ÚLTIMA EXPOSICIÓN QUE HAS VISTO.

Refrescospepito escribió:

PUNK. SUS RASTROS EN EL ARTE CONTEMPORÁNEO.
Centro de Arte Dos de Mayo, Móstoles, Madrid.
Hasta el 4 de octubre de 2015.


Chris Barden. Sus acciones automutilándose su propio cuerpo a principios de los sesenta. Corta su cuerpo. Rodea sus testículos con un sedal de pesca. Se hace disparar un tiro en el hombro.
Nan Goldin se autorretrata después de recibir una paliza de su novio.
Dan Graham, "Don't trust anyone over 30", "Rock my religion". La primera, una especie de ópera de marionetas con música en vivo, vídeo-instalaciones etc. La segunda, célebre documental sobre el rock y sus concomitancias con la religión.
Body Bouble 16 de Brice Dellsperger. El artista se dobla y se tripla a sí mismo representando varias escenas de películas donde la violencia hace su aparición, como "LA naranja mecánica" o "Mujeres enamoradas".
Itziar Okariz y sus acciones meando, de pie, en sitios emblemáticos como el Puente de Brooklyn, Nueva York. Sexy.

Refrescospepito escribió:

Refrescospepito escribió:

PUNK. SUS RASTROS EN EL ARTE CONTEMPORÁNEO.
Centro de Arte Dos de Mayo, Móstoles, Madrid.
Hasta el 4 de octubre de 2015.


Chris Barden. Sus acciones automutilándose su propio cuerpo a principios de los sesenta. Corta su cuerpo. Rodea sus testículos con un sedal de pesca. Se hace disparar un tiro en el hombro.
Nan Goldin se autorretrata después de recibir una paliza de su novio.
Dan Graham, "Don't trust anyone over 30", "Rock my religion". La primera, una especie de ópera de marionetas con música en vivo, vídeo-instalaciones etc. La segunda, célebre documental sobre el rock y sus concomitancias con la religión.
Body Bouble 16 de Brice Dellsperger. El artista se dobla y se tripla a sí mismo representando varias escenas de películas donde la violencia hace su aparición, como "LA naranja mecánica" o "Mujeres enamoradas".
Itziar Okariz y sus acciones meando, de pie, en sitios emblemáticos como el Puente de Brooklyn, Nueva York. Sexy.

DETEXT Ikea or die. A map of Guatemala made with 9 mm casings, 2013 Casquillos de 9 mm. Los artistas recogieron cientos de casquillos de bala esparcidos por Guatemala y confeccionaron una ilmpresionante alfombra con la forma de ese país

Refrescospepito escribió:

Refrescospepito escribió:

Refrescospepito escribió:

PUNK. SUS RASTROS EN EL ARTE CONTEMPORÁNEO.
Centro de Arte Dos de Mayo, Móstoles, Madrid.
Hasta el 4 de octubre de 2015.
Entrada libre.


Chris Barden. Sus acciones automutilándose su propio cuerpo a principios de los sesenta. Corta su cuerpo. Rodea sus testículos con un sedal de pesca. Se hace disparar un tiro en el hombro.
Nan Goldin se autorretrata después de recibir una paliza de su novio.
Dan Graham, "Don't trust anyone over 30", "Rock my religion". La primera, una especie de ópera de marionetas con música en vivo, vídeo-instalaciones etc. La segunda, célebre documental sobre el rock y sus concomitancias con la religión.
Body Bouble 16 de Brice Dellsperger. El artista se dobla y se tripla a sí mismo representando varias escenas de películas donde la violencia hace su aparición, como "LA naranja mecánica" o "Mujeres enamoradas".
Itziar Okariz y sus acciones meando, de pie, en sitios emblemáticos como el Puente de Brooklyn, Nueva York. Sexy.

DETEXT Ikea or die. A map of Guatemala made with 9 mm casings, 2013 Casquillos de 9 mm. Los artistas recogieron cientos de casquillos de bala esparcidos por Guatemala y confeccionaron una ilmpresionante alfombra con la forma de ese país

JOrdi Colomer y su obra, un coche de los años setenta en cuyo capó hay colocado un cartel hecho con bombillas donde pueden leerse las palabras NO FUTURE, y que se encuentra al principio de la exposición.

colorista escribió:Refrescos, pásate por el post de mi libro, que sé por lo que te he leído que te puede molar mucho!!

Refrescospepito escribió:

FUEGO BLANCO. La colección moderna del Museo Basel de Basilea, Suiza.
Museo Reina Sofía, Madrid.
Hasta el 14 de septiembre de 2015.
6 euros. Gratis para desempleados.
No audio-guía (por el momento).


El museo suizo de Basilea, una de las mejores pinacotecas de Europa, esta en obras y, por tal motivo (y para seguir ganando pasta y sacando rendimiento a sus fondos) ha desgranado sus colecciones por diversos museos y salas europeos, en préstamo, hasta que el edificio que alberga normalmente sus cuadros se restablezca.
A España y, concretamente, al Reina Sofía, le ha tocado la colección de arte moderno del siglo XX, con lo que es una estupenda oportunidad para ver cuadros que difícilmente podrán de nuevo contemplarse fuera de los marcos del museo suizo.

Empieza la cosa con dos curiosonos lienzos demimon´nicos de anronld Bödlin de 1859, "Pan asustando a un pastor" y "Mandte Müssen", casi un Van Gogh.

Un Picasso, "La Guéridon", 1913.

Varios Braqué, al que nunca acabé de cogerle el punto.

Muy bueno el Juan Gris, "La femme á la Mandolina", 1916.


Ah, Albersi, Teho von Doesburg, Vantangaloo, desciendientes del gran Mondrian.

Y un Mondrian, cómo no, "Composición1 avec rougte et noir", de 1929. Impresionante. Sin palabras.

Bonnet Newman, "ere III", 1965-66. Muy bien.

Otro vídeo de Bruce Neuman, "Flesh to White to black to flesh", 1968.

Un Warhol, "Optical car Crash," 19623, serigrafía (recoremos que antes lo invenetó un tal e, incluso,´¨oscar Domínguez).

Jasper Johns, Fabuloso su "Figura nº 2", con ceras, óleos, tiza, collage.

Gerhard Richter, increíble "Mtotorborad", 1965, hiperrealista.

Grandiose Léger con su Natura Morte, 1926. Casi "chagaliano" en el impresionante "Les Acrobats dans le cirque", 1928.
"La damme en bleu".

En "Construcción con un cubo" de Max Bill, 1944-45, que casi parece un anuncio de Areslux o de La 2 de TVE. Escultura con cartón y madera.

Fabuloso el "Untitled", 1962, Mark Rothko. Un cuadro de negro sobre negro que es que es no cansarse uno de verlo y admirarlo y, cuando tu vista por fin se ajusta y acostumbra a tanta negritud, ves muchas más cosas. Un cuadro con un curioso efecto bálsamo.



Agnes Martin, "Park", 1969, casi un contrapunto al Rothko.



Curiosas piezas de On Kanawa.

Y los cubos de Donald Judd, "Untitled"; 1969 y 1962, soberbio este último, óleo sobre madera con hierro galvanizado y aluminio.

Carl André, "Cedar Piece", 1959-64, una "X" hecha con madera de cedro, hueco por dentro.

Walter de Maria, "Suicide"; 1967.

Vídeo: Una poreycción de STeve McQueen, "Illumination", 2002, que es una tomadura de pelo.

Vídeo: Gordon Mattta Clark, "Program", 1974. Otro que tal...

Vídeo de Pierre Huyghe, "This is not time for dreaming", 2004; un espectáculo de marionetas grabado en vídeo que habla sobre el único edificio de Le Corbusier en Estados Unidos y la inauguración de ese edificio con música de Xenekis, Vaèse y.. ¡Charles Trenent!. Curioso.

Los estupendos Giacometti, cóm no, con sus esculturas de cabezas humanas, sus figuras largas y delgadísimas y un impresionante "Le chat". Muy especial el "Tête qui regard", 1928, en bronce.

Marivollosos Klees, sutiles y delicados, como casi siempre. "Gartentork", 1932; "Ein Blatt aus dem Städbuch", 1928. Y un cuadro fuera de su estilo habitual, "Reich er Hafen", 1938 y que anunciaba poderosamente a ese artista de Pensilvania pero de corazón neoyorquino y aficionado al bestialismo llamado Keith Haring.

Fabuloso y extraño, "as usual", Jean Dubuffet, con su "Portrait Fluidique", 1950.

"Kleiner Baum", 1917, de Max Ernst, estupendo, casi una miniatura.

Los fantásticos cuadros, fascinantes, de Jean Arp, con todos esos relieves, especialmente "Torso pré adamic", 1938, escultura en piedra caliza rosa de Porriño.

"Spritzes Scharz", 1931, uno de los pocos Kandiskys que me gustan, al igual que "La Fleche", 1943.

Este estuepondo Kirchner, "Davos in Winter", 1923, con ese estilo "picado".

Curiosa escultura en madera policromada "Zwie Mädchen" de Müller, 1924-25.
Y otra madera, "Penthe sileo", de Herman Scheer. A destacar.

Cómo obviar un espectacular Munch, "Strase in Argaanstadt", 1901. Y la gran mancha que es "Küstenlandschaft", 1928, casi abstracto, casi un cuadro de aficionado o copia mala que tendría cualquiera en casa pero que a mí me fascina.



Max Beckman y su porto-hiperrealismo. Un primor. "Das Nizza in Frankfurt am Main", 1921.

Formidable Oskar Schemmer, cuyo "Fünf Figuren in Raum", 1925, recuerda a cierto cuadro...

Curioso Dieter Roth y sus cuadros enmohecidos que necesitan de la acción del tiempo para cambiar. ----> Conexión aquí con aquella fabulosa expo que hace años dedicó La Casa Encendida al "arte efímero".
En esta sala, la última que yo vi, curiosos los ingenios mecánicos de Jean Tingueley, años 60.

En general, un muy buena exposición que se recorre en poco menos de tres horas.

Continúa en la cuarta planta del museo, con la sala dedicada a las colecciones, como vimos anteriormente.

Yo le doy un  

perrosajón escribió:No es una exposición como tal, es un documental sobre la reforma del Rijksmuseum de Amsterdam.

Lo vi hace unos meses y hablé de él en el topic del viajero, pero este fin de semana entrevistaban en El Pais al director del Rijksmuseum y lo he vuelto a ver.

El artículo de El Pais no sé como conseguirlo para colgarlo aquí, pero el director habla de los nuevos tiempos que corren respecto a como gestionar un turismo de masas que invade los museos.


En el documental se muestra como gestionaron la reforma de su museo, selección de obras de arte " gancho" que atren a miles de visitantes frente otras no tan conocidas que merecen una oportunidad, fondos del museo que no se sabe cuando se colgarán en una sala...

Muy entretenido y recomendable de ver, tanto si se tiene en mente un próximo viaje a Amsterdam como si no.

Joe Yamanaka escribió:Exposicion de momias en el parque de las ciencias de granada, los niños disfrutaron con todo lo demas pero yo disfrute con esta especialmente, decian que les daba miedo y con razon.....



el caso es que la luz era bastante mas tenebrosa de como sale en la foto, todo bastante ideal.

Koikila escribió:World Press Photo. Hay fotografías verdaderamente impresionantes, pero la que más me ha gustado ha sido esta



Eso sí es captar el instante, la mirada de Messi a la copa perdida lo dice todo.

perrosajón escribió:Alex Katz - Guggenheim Bilbao

Me ha gustado la exposición, fundamentalmente paisajes en formatos de gran tamaño.

De las veces que más me he disfrutado la audioguia ( incluida en el precio de la entrada ) a la hora de explicar cuadro por cuadro, las influencias y el método que seguía Katz.

Artista pre-Pop Art, como le gustaba a él definirse.




La
Exposición

23 de octubre, 2015 – 7 de febrero, 2016

La obra del pintor Alex Katz (Brooklyn, 1927) se inscribe tanto en el canon del arte estadounidense posterior a la Segunda Guerra Mundial como en la vanguardia pictórica actual. Katz se introduce en la escena artística como pintor figurativo en la década de 1950, un período en el que impera la abstracción, desafiando así a la crítica que rechazaba las imágenes en el arte y, especialmente, la figuración. Aunque Katz no asumió el abandono de la imagen que propugnaba el Expresionismo Abstracto, sí adoptó la energía y lógica formal de este movimiento.

El artista buscaba la ejecución de una obra pictórica rápida, activa en un sentido físico, inspirada en la pintura de acción (que tiene algo de danza) de Jackson Pollock, cuyas composiciones “totales” fueron una revelación para él. Katz explica su objetivo como el empeño por atrapar en su obra “las cosas fugaces que pasan”. Con su característico estilo ─definido por los colores planos, la escasa profundidad del espacio pictórico y el empleo de una línea fina y escueta pero sumamente descriptiva─, pretende reflejar la apariencia de las cosas tal y como se sienten y se perciben “en el tiempo presente”, en el ahora.

Aunque se le conoce principalmente por sus retratos, Katz ha pintado paisajes desde comienzos de su carrera, tanto en el interior de su estudio como al aire libre. Alex Katz, aquí y ahora explora la evolución del paisaje en su trayectoria, desde las obras formativas de sus inicios hasta el protagonismo que toma en su arte en los últimos veinticinco años.

Refrescospepito escribió:

perrosajón escribió:Alex Katz - Guggenheim Bilbao

Me ha gustado la exposición, fundamentalmente paisajes en formatos de gran tamaño.

De las veces que más me he disfrutado la audioguia ( incluida en el precio de la entrada ) a la hora de explicar cuadro por cuadro, las influencias y el método que seguía Katz.

Artista pre-Pop Art, como le gustaba a él definirse.




La
Exposición

23 de octubre, 2015 – 7 de febrero, 2016

La obra del pintor Alex Katz (Brooklyn, 1927) se inscribe tanto en el canon del arte estadounidense posterior a la Segunda Guerra Mundial como en la vanguardia pictórica actual. Katz se introduce en la escena artística como pintor figurativo en la década de 1950, un período en el que impera la abstracción, desafiando así a la crítica que rechazaba las imágenes en el arte y, especialmente, la figuración. Aunque Katz no asumió el abandono de la imagen que propugnaba el Expresionismo Abstracto, sí adoptó la energía y lógica formal de este movimiento.

El artista buscaba la ejecución de una obra pictórica rápida, activa en un sentido físico, inspirada en la pintura de acción (que tiene algo de danza) de Jackson Pollock, cuyas composiciones “totales” fueron una revelación para él. Katz explica su objetivo como el empeño por atrapar en su obra “las cosas fugaces que pasan”. Con su característico estilo ─definido por los colores planos, la escasa profundidad del espacio pictórico y el empleo de una línea fina y escueta pero sumamente descriptiva─, pretende reflejar la apariencia de las cosas tal y como se sienten y se perciben “en el tiempo presente”, en el ahora.

Aunque se le conoce principalmente por sus retratos, Katz ha pintado paisajes desde comienzos de su carrera, tanto en el interior de su estudio como al aire libre. Alex Katz, aquí y ahora explora la evolución del paisaje en su trayectoria, desde las obras formativas de sus inicios hasta el protagonismo que toma en su arte en los últimos veinticinco años.

Gracias por tu aportación, Perrosajón, y has hecho una crítica realmente estupenda, de quitarse el sombrero; desde luego, mucho mejor que las que yo podría hacer.
Desde mi amor por el arte y mis continuas lecturas, está claro que me falta el rasgo académico, y eso es a todas luces notario.

Y esa expo pinta muy bien.
Me encanta el Guggen y he ido muchas veces. A ver si pronto me paso por Bilbao, que siempre es un  placer, y veo esta expo.

Gracias.

Refrescospepito escribió:LA ILUSIÓN DEL LEJANO OESTE.
Museo Thyssen-Bornemisza, Madrid.
Hasta el 7 de febrero de 2015.
10€. Gratis para desempleados.


Una curiosa y bastante tétrica exposición sobre, precisamente, ese Lejano Oeste idealizado y cómo se formó.

Es la ilusión de uno de los máximos conocedores y coleccionistas  de ítems relacionados con el wéstern que hay en España, Miguel Ángel Blanco, comisario, también, de esta exposición.

En unas seis salas, Miguel Ángel Blanco trata de explicar qué es eso que llamamos el Lejano Oeste y de qué se compone.

1º) EXPLORAR EL NUEVO MUNDO.
Antes de que los colonos le pegaran fuego a la América ancestral, los primeros pobladores fueron, cómo no, los españoles y, luego, otros pobladores europeos que desde Florida y Nuevo México se extendieron por el medio oeste y la  hoy llamada Costa Oeste en busca de hipotéticas riquezas de oro y piedras preciosas.
Esta sala enseña mapas de época, siglo XVI y restos de animales y de esas primeras colonizaciones.

Pero no fue hasta la llegada del año 1803, cuando Thomas Jefferson compra Luisiana y empieza la expansión bestial en lo que en Estados Unidos se conocía como La Frontera, y era esa frontera con territorios entonces mexicanos como era toda la Costa Oeste.



2º) PUEBLOS Y PAISAJES INÉDITOS.
Esta sala propone que la ilusión romántica por un Lejano Oeste arranca ya en 1862, justo cuando la expansión desmedida de los colonos hacia el Atlántico fue acabando con los recursos humanos y naturales y ya para aquellos años de mitad-finales del siglo XIX apenas quedaba nada de aquellas culturas amerindias. (La desaparición de la cultura indígena se fecha en 1886).
De hecho, las primeras manifestaciones pictóricas/artísticas, hechas por Thomas Cole, el padre del paisajismo americano, fueron una recreación de lo que debieron ser esos valles y praderas, como en su cuadro "Luna y luz de fuego", de 1865.
Del mismo año, Thomas Hill, "Vista del valle Yosemite", o Albert Bierstadt: "Atardecer en la pradera", 1870.
Karl Bodmer. Grabados de "Viajes en el interior de América del Norte", 1839-43- Tribu de los Mandan.
Fotografías de Henry Jackson y E. Watkins, 1865-92.

3º) INDIOS EN LAS GRANDES LLANURAS.
Una estruendosa cabeza (disecada) de bisonte (o búfalo) domina toda esta sala dedicada a la cultura india que hasta la invasión colona dominó esa parte de la hoy llamada Estados Unidos. Esto para indicar que, en aquella época, mitad del siglo XIX, había unos 75 millones de búfalos. Aquello que fascinó sobremanera a los primeros colonos españoles y europeos, que fliparon viendo pasar a las manadas de búfalos durante días,
Charles Wimar, "El rostro perdido"
Catlin; geniales sus cuadros sobre indios, como "El hombre Medicina", 1832.



Más de Catlin, uno de los primeros en sentirse fascinado por esta cultura india, que llegó, este Catlin, a tener una especie de museo ambulante donde enseñaba sus suvenires indios además de sus pinturas, esculturas y mapas.

Refrescospepito escribió:

LA ILUSIÓN DEL LEJANO OESTE.
Museo Thyssen-Bornemisza, Madrid.
Hasta el 7 de febrero de 2015.
10€. Gratis para desempleados.


Una curiosa y bastante tétrica exposición sobre, precisamente, ese Lejano Oeste idealizado y cómo se formó.

Es la ilusión de uno de los máximos conocedores y coleccionistas  de ítems relacionados con el wéstern que hay en España, Miguel Ángel Blanco, comisario, también, de esta exposición.

En unas seis salas, Miguel Ángel Blanco trata de explicar qué es eso que llamamos el Lejano Oeste y de qué se compone.

1º) EXPLORAR EL NUEVO MUNDO.
Antes de que los colonos le pegaran fuego a la América ancestral, los primeros pobladores fueron, cómo no, los españoles y, luego, otros pobladores europeos que desde Florida y Nuevo México se extendieron por el medio oeste y la  hoy llamada Costa Oeste en busca de hipotéticas riquezas de oro y piedras preciosas.
Esta sala enseña mapas de época, siglo XVI y restos de animales y de esas primeras colonizaciones.

Pero no fue hasta la llegada del año 1803, cuando Thomas Jefferson compra Luisiana y empieza la expansión bestial en lo que en Estados Unidos se conocía como La Frontera, y era esa frontera con territorios entonces mexicanos como era toda la Costa Oeste.



2º) PUEBLOS Y PAISAJES INÉDITOS.
Esta sala propone que la ilusión romántica por un Lejano Oeste arranca ya en 1862, justo cuando la expansión desmedida de los colonos hacia el Atlántico fue acabando con los recursos humanos y naturales y ya para aquellos años de mitad-finales del siglo XIX apenas quedaba nada de aquellas culturas amerindias. (La desaparición de la cultura indígena se fecha en 1886).
De hecho, las primeras manifestaciones pictóricas/artísticas, hechas por Thomas Cole, el padre del paisajismo americano, fueron una recreación de lo que debieron ser esos valles y praderas, como en su cuadro "Luna y luz de fuego", de 1865.
Del mismo año, Thomas Hill, "Vista del valle Yosemite", o Albert Bierstadt: "Atardecer en la pradera", 1870.
Karl Bodmer. Grabados de "Viajes en el interior de América del Norte", 1839-43- Tribu de los Mandan.
Fotografías de Henry Jackson y E. Watkins, 1865-92.

3º) INDIOS EN LAS GRANDES LLANURAS.
Una estruendosa cabeza (disecada) de bisonte (o búfalo) domina toda esta sala dedicada a la cultura india que hasta la invasión colona dominó esa parte de la hoy llamada Estados Unidos. Esto para indicar que, en aquella época, mitad del siglo XIX, había unos 75 millones de búfalos. Aquello que fascinó sobremanera a los primeros colonos españoles y europeos, que fliparon viendo pasar a las manadas de búfalos durante días,
Charles Wimar, "El rostro perdido"
Catlin; geniales sus cuadros sobre indios, como "El hombre Medicina", 1832.



Más de Catlin, uno de los primeros en sentirse fascinado por esta cultura india, que llegó, este Catlin, a tener una especie de museo ambulante donde enseñaba sus suvenires indios además de sus pinturas, esculturas y mapas.

4º) EFIGIES Y CEREMONIAS.
Un recorrido por cómo reinterpretaron los occidentales de finales del XIX toda esa cultura.
Fotos de Curtis y Muhr.
Primeras exposiciones ambulantes y exhibiciones.
El circo de Buffalo Bill, donde participaba Sitting Bull.
Instrumentos y armas apacha (tomahawk).
Cinturón navajo
Invocación Sioux
Muñecos de tela de los Hopi.
Los mitos que los colonos crearon sobre los indios: el buen salvaje, el despiadado rapa-cabezas, el piel roja, el guía amigo, la raza desaparecida...
Conexiónes con indígenas de Sudamérica.

5º) INDIOS Y VAQUEROS.
Una recopilación que ha hecho Miguel Ángel Blanco, el comisario de esta expo, de muchos de sus ítems relacionados con este tema, en toda una vida recopilando cosas sobre el "Lejano Oeste".
Así, esta sala presenta una serie de pósteres originales españoles de películas clásica como "La diligencia" y otras más modernas en el tiempo, como "Soldado azul"; aparte, una vitrina expone una colección de indios de plástico en  miniatura, fotografías, libros, revistas, cómics, discos y diferentes objetos que remiten a ese pasado idealizado.

6º) LA BIBLIOTECA DEL BOSQUE.
Miguel Ángel Blanco, el que ha montado toda esta historia, es también artista, y su afición por el "far west" ha influido en gran manera su arte y esta sala presenta una colección de lo que él llama, La Biblioteca del Bosque, un grupo escultórico compuesto por cientos de cajas-obras de arte, donde recopila objetos de los indios, tierra, rocas de américa y restos de animales, dándole un tratamiento artístico. La cosa resulta de lo más tétrica y acongojante y no me moló nada.

Total, una curiosa y personalísima expo sobre el Oeste que gustará a los que aman esta idealización romántica.

Solo para fans.

Refrescospepito escribió:

CARLOS LEÓN. PINK REQUIEM.
Sala Alcalá 31, Madrid.
(Exposición cerrada).

"Cualquiera es ahora crítico de arte", decía Alex Carver, el personaje de Morgan Freeman en la excelente película "Ático sin ascensor" (5 flights up) de Richard Loncraine (EE.UU., 2014), en donde Freeman encarnaba a un viejo artista plástico cansado de que cualquiera en Internet podría hablar de arte o lo que le diera la gana.
Bueno, esto es para otro debate (ejem).

Aquí lo que nos ocupa es esta exposición que, como todas las organizados por la estupenda sala Alcalá 31, está fabulosamente bien coordinada con aprovechamiento de ese fabuloso espacio.

Lo primero que hay que agradecer a Carlos León Escudero (Ceuta, 1948), un artista de larga trayectoria, según parece, pero del que yo no tenía ni idea, es que no titule sus cuadros "Sin título" o "Pintura" o "Equinoxxxxx Ab-341-Z". Gracias, señor.
Lo segundo, ¿qué demonios es el diband?

Este hombre adscrito a la abstracción (eso lo he leído), presenta una serie de obras donde el color rosa es el protagonista.

"Las cenizas del día" parece pintdo con un plumero o un peluche. Es como un más allá de la técnica del "dripping".

"Bajo Rosas". Pollock ve esto y cree que el gato del pintor y el del vecino se pelearon encima del lienzo tras haberse concienzudamente embadurnado de pintura rosa, sin embargo, es difícil sustraerse a la fuerza y el encanto de este enigmático lienzo.

Y otro más allá, un más allá de Goya en la magnífica serie de "pinturas negras"

Las cuatro partes de "Topiario de Perséfone". Esas nubes como reflejos en un charco de agua sucia.

"Interior", 1998. Acrílico. Algo más figurativo.

"Mujer desnudándose muchísimo", 2008.

Las sugerentes y atractivas tonalidades de color mármol (Retazos de un invierno). En otros cuadros parecidos, esplendido viraje al amarillo.

Como siempre, esta sala, Alcalá 31, nos da la oportunidad de disfrutar de una visión inédita desde el primer piso, por lo que uno ve los cuadros de las salas bajas desde una perspectiva espectacular.

"Venus", pequeño óleo sobre diband de 2008, (¿qué era al final esto del diband?).

"Ensamblaje", 2015, me recuerda a las portadas de "Pictures at eleven" de Robert Plant o aquella de Robert Chapman, "Chappo".

"El jardín de Lucrecio", notable por el color verde.

"Los jardines velados", poliéster, parecen tests de Rorschach.

 

Refrescospepito escribió:

EDVARD MUNCH: ARQUETIPOS.
Museo Thyssen-Bornemisza.
Hasta el 17 de enero de 2016.
11 euros.
Gratis para desempleados.
Audio-guía: 4 euros.

NO ESTÁ "EL GRITO".
O, al menos, no "El Grito" que importa, el famoso, vaya.
Las cuatro copias en óleo que hizo Evard Munch (pronúnciese "munk") de este cuadro (hacía copia de casi todas sus obras, pues no le gustaba desembarazarse de ellas) deben estar más custodiadas que "El Guernica"), sí hay una litografía de este "Grito" que impresiona tanto como los óleos.

Bueno, yo ya no trabajo en el Thyssen (curraba vendiendo audio-guías) desde hace tres semanas y fue raro para mí estar al otro lado del mostrador de las audio-guías y alquilar yo una las cuales, por cierto, son tan buenas como las de la compañía para la cuál yo trabajaba.

Y dicho esto, empezamos.

Una exposición que, como nos tiene acostumbrados en Thyssen, está estupendamente bien presentada, con gusto y aprovechamiento (ejem), y exhibe unas 85 obras del, quizás, el mayor artista pictórico que ha dado Noruega.

Se ordena en varios apartados, no cronológicamente, y que da idea de esos "arquetipos" en los que trabajó Munch durante su vida.

MELANCOLÍA.
"Ensenada con bote y casa", 1881, una obra temprana que casi parece de Turner, por aquello del paisaje nórdico con aldeanos por ahí y representando una escena bucólica.

"Melancolía", 1892, que aborda uno de los temas favoritos de Munch: el sufrimiento psíquico. En este estupendo lienzo ya se dan cita algunas de las características que lo hicieron famoso: la ondulación de los cuerpos y las cosas y los fenómenos, la deformación, la falta, buscada, de perspectiva, la intensidad de los colores en detrimento de las formas...
"Atardecer de verano" y "Madre e hija", otros dos obras tempranas, de gran formato, que revelan el gusto de Munch por las escenas bucólicas.
"Dos mujeres en la orilla" y "Noche de verano", con esa especia de I, con redondel arriba, de color amarillo y que representa el reflejo de la luna en el agua y que pronto veremos en oros cuadros.
"Dos seres humanos", 1899, xilografía en color muy moderna. El óleo, de mismo título, está menos conseguido.

MUERTE.
Otro tema recurrente, y de esto hay bastantes ejemplos.
"Agonía", 1915, con su extraño parecido con Tlusse Lautrec, es un cuadro de gran formato que deja ver ciertas partes del lienzo por cubrir.
La serie de "La niña enferma", lápiz litográfico, con su versión enrojo a al b/n, que también son obras originales y "modernas".
Impresionante el dibujo a lápiz y tinta "En la habitación de la enferma".
Fascinantes xilografías sobre este tema, "Ansiedad", "El grito", cómo no, "Pánico en Oslo" (la increi´ble versión´en color, xilografía con gubia, fantásticos, extraordinarios.

MUJER.
La "Madonna", 1902, extraordinaria, quizás mi obra favorita de Munch, con el feto mosqueado en una esquina, que mira a una voluptuosa mujer, seguramente, su madre. En trabajos como este es donde veo yo en el maestro noruego la huella de grandes muralistas como Toulouse Lautrec,  Mucha o incluso Aubrey Beardsley, contemporáneos suyos, por cierto.



Esa I con un redondel encima, fascinante, que es el reflejo de una luna amarilla, aparece de nuevo en "Baile en la orilla", donde se ven a unas mujeres danzantes y ondulantes. Siempre la sinuosidad.
Munch y sus ideas, como esa en la que dice que él está en medio de dos épocas, la época anterior, la de la mujer-Carmen, y la de ahora, la época de transición, donde el hombre es el sexo débil.
"Mujer", cuadro de gran formato, que no me dice mucho.
Que el cómic y la imaginería del pop-art se basó mucho en Munch para desarrollarse es algo que deja constancia esta "Cabeza con cabeza", xilografía con gubia  formón fantástica e imaginativa. Y "la mujer pelirroja con ojos verdes", "El pecado", que al igual que el estupendo "Madonna", anunciaban los carteles de la época rock-psicodélica de la segunda mitad de los años sesenta del siglo XX.
Una no muy afortunada versión de "Pubertad", con una técnica casi puntillista o de manchas de colores.
"Encuentro en el espacio", una xilografía a lo Matisse de los recortables.
(Y aquí una pequeña mocosa, de seis o siete años, que iba de mano de su padre, preguntaba: "¿Y aquí pueden entrar los niños?").

MELODRAMA.
"Celos", un lápiz litográfico que parece, una vez más, un T. Lautrec.
La serie de "La habitación verde", de escaso interés, para mí, con cuadros feos de calidad relativa, como hechos aprisa y con poco gusto. (En algunos se cuenta la historia de  Hedda Gabler, según la obra de Henrik Ibsen, cuyo marido muere asesinado en un prostíbulo (como Sam Cooke).
La serie  de "El beso", con varios cuadros, óleos y dibujos, donde los rostros de los amantes se funden hasta ser uno solo. Algo tétrico y muy descriptivo de la idea del maestro noruego sobre el amor. (y otra vez la I amarilla con redondel encima).

AMOR.
La serie vampírica, con la mujer que parece que está clavando sus dientes en el cuello del hombre, sonde sorprende "Tras la caída".

NOCTURNOS.
"Los nocturnos". Siguen siendo sus cuadros más alucinantes, donde representa el embrujo de la noche y esas figuras como lechosas.
Impresionante "Winter night", paisaje invernal maravilloso.
Las "Noches estrelladas", concomitancias con Van Gogh.
"Under the stars", 1905.
"Paisaje invernal", parecido a aquel cuadro espléndido que vi de Munch en la expo de Basilea en el Reina Sofía.

VITALIDAD.
"La tormenta", y aquí la audio-guía introduce un término interesante y que yo no conocía: "paisajes mentales".
El extraordinario "Calle de Åsgårdstrand", que también vi en la expo de Basilea y que es uno de mis más favoritos cuadros de Munch: esos preciosos colores pastel como apagados, las figuras sinuosas de las mujeres, la niña en primer plano... Casi parece, una vez más, un cuadro de Turner.
Algo menos interesante "Las mujeres en el puente", con esos colores chillones, esas formas geométricas, estridentes, de mal gusto.
Exquisito "Bajo el castaño".
"Verano en Kagero", "Gansos en un huerto". Diferentes temas, el de los gansos, para un cuadro espléndido, al igual que el paisaje.
Un autorretrato en el que se nos muestra sereno y confiado y que me recuerdan a aquellos de Pierre Bonnard, de quien también hablaré próximamente.

DESNUDOS.
La obra última de Munch nos muestra al pintor liberado de sus problemas mentales y de sus obsesiones y en un autorretrato en pelota picada ("Desnudo de pie sobre fondo azul") aparece triunfal y altivo. Curioso que este cuadro también me recuerde a los autorretratos de última época de Bonnard. Este desnudo tiene la particularidad de presentar "otra cara" en la barriga del autorretratado Munch. ¿Casualidad?
"La modelo junto a la silla de mimbre", que remite a Matisse, y aún a Raoul Duffy, y sus odaliscas.
Angustiosos desnudos femeninos y de rodillas. Triste, poco interesante y realmente es apelar a la desgracia y al infortunio por su propia razón de ser, que a mí me parece insuficiente.
Y la expo termina con "El artista y su modelo", con título de clara referencia picassiana, cuadro más que adecuado para rubricar este muy interesante muestra.

Yo le doy un    

Adso escribió:

Refrescospepito escribió:

EDVARD MUNCH: ARQUETIPOS.
Museo Thyssen-Bornemisza.
Hasta el 17 de enero de 2016.
11 euros.
Gratis para desempleados.
Audio-guía: 4 euros.

NO ESTÁ "EL GRITO".
O, al menos, no "El Grito" que importa, el famoso, vaya.
Las cuatro copias en óleo que hizo Evard Munch (pronúnciese "munk") de este cuadro (hacía copia de casi todas sus obras, pues no le gustaba desembarazarse de ellas) deben estar más custodiadas que "El Guernica"), sí hay una litografía de este "Grito" que impresiona tanto como los óleos.

Bueno, yo ya no trabajo en el Thyssen (curraba vendiendo audio-guías) desde hace tres semanas y fue raro para mí estar al otro lado del mostrador de las audio-guías y alquilar yo una las cuales, por cierto, son tan buenas como las de la compañía para la cuál yo trabajaba.

Y dicho esto, empezamos.

Una exposición que, como nos tiene acostumbrados en Thyssen, está estupendamente bien presentada, con gusto y aprovechamiento (ejem), y exhibe unas 85 obras del, quizás, el mayor artista pictórico que ha dado Noruega.

Se ordena en varios apartados, no cronológicamente, y que da idea de esos "arquetipos" en los que trabajó Munch durante su vida.

MELANCOLÍA.
"Ensenada con bote y casa", 1881, una obra temprana que casi parece de Turner, por aquello del paisaje nórdico con aldeanos por ahí y representando una escena bucólica.

"Melancolía", 1892, que aborda uno de los temas favoritos de Munch: el sufrimiento psíquico. En este estupendo lienzo ya se dan cita algunas de las características que lo hicieron famoso: la ondulación de los cuerpos y las cosas y los fenómenos, la deformación, la falta, buscada, de perspectiva, la intensidad de los colores en detrimento de las formas...
"Atardecer de verano" y "Madre e hija", otros dos obras tempranas, de gran formato, que revelan el gusto de Munch por las escenas bucólicas.
"Dos mujeres en la orilla" y "Noche de verano", con esa especia de I, con redondel arriba, de color amarillo y que representa el reflejo de la luna en el agua y que pronto veremos en oros cuadros.
"Dos seres humanos", 1899, xilografía en color muy moderna. El óleo, de mismo título, está menos conseguido.

MUERTE.
Otro tema recurrente, y de esto hay bastantes ejemplos.
"Agonía", 1915, con su extraño parecido con Tlusse Lautrec, es un cuadro de gran formato que deja ver ciertas partes del lienzo por cubrir.
La serie de "La niña enferma", lápiz litográfico, con su versión enrojo a al b/n, que también son obras originales y "modernas".
Impresionante el dibujo a lápiz y tinta "En la habitación de la enferma".
Fascinantes xilografías sobre este tema, "Ansiedad", "El grito", cómo no, "Pánico en Oslo" (la increi´ble versión´en color, xilografía con gubia, fantásticos, extraordinarios.

MUJER.
La "Madonna", 1902, extraordinaria, quizás mi obra favorita de Munch, con el feto mosqueado en una esquina, que mira a una voluptuosa mujer, seguramente, su madre. En trabajos como este es donde veo yo en el maestro noruego la huella de grandes muralistas como Toulouse Lautrec,  Mucha o incluso Aubrey Beardsley, contemporáneos suyos, por cierto.



Esa I con un redondel encima, fascinante, que es el reflejo de una luna amarilla, aparece de nuevo en "Baile en la orilla", donde se ven a unas mujeres danzantes y ondulantes. Siempre la sinuosidad.
Munch y sus ideas, como esa en la que dice que él está en medio de dos épocas, la época anterior, la de la mujer-Carmen, y la de ahora, la época de transición, donde el hombre es el sexo débil.
"Mujer", cuadro de gran formato, que no me dice mucho.
Que el cómic y la imaginería del pop-art se basó mucho en Munch para desarrollarse es algo que deja constancia esta "Cabeza con cabeza", xilografía con gubia  formón fantástica e imaginativa. Y "la mujer pelirroja con ojos verdes", "El pecado", que al igual que el estupendo "Madonna", anunciaban los carteles de la época rock-psicodélica de la segunda mitad de los años sesenta del siglo XX.
Una no muy afortunada versión de "Pubertad", con una técnica casi puntillista o de manchas de colores.
"Encuentro en el espacio", una xilografía a lo Matisse de los recortables.
(Y aquí una pequeña mocosa, de seis o siete años, que iba de mano de su padre, preguntaba: "¿Y aquí pueden entrar los niños?").

MELODRAMA.
"Celos", un lápiz litográfico que parece, una vez más, un T. Lautrec.
La serie de "La habitación verde", de escaso interés, para mí, con cuadros feos de calidad relativa, como hechos aprisa y con poco gusto. (En algunos se cuenta la historia de  Hedda Gabler, según la obra de Henrik Ibsen, cuyo marido muere asesinado en un prostíbulo (como Sam Cooke).
La serie  de "El beso", con varios cuadros, óleos y dibujos, donde los rostros de los amantes se funden hasta ser uno solo. Algo tétrico y muy descriptivo de la idea del maestro noruego sobre el amor. (y otra vez la I amarilla con redondel encima).

AMOR.
La serie vampírica, con la mujer que parece que está clavando sus dientes en el cuello del hombre, sonde sorprende "Tras la caída".

NOCTURNOS.
"Los nocturnos". Siguen siendo sus cuadros más alucinantes, donde representa el embrujo de la noche y esas figuras como lechosas.
Impresionante "Winter night", paisaje invernal maravilloso.
Las "Noches estrelladas", concomitancias con Van Gogh.
"Under the stars", 1905.
"Paisaje invernal", parecido a aquel cuadro espléndido que vi de Munch en la expo de Basilea en el Reina Sofía.

VITALIDAD.
"La tormenta", y aquí la audio-guía introduce un término interesante y que yo no conocía: "paisajes mentales".
El extraordinario "Calle de Åsgårdstrand", que también vi en la expo de Basilea y que es uno de mis más favoritos cuadros de Munch: esos preciosos colores pastel como apagados, las figuras sinuosas de las mujeres, la niña en primer plano... Casi parece, una vez más, un cuadro de Turner.
Algo menos interesante "Las mujeres en el puente", con esos colores chillones, esas formas geométricas, estridentes, de mal gusto.
Exquisito "Bajo el castaño".
"Verano en Kagero", "Gansos en un huerto". Diferentes temas, el de los gansos, para un cuadro espléndido, al igual que el paisaje.
Un autorretrato en el que se nos muestra sereno y confiado y que me recuerdan a aquellos de Pierre Bonnard, de quien también hablaré próximamente.

DESNUDOS.
La obra última de Munch nos muestra al pintor liberado de sus problemas mentales y de sus obsesiones y en un autorretrato en pelota picada ("Desnudo de pie sobre fondo azul") aparece triunfal y altivo. Curioso que este cuadro también me recuerde a los autorretratos de última época de Bonnard. Este desnudo tiene la particularidad de presentar "otra cara" en la barriga del autorretratado Munch. ¿Casualidad?
"La modelo junto a la silla de mimbre", que remite a Matisse, y aún a Raoul Duffy, y sus odaliscas.
Angustiosos desnudos femeninos y de rodillas. Triste, poco interesante y realmente es apelar a la desgracia y al infortunio por su propia razón de ser, que a mí me parece insuficiente.
Y la expo termina con "El artista y su modelo", con título de clara referencia picassiana, cuadro más que adecuado para rubricar este muy interesante muestra.

Yo le doy un    

El sábado estuve yo y merece mucho la pena. Munch debió sufrir mucho mal de amores, porque vaya tela cómo muestra a las mujeres: vampiros, asesinas, enfermas... Entre eso y la obsesión con la desesperación, locura, soledad, enfermedad, muerte... uno acaba un poco tocado al salir.

Por cierto, no está "El grito" porque lo robaron, ¿no? Y si lo recuperaron imagino que ni de coña sale del país.

Ed Wood escribió:Mi visita a Barcelona para el concierto de Chris Cornell fue fugaz, pero me dio tiempo a pasarme por la Fundación Museo Picasso y por el Museo del Modernismo de Barcelona.

Al haber podido disfrutar del Museo Picasso de Málaga, tenía dudas sobre esta fundación, aunque sólo fuese por comparación. Afortunadamente estaba equivocado, y me encontré una exposición imperdible que abarcaba sus obras más tempranas (con puñetazos en la mesa esporádicos incluso a los 14 años) hasta su época de madurez total, con obras que apabullan en su genialidad, como "Pintor trabajando", una de mis favoritas.



Sin embargo, la estrella de la colección bien podrían ser sus múltiples versiones de "Las meninas". De verdad que sobrecoge ver sus completamente diferentes acercamientos a este cuadro, con una sala llena de diferentes tomas, diferentes estilos, elección de figuras y colores, cada una de ellas más sorprendente que la anterior. Es como ver a un genio loco haciendo la misma película en negro, western, comedia, drama, y conseguir que todas las versiones sean obras maestras. De verdad que salí trastocado.



Aquí podéis ver la evolución de sus versiones: http://www.blogmuseupicassobcn.org/2015/08/la-cronologia-de-las-meninas-de-picasso-2/?lang=es

Además, colección bastante completa de cerámicas, no menos deslumbrantes.

En el Museo del Modernismo de Barcelona la exposición temporal era la de Ramón Casas, con óleos, grabados, etc., muy representativos de la época y del arte burgués de la época. Pero lo mejor estaba en el apartado de ebanistería, con trabajos fabulosos de Busquets i Jané o de Gaspar Homar, y escultura. Tan sólo por "Sueño", de Blay Fábregas y, sobre todo, por la muy impresionante "Primera Comunión", de Llimona i Bruguera, la visita merece la pena.

Dejo algunas imágenes: