido relanzado (ya tenía casi una década de vida) aprovechando la salida de un recopilatorio y un anuncio de vaqueros. Y junto a Queen y The Clash, R.E.M. aparecían con una firmeza desconocida en ellos, acaparándolo todo, incluso la polémica. Como decía, el video de “Losing my religion” cabreó a la Iglesia Católica, por reflejar “dudas” en la letra de la canción y sus correspondientes imágenes. Pero no había nada mayor escándalo que el de los fans que se sintieron decepcionados al ver cómo R.E.M. trascendían su audiencia original de aficionados a las radios universitarias. Preguntado sobre si la nueva trascendencia adquirida podía alienar a sus fans más antiguos, Peter Buck le dijo a Rolling Stone que “la gente que cambió de idea por ‘Losing My Religion’ pueden simplemente besarme el culo”.

Nunca me gustó demasiado “Low”. Evidentemente, debido a mi falta de formación en música psicodélica y sin duda marcado por un inicio de disco tan accesible y melódico, hasta la “ruptura” del estribillo, si cabe llamarse así, ese arpegio y ese hammond y esa voz grave de Stipe narrando una de sus historias oníricas con el punto críptico tan característico de él, era una invitación a la mueca de disgusto para los neófitos. Aun me faltaba por descubrir muchas cosas de la música en general y de ellos en particular, pero aquel tema no era fácil. Lo escucho hoy y por lo menos lo entiendo, pero sin duda es una forma de romper un camino que llevaba camino de ser ¿empalagoso? Para mi, la palabra sería memorable, histórico, de obra maestra incontestable. Como canción, “Low” podrá ser muchas cosas, pero nunca incontestable. Es rara y difusa, y en el contexto de la banda funciona, pero en el contexto del disco no.

Pronto encontraba el gozo de nuevo con esa gema llamada “Near Wild Heaven”. El asunto, mi asunto con REM, era esa mezcla agridulce de su característico optimismo pop new wave y el tono melancólico de sus líneas vocales y de sus arpegios. El cielo se abre en sus estribillos, se me ocurren pocos grupos que tengan mejores coros en sus canciones, pero de pronto un nuevo verso te pone la nube negra encima, y lo más criminal del asunto es que la disfrutas como un puerco. Ese tono nasal, Stipe, ese tono nasal marcó nuestra vida, porque también eras capaz de darnos la alegría. Demonios, quién puede no pensar en series juveniles, en series con nombre de cinco cifras, cuando escucha esta canción o alguna otra. Sí, años después sabríamos que a las dulces y risueñas protagonistas de esas series se las había pasado por la piedra Don Vince Neil, y años después también sabríamos quién era Jeffrey Lee Pierce y algunos amigos se quedaron en el camino o incluso caminaron en el wild side, pero si has nacido en 1976 y te gusta “Out of time”, sabes quién cojones era Dylan McKey. O si no, te lo inventas.

El instrumental “Endgame” siempre me pareció fabuloso. A día de hoy, me parece una de las piezas más necesarias para comprender por qué este disco es una obra magna de su tiempo. Todo lo que incluye está dentro de mis parámetros de grandilocuencia, desde los coros (“parararara…”) a los arpegios de acústicas, el tono de música medieval, los instrumentos de viento y cuerda cabalgando libres por el bosque, y una nueva ruptura para repetir el pequeño punteo/arpegio de acústica, ahora con un cambio hacia un puente nuevamente celestial, con Stipe creciendo simplemente haciendo un gorgorito. Magistral. Sublime. Supongo que aquello no le gustaba a nadie pero menos mal que en poco tiempo llegaría el “Loaded” y el homónimo de la Velvet para hacerme comprender por qué gozaba tanto con canciones como esta. Extrañamente, tardaría años en tener y adorar “The Village Green Preservation Society” de los Kinks, pero años después, cuando lo miro todo en perspectiva, encaja, joder, encaja del todo. Cómo me gusta el pop.

¿Alguien ha dicho pop? En fin, “Shiny Happy People”. La MAESTRÍA. La CADENCIA. La CONSTRUCCIÓN PERFECTA. Estado de gracia. Encantado de conocerte Kate Pierson, no tenía el placer. Esta canción es un manual en sí misma. Un manual de cómo encajar partes (intro, versos, puentes, estribillos, pasajes instrumentales), de cómo hacer coros, de cómo tocar la guitarra eléctrica y hacer de un arpegio un riff que haga historia, un manual de cómo acelerar y bajar el ritmo… maravillosa. Sigue sonando a día de hoy, aun radiada hasta la saciedad, sobada hasta el vómito… da igual. Es GLORIOSA. Ante algo como esto, sólo se puede dar las gracias a los creadores, porque, demonios, esto es ARTE EN 3 MINUTOS.

Nuevamente, “Belong” era una tocada de pelotas para mí. El tono ochentero y new wave era lo que no entendía. A día de hoy, le cojo el punto antes, pero por mera acumulación de experiencias auditivas, no porque la considere a la altura de sus compañeras de disco, o siquiera a la altura de su propio legado. Simplemente, como canción “no explotada” de un disco sobreexpuesto, merece el parabién por su mera estructura, de versos hablados sobre un nuevo arpegio construido con sabiduría, un estribillo épico a base de coros y un bajo (como siempre en este grupo) sostenido sensacional. La canción ha ganado con el tiempo, claramente. Se ha ganado, quizás, un estatus nuevo, en el contexto de lo desconocido dentro de un disco demasiado conocido, aunque merecidamente famoso y vendedor. En un año de grandes bombazos, el disco sale a la venta el 12 de marzo de 1991 y a día de hoy, recordemos, ha vendido más de 15 millones de copias en todo el mundo, 4 millones en los USA. No está mal para una banda de pueblo universitario. Al poco de salir a la venta quedó claro que había trascendido los límites de ser un simple disco de rock alternativo, y aunque la banda declinó girar para promocionarlo, sí visitó estaciones de radio, dio numerosas entrevistas e hizo apariciones en la MTV para presentarlo.

“Half a world away”, en fin. Otra maravilla a base de acústica y mandolina, básicamente folk, un 3 por 4 bellísimo. Qué curioso escucharlo hoy y pensar que quizás haya tenido siempre esta canción en la cabeza para componer según qué cosas… pero no, no colaré más promoción en el texto, que se me ve el plumero. Preciosa, algo triste, magníficamente llevada con el mismo golpe de acústica todo el rato y sin embargo logrando crecer en el estribillo y alcanzar sin problemas esa épica típicamente R.E.M. que en Out of Time alcanza, a mi entender, su mayor momento de gloria. Esta canción es un monumento.

No se reinventaban como U2 con Achtung Baby, pero eran la banda de culto en todo el planeta, y en 1992 se llevaron el Grammy al Mejor Álbum de Música Alternativa por Out of time y al Mejor Single del Año por “Losing my religion”. Que no son dos gramos cualquiera.
“Texarkana” nos devolvía a los REM del 83, una canción que era puro Murmur, conservando intacto el vitalismo, el rodaje de canción de carretera y de pub, algo que a día de hoy no puedo comparar con ninguna otra banda. No, no se me ocurre ninguna otra banda de pop rock con esa capacidad de escribir una canción que funcione igual en un club, en un coche, para bailar, en un estadio… que guste igual a mujeres y hombres… no sé, hay muchas cosas de R.E.M. que me surgen re escuchando esta maravilla llamada Out of Time. Y una de ellas es el convencimiento de que estamos ante el grupo total, como los Beatles lo fueron en su día. Con una capacidad y un impulso fuera de lo común. Enérgicos, vitalistas, melancólicos, positivos, rotundos, épicos… aquí, “Texarkana” es sólo un ejemplo, quizás modesto, pero para mi brutal a nivel genérico, porque los define en un momento muy concreto donde las luces de la historia del rock les apuntaban directamente a los ojos.

“Country Feedback”, rural, parca, aparentemente mal ensamblada, desliza mil detalles desde una oscuridad que no había aparecido en todo el disco. Podría ser un descarte, nunca un single, pero a esa altura el disco ya no tenía tacha posible. Y más cuando abren el estribillo una vez más, repitiéndolo, con un solo de guitarra disonante por detrás de un lánguido Stipe, escupiendo barbaridades. Ese momento introspectivo de R.E.M. donde desnudan todas sus inseguridades y sus maldiciones está aquí, y en su segunda estrofa ya no puedes dejar de fijarte en cómo está fluyendo todo, desde una épica deformada, lacónica, difícil de asumir. Imperceptible percusión, bajo, acústica suelta, solo velvetiano, y un hammond de fondo. De manual. Cojonuda.

El disco acaba con “Me in Honey”, un tema de pop directo, recio, ligerísimamente psicodélico, que amenaza con no explotar gracias a una estrofa que es un hallazgo, otro más. Estribillo al servicio de la estrofa, repitiendo estructura, hasta el coro final de Kate Pierson, que nos trae a la mente todo lo bueno que han dejado atrás en los surcos de un álbum perfecto.

Termina un disco capaz de marcar vidas.

Menuda chapa. Lo siento. Hoy me han asaltado los recuerdos.

Después de leer a Molti, creo que le voy a dar otra oportunidad a uno de mis discos "menos preferidos" de REM. Me he sentido bastante identificado en muchas cosas, sobre todo en el principio de la reseña. Seguramente sea cuestión generacional, y es que cuando tienes 16/17 años muchas cosas te marcan "de por vida". Y la música de ese año 1991 desde luego caló muy muy hondo. De todas formas creo que como conjunto, el disco flojea algo en varios puntos (por supuesto en mi opinión). Near wild heaven, Belong y Texarkana bajan el nivel del disco para mí.
Está claro que mantener el nivel de cortes como Half a world away, Country feedback (mis dos temas preferidos del disco, dos auténticas joyas "ocultas" en su disco más universal), Radio Song, Me in honey, Losing my religion (con poco que añadir, una canción pop perfecta a pesar de su sobre-explotación) es casi imposible. Ni siquiera para un grupo en absoluto estado de gracia como eran ellos en 1991. Seguramente si hubieran hecho gira en ese disco y en el Automatic, hubieran llenado estadios de 40.000 personas sin demasiada dificultad. No sólo en EEUU, sino también en Europa. Seguro que hubieran podido petar hasta Wembley. No lo necesitaban, no les apetecía o no se sentían cómodos. No sé cual fue la razón. Juzgar a toro pasado es fácil, pero lo jodido es tomar las decisiones en su momento...y acertar, claro. Ellos prefirieron seguir su propio camino, no el que les marcaba la discográfica
Es difícil que se pueda contentar a todo el mundo. En ese momento, la gente que les seguía renegó en parte de ellos por pasar a sonar en todo tipo de emisoras. Por otro lado, muchísima gente les conoció por ese gran pelotazo que pegaron (entre los que me incluyo). Yo soy de los que prefiere valorar las cosas en su conjunto.
Me gusta mucho la reseña de Molti, y en cuanto llegue a casa lo volveré a escuchar con muchas ganas.

qué grandes los REM, amigo jesus! que tres temas como near wild heaven, belong y texarkana puedan bajar el nivel de un disco los hace aun más grandiosos

bravo!!

R.E.M. es uno de mis grupos favoritos de la vida. Mi disco preferido es Murmur. Llego tarde para escribir una reseña, por lo que veo. Apenas he paseado los ojos por este post, aunque debería, porque aparte de inabarcable también parece muy jugoso.

deniztek escribió:

qué grandes los REM, amigo jesus! que tres temas como near wild heaven, belong y texarkana puedan bajar el nivel de un disco los hace aun más grandiosos

Sin olvidarnos de Low..

Rhonda escribió:R.E.M. es uno de mis grupos favoritos de la vida. Mi disco preferido es Murmur. Llego tarde para escribir una reseña, por lo que veo. Apenas he paseado los ojos por este post, aunque debería, porque aparte de inabarcable también parece muy jugoso.

Quieres hacer la reseña de Acelerate o Collapse estan libres?..

led zepp escribió:

deniztek escribió:

qué grandes los REM, amigo jesus! que tres temas como near wild heaven, belong y texarkana puedan bajar el nivel de un disco los hace aun más grandiosos

Sin olvidarnos de Low..

me refiero a que Jesús ha citado esos tres temas como los que menos le gustan del album. en cambio, son de mis favoritos.

en el tema low me imagino que sí debemos coincidir.

deniztek escribió:

led zepp escribió:

deniztek escribió:

qué grandes los REM, amigo jesus! que tres temas como near wild heaven, belong y texarkana puedan bajar el nivel de un disco los hace aun más grandiosos

Sin olvidarnos de Low..

me refiero a que Jesús ha citado esos tres temas como los que menos le gustan del album. en cambio, son de mis favoritos.

en el tema low me imagino que sí debemos coincidir.

A mi tambien me gustan esos tres temas,aparte de los ya conocidos..

led zepp escribió:

deniztek escribió:

led zepp escribió:

deniztek escribió:

qué grandes los REM, amigo jesus! que tres temas como near wild heaven, belong y texarkana puedan bajar el nivel de un disco los hace aun más grandiosos

Sin olvidarnos de Low..

me refiero a que Jesús ha citado esos tres temas como los que menos le gustan del album. en cambio, son de mis favoritos.

en el tema low me imagino que sí debemos coincidir.

A mi tambien me gustan esos tres temas,aparte de los ya conocidos..

¿qué me dices de shiny happy people? ¿qué opinas?

en una banda que no hacía concesiones esta tal vez sea la excepción..al menos en mi opinión.

deniztek escribió:

led zepp escribió:

deniztek escribió:

led zepp escribió:

deniztek escribió:

qué grandes los REM, amigo jesus! que tres temas como near wild heaven, belong y texarkana puedan bajar el nivel de un disco los hace aun más grandiosos

Sin olvidarnos de Low..

me refiero a que Jesús ha citado esos tres temas como los que menos le gustan del album. en cambio, son de mis favoritos.

en el tema low me imagino que sí debemos coincidir.

A mi tambien me gustan esos tres temas,aparte de los ya conocidos..

¿qué me dices de shiny happy people? ¿qué opinas?

en una banda que no hacía concesiones esta tal vez sea la excepción..al menos en mi opinión.

Cuando salió el disco lo compré y era uno de mis temas favoritos,pero a dia de hoy ya no me gusta tanto..

Bravo Sal. Bravo Monti. Ambas reseñas fantásticas, ambos discos enormes. No tengo mucho tiempo para comentar ahora, en breve espero poder hacerlo. Y en una semana o así pongo lo mío con AFTP, aunque viendo el listón que habéis puesto, tengo chungo hacer algo decente.

deniztek escribió:

qué grandes los REM, amigo jesus! que tres temas como near wild heaven, belong y texarkana puedan bajar el nivel de un disco los hace aun más grandiosos

Creo que tienes toda la razón Deniz. Suele pasar que a los mejores siempre se les pone el listón muy alto