★ DAVID BOWIE - Discografía desquiciada ★ Blackstar (2016). FIN.

Johnny Kashmir escribió:No me acordaba que Love Is Lost es tan cojonuda.

eskoriez escribió:

Johnny Kashmir escribió:No me acordaba que Love Is Lost es tan cojonuda.

Baja un poco la cosa en la siguiente, pero esas cuatro primeras buenisimas

DumDumBoy escribió:

eskoriez escribió:

Johnny Kashmir escribió:No me acordaba que Love Is Lost es tan cojonuda.

Baja un poco la cosa en la siguiente, pero esas cuatro primeras buenisimas

No te mola Where Are We Now?, para mi igual que ha comentado Starsailor, temazo tremendo.

Valentine's Days a mi me parece lógico single, creo que es seguramente el tema más accesible del disco. Rollo época glam.

Johnny Kashmir escribió:If You Can See Me y I'd RAther Be High se me han atragantado. Pero sin embargo, la sencillez de Boss Of Me me está recuperando para la causa. Me mola el saxo.

Johnny Kashmir escribió:No me acordaba que Love Is Lost es tan cojonuda.

Felix the cat escribió:Da la sensación de que Bowie puso en este disco todo lo que había aprendido por el camino... hay quien idolatra Blackstar pero, sin ser un disco malo, creo que no resiste una comparación con este. Claro que las comparaciones son odiosas...

eskoriez escribió:

DumDumBoy escribió:

eskoriez escribió:

Johnny Kashmir escribió:No me acordaba que Love Is Lost es tan cojonuda.

Baja un poco la cosa en la siguiente, pero esas cuatro primeras buenisimas

No te mola Where Are We Now?, para mi igual que ha comentado Starsailor, temazo tremendo.

Valentine's Days a mi me parece lógico single, creo que es seguramente el tema más accesible del disco. Rollo época glam.

Correcta sin mas, Valentines no le veo nada la verdad

Stoner escribió:

Felix the cat escribió:Da la sensación de que Bowie puso en este disco todo lo que había aprendido por el camino... hay quien idolatra Blackstar pero, sin ser un disco malo, creo que no resiste una comparación con este. Claro que las comparaciones son odiosas...

Así es

Adso escribió:Fue el mejor disco de Bowie en muchos años, cuando poco se esperaba de él.

watts escribió:The Next Day es un resumen de los que fue y Blackstar de lo que podría ser...

The Next Day es un disco que recorre terrenos conocidos y Blackstar se lanza en plancha a lo desconocido.

Prefiero Blackstar porque es un disco que me ofrece cosas que no me ofrecen otros discos de Bowie, pero The Next Day fue una sorpresa brutal que nos dejó a todos con el culo desencajado

Johnny Kashmir escribió:If You Can See Me y I'd RAther Be High se me han atragantado. Pero sin embargo, la sencillez de Boss Of Me me está recuperando para la causa. Me mola el saxo.

Felix the cat escribió:___

The Next Day (2013)

La historia de The next day, el album que se puso a la venta un 8 de marzo de 2013 y hace el n.º 24 de sus discos en estudio, comienza en realidad en 1977, en Berlín. Allí se escapó Bowie en compañía de Iggy Pop tras tres años viviendo por y para la cocaína que lo habían dejado en los huesos y en brazos de la paranoia. No parecía buena idea mudarse a una de las capitales europeas de la droga en compañía de un politoxicómano, pero así estaban las cosas entonces. En todo caso, se constataría una paulatina sustitución de la coca por el alcohol como combustible vital.
Una de las razones por las que Bowie eligió Berlín para reinventarse fue su admiración por el escritor Christopher Isherwood y sus historias de cabarets decadentes en la república de Weimar, en los albores del nazismo (magníficamente retratados en la serie Babylon Berlin). Bowie había conocido a Isherwood en 1976, tras un concierto en Los Angeles. La canción Where are we now? habla del club Dschungel, un local famoso de la noche berlinesa en los años 70. Es con este tema, puesto a la venta en iTunes sin promoción alguna, con el que rompió el 8 de enero (el día de su cumpleaños) un silencio musical de 10 años (desde Reality, en 2003). Ese mismo día se subió a su página web un video clip de la canción dirigido por un artista multimedia neoyorquino, Tony Ousler.


Cuando vas andando por ahí y te encuentras eso, sin venir a cuento...

En The next day tenemos a Bowie (una vez más) disfrazándose ...de Bowie. Reinventándose para encarnarse en el Bowie de otra época. La primera pista está en la portada: desfigura la del album Heroes, la pieza central de su trilogía berlinesa.
El disco es un album complejo, sombrío, multiestilítstico, exigente, con pocos temas pegadizos. Rasgos que comparten muchos albumes de Bowie, aunque en esta ocasión nuestro alienígena favorito nos ofrece una voz más gruesa que de costumbre para que empaste mejor con la música.

El primer corte es The next day, con una letra inspirada en libros de historia medieval inglesa que arranca con la despedida entre dos amantes (“escucha a las putas” le aconseja él a ella), para hablarnos de un hombre arrastrado y mutilado por el gentío. La violencia es el argumento de esta enérgica pieza, un elemento inseparable del mundo de la Edad Media. La música está dominada por un ritmo trotón que avanza hasta el estribillo, donde Bowie parece morder las palabras. Notable presencia de guitarras afiladas que añaden inquietud a la atmósfera de la pieza.
Dirty boys ofrece una melodía tambaleante envuelta en los chirridos del saxofón de un viejo colaborador, Steve Elson; una atmósfera que recuerda a la de Nightclubbing que Bowie co-escribió y produjo para Iggy Pop en la época de Berlín. O a la de muchas canciones de Tom Waits.

La siguiente es una pieza más relajada que constituyó el segundo single del disco, The stars (are out tonight), con la siempre estimable presencia de Mick Ronson a la guitarra y que ofrece pasajes que remiten a China girl o a Let’s dance. La letra aprovecha la obvia dualidad del término “estrella” para hablar sobre la celebridad de una forma bastante más sutil que en Fame, su hit de 1975. Estrellas que “te queman con sus sonrisas radiantes” y “te atrapan con sus hermosos ojos”, “derramando sus celos”, “arruinadas y avergonzadas o borrachas y asustadas” pero, insiste en este verso: “espero que vivan para siempre”.

Con Love is lost regresa la zozobra de la mano de unos fríos sintetizadores y del desesperanzado arranque de Bowie: “Es la hora más oscura, tienes veintidós años / la voz de la juventud, la hora del pavor”. Le está hablando a una muchacha en cuya vida todo es nuevo pero cuyo miedo “es tan viejo como el mundo”. Mientras, sintes y batería machacan una papilla de agridulce paladar.
Where are we now es la balada que se escogió como primer single del album para sacarlo en iTunes sin promoción alguna, el día en que Bowie cumplía 66 años. Se hizo acompañar por un videoclip a cargo del mencionado Tony Ouslen (productor de T.Rex, del Bad reputation de Thin Lizzy, y de albumes de Boomtown Rats, The Stranglers, The Moody Blues, Manic Street Preachers…) que ha envejecido bastante mal. Bowie da cuenta en primera persona de un tiempo ya pasado, con continuas referencias a distintos lugares de Berlín. Tal vez haya que darle la razón al diseñador gráfico del disco (nos ahorraremos el nombre) quien manifestó que la canción es "una comparación entre el Berlín después de la caída del muro y el Berlín actual". El envoltorio musical recuerda, aunque vagamente, al glam. La batería vuelve a mandar en la última estrofa del tema, donde salmodia: “mientras haya sol / mientras haya lluvia / mientras haya fuego / mientras estés tu / mientras esté yo”. Melancolía en vena, nunca mejor dicho.


Esa fina línea entre la obra maestra y la tomadura de pelo.

La canción fue defenestrada por Angela Barnett, la ex de Bowie (la Angie que se pasó media vida reclamando ser la misma de la famosa balada de los Rolling Stones porque se había acostado con Jagger) en el periódico dominical más vendido en el Reino Unido. “No puedo evitar preguntarme qué fue del innovador musical. No quiero ser cruel, pero no me abandona la sensación de que el sentimiento retro-introspectivo de la canción encierra un mensaje: no voy a estar aquí mucho más tiempo, hablemos del pasado”. Esta última frase pone los pelos de punta si pensamos que Bowie solo publicaría un album más, dos días antes de su fallecimiento. “No hay nada en el sonido que sea nuevo, tampoco. La temática cansa: es una mirada nostálgica a la última ocasión en que estuvo en el primer plano de la música pop. Y, lo que es peor, el disco hace mitología y envuelve en romanticismo un período de la carrera de David que recuerdo con disgusto. Lo que recuerdo de Berlín… son multitud de ocasiones de estar sentada en nightclubs con David fingiendo que era un extra en Cabaret mientras era testigo del ascenso de los nazis”.

Si no quería ser cruel, Angie consiguió disimularlo, pero nadie que no se muestre complaciente con su ex-marido le puede poner un pero a su análisis por más que provenga de una personalidad tan controvertida como la suya. Observemos que no está hablando de la calidad del material que Bowie presentaba, sino de su relevancia. No estamos aquí para debatir sobre la insensata demanda de transcendencia histórica que con frecuencia se le exige a los grandes creadores en cualquier punto de su carrera, pero tal parece que es el argumento de Angie Bowie.

La batería, uno de los instrumentos cruciales de este disco, vuelve a mandar en Valentine’s day, cuya temática se sale un poco por la tangente: un alumno de rostro aniñado se dedica a pegar tiros en una escuela. Se piensa que la canción hace referencia al tiroteo que tuvo lugar en la universidad de Northern Illionis (USA) el día de san Valentín de 2008. Podemos asegurar que esta pieza no pasará a la historia, entre otras cosas porque no ha dado señales de ello hasta ahora.

If you can see me es otra canción forjada por la fascinación de Bowie con la temática medieval. Musicalmente, se relaciona tanto con Earthling como con Blackstar. Nuevamente el tratamiento rítmico que impone la batería es crucial, con esos crujidos tan jazzísticos. Según Visconti, muchas de los temas de The next day fueron concebidos con Bowie al teclado. Al productor y multiinstrumentista neoyorquino le parecía que Dave Brubeck (famoso pianista y representante del “cool jazz” fallecido un año atrás) estaría orgulloso de esta canción.

Otro tanto se podría decir, y seguro que se ha dicho, de I’d rather be high, aunque servidor la situaría bastante por encima de la anterior. Esto dijo Tony Visconti sobre la canción: “trata de un soldado que regresa devastado de una guerra y que, en lugar de volver a transformarse en ser humano, lamenta: preferiría estar colocado. No quiero saber nada. Quiero borrar esos pensamientos de mi mente”. Estamos, pues, ante el antibelicismo en toda regla.

Boss of me es el tema más plano del disco. Fue compuesta en el verano de 2011 junto a su guitarrista Gerry Leonard tras una visita de Bowie a Woodstock donde aquel tenía una casa. Bowie usó un teclado Roland que Leonard pidió a un amigo. Se supone que el título del tema surgió por uno de los procesadores de efectos que tenía Leonard, un Boss ME-80. La letra habla de la inesperada relación amorosa con una muchacha de un pueblo pequeño, que se convierte en su jefa (“the boss of me”). Tal vez una broma a cuenta del origen somalí de Imán, su mujer desde hacía diez años.
Dancing out in space es un típico tema de relleno. Se puede interpretar ese bailar en el espacio como una especie de muerte dulce flotando en él, como un nadador que se ahoga. De hecho, el primer verso es “cortando el agua” y se menciona “el reino de los barcos”. Bowie nombra al decimonónico poeta simbolista belga Georges Rodenbach, quien fue objeto de atención y de reediciones de su obra en Inglaterra al comenzar el presente siglo. Llama especialmente la atención la forma de cantar, en octava doble y con una burlona alegría que en el estribillo incluye un toque de bajo doo-wop. Brota también en ellos un ritmo que recuerda a Lust for life.

How does the grass grow? es un título que reitera la temática bélica. Se trata de un cántico con el que los soldados se entrenaban en la lucha cuerpo a cuerpo. Mientras hundían las bayonetas en los muñecos repetían: “How does the grass grow? Blood, blood, blood” (¿cómo crece la hierba? ¡Sangre, sangre, sangre!).
La canción construye su estribillo a partir del sonido central del tema Apache que popularizaron The Shadows, con los acordes ligeramente modificados. La música es una amalgama de líneas de teclado dobladas, golpes de platillos, órganos rampantes, el gemido de un par de notas en un bajo sintetizado. La distorsión aplicada a la voz de Bowie y su forma nerviosa y sincopada de expeler el texto crean una tensión revestida de tristeza. Las referencias a chicas que visten “faldas de nylon y sandalias de Hungría” y a los chicos “montados en sus ciclomotores de Riga” ayudan a situar la historia en algún lugar del bloque oriental durante la era soviética. Los jóvenes de ambos sexos alimentan la tierra con su sangre, la esperanza se ha perdido. Solo el suelo que pisamos perdurará.

En (You will) set the world on fire hallamos un homenaje a la escena folk de los primeros años de los sesenta y a su influencia en el rock inglés. El título remite a una frase de Catalina de Siena, una mística del siglo XIV: “Si somos lo que debemos ser, prenderemos fuego al mundo entero”. La canción arranca en Greenwich Village a medianoche y por ella desfila la creme de la escena folk de la época: Seeger, Baez, Ochs, Vank Ronk y Booby (Dylan). La “chica negra y la guitarra / arden juntas de rabia” parece referirse a la cantautora Odetta, una influyente figura para los antes citados.

Bowie reclutó como guitarrista a su antiguo compinche Earl Slick con una simple llamada telefónica. Slick comentó lo difícil que se le hizo mantener en secreto el proyecto durante los siguientes meses. El guitarrista fue portada de un especial de aquellas navidades de Guitar Player, revista que le dedicó 14 páginas. Recuerda que Bowie le agradeció amablemente haber mantenido cerrado el pico. Asegurarse una buena pieza rock (para rendir tributo al folk neyorquino, ojo) es lo que pretendía Bowie con Slick y lo consiguió. El verso más simpático: “Kennedy habría matado por las líneas que has escrito”. El más halagador: “gritando como una banshee / tú estás en el barco, nena / nosotros en el agua”.


Visconti, Bowie, Slick.

Regresan las miserias de la guerra con You feel so lonely you could die, la penúltima pieza del disco. Una clásica balada rockera que finaliza con los golpes de batería con que comienza Five years. Esto no es solo un guiño a uno de sus trabajos más exitosos, sino que de algún modo pretende sumarse a él con una letra que encajaría facilmente en el mundo futurista de Ziggy, poblado por jóvenes indiferentes y demasiado indulgentes, cinco años antes del final de la humanidad. El título procede de Heartbreak hotel (I get so lonely, I could die) de Elvis, quien también vino al mundo un 8 de Enero. La canción evoluciona a ritmo de vals, algo muy poco frecuente en su discografía. Una balada que es una despedida a un ser despreciable al que ve como un futuro suicida cuya depresión parece haber sido forjada por la soledad de una ciudad. “Puedo verte cadáver, colgando de una viga… ¡Mira si me importa!, ¡hazlo pronto, por favor!” Su interlocutor, un traidor, un vendido, un espía es alguien de quien está seguro de que se siente tan solo que podría morir, como reza el título. Su imagen dejando trozos de papel en el parque remite a las primeras escenas de La gente de Smiley una famosa novela de espionaje de John Le Carré.

En el tema que cierra el disco, Heat, Bowie canta con voz prístina y oscura a la vez: "Y me digo a mí mismo / no sé quién soy". Citaremos una vez más a Visconti, quien fue escogido para ser el portavoz en lo que se refiere a promoción de este album: “la letra era tan desoladora que le pregunté (a Bowie) de qué estaba hablando. “Oh, no hablo de mi”, dijo. “En ninguna de estas canciones. Hago de observador”. Visconti olvida mencionar que Bowie nunca habla tanto sobre sí mismo como cuando lo hace sobre cualquier otra cosa.

Heat es una balada en la que alguien que aparentemente se halla encerrado en una prisión (sea real o sea su propia mente) busca una identidad propia. Cantando con voz profunda y resonante, que recuerda a Scott Walker, Bowie comienza así: “When we saw Mishima’s dog / trapped between the rocks / blocking de waterfall” (Cuando vimos al perro de Mishima / atrapado entre las rocas / bloqueando la cascada). Este escenario aparece en la novela Spring snow (Nieve de primavera) del escritor japonés. La devoción de Bowie por este complejo y atormentado artista le llevó a pintar un enorme retrato que tenía colgado en su apartamento de Berlín.

Quizá sea conveniente citar aquí un párrafo de Confesiones de una máscara y leerlo pensando no en Mishima, sino en Bowie: “Lo que la gente consideraba una pose de mi parte era en realidad una expresión de mi necesidad de afirmar mi verdadera naturaleza. Y era precisamente lo que la gente consideraba mi verdadero yo lo que era una mascarada.”

Como “David Bowie”, “Yukio Mishima” era un nombre artístico, el de Kimitake Hiraoka . En una cena con Arcade Fire en Nueva York, Bowie se explayó sobre su devoción sobre el trabajo de Mishima. Llegó a afirmar que había estado en Tokio durante los trágicos sucesos que concluyeron con el suicidio del escritor. Claro que, en realidad, en esa fecha había estado sentado al piano en Beckenham, Londres. Nada que objetar a quien confesó: “Cambio mucho de idea. No suelo estar muy de acuerdo con lo que digo. Soy un tremendo mentiroso”.


Ese señor del cuadro pintado por Bowie es Yukio Mishima.

El paisaje que pinta Heat es un paisaje maldito. Tras los versos sobre Mishima Bowie habla de canciones de polvo, el fin del mundo, la noche siempre cayendo y “el pavo real en la nieve”. Esto último parece estar tomado de una escena de Amacord, la autobiográfica película de Fellini.
La violencia que atraviesa The Next Day alcanza reposo en Heat, una especie de “alto el fuego”.

Tras décadas de marcar tendencia en el mundo de la música, The Next Day suena a Bowie mirando por primera vez hacia atrás; una colección de canciones que alude a sus distintos períodos y estilos, desde el glam de la era Ziggy Stardust hasta la experimentación en Berlín, pasando por el soul plástico de Young Americans y tocando incluso el drum & bass de los años 90. Pese a este enfoque nostálgico, The Next Day también encuentra a Bowie sonando realmente urgente, como si el tipo estuviese consciente de los rumores sobre su salud y quisiera recordarle al mundo que nadie hacía música más vital que él. Si ese era la intención, el objetivo quedó más que cumplido.

Las tres últimas palabras de las 42 que Bowie ofreció al escritor Rick Moody como su única declaración pública sobre esta obra fueron: trágico-nervio-mistificación. Tres elementos que sin dudan permean el universo de la misma.

eskoriez escribió:Que anodina la de Valentines Day, no entiendo como la eligieron como single

Felix the cat escribió:Arreglado el desliz sobre Robson (gracias, Watts). Up!